Overview
Rozwój i instytucja zsynchronizowanego dźwięku przyniosły całkowitą rewolucję w artystycznym potencjale filmów, ale historia rozwoju filmu dźwiękowego jest również świadectwem sił ekonomii w przemyśle filmowym.
Tło
Filmy nigdy nie były tak naprawdę nieme; do 1900 roku główne teatry zapewniały jakąś formę muzycznego akompaniamentu do filmów, czy to poprzez partytury napisane dla filmów i grane na dużych organach, czy też poprzez improwizowany akompaniament pianisty lub innych muzyków. Podejmowano próby wprowadzenia nagranego dźwięku do doświadczeń filmowych, ale jedyną dostępną technologią były cylindry lub płyty z nagraniami, takie jak używane we wczesnych fonografach Edisona. (Oryginalny fonograf Thomasa Alvy Edisona wykorzystywał pokryty cynową folią cylinder, który był ręcznie kręcony korbką, podczas gdy igła przesuwała po nim rowek). Miały one istotne wady, ponieważ mogły pomieścić tylko około czterech minut dźwięku, sam dźwięk był trudny do wzmocnienia dla dużej publiczności, a synchronizacja z akcją na ekranie była prawie niemożliwa. Akompaniament muzyczny ograniczał się więc do specjalnych przedstawień w dużych teatrach, które mogły sobie pozwolić na zatrudnienie żywych muzyków. Z tych powodów w interesie ekonomicznym producentów filmowych było znalezienie niedrogich sposobów na wprowadzenie dźwięku do wszystkich filmów, w nadziei, że akompaniament muzyczny zwiększy zainteresowanie publiczności tą formą sztuki, a w konsekwencji zwiększy frekwencję w kinach. Chociaż pierwotnym zamiarem było zapewnienie zsynchronizowanego akompaniamentu muzycznego, to właśnie możliwości zsynchronizowanych systemów dźwiękowych w zakresie odtwarzania zsynchronizowanej mowy i dialogów ostatecznie przyciągnęły uwagę widzów.
W 1919 roku trzech Niemców – Joseph Engl, Joseph Masserole i Hans Vogt – wynalazło system Tri-Egon, który pozwalał na nagrywanie dźwięku bezpośrednio na taśmie filmowej. W systemie tym ogniwo fotoelektryczne służyło do przekształcania fal dźwiękowych w impulsy elektryczne, które następnie były przekształcane w fale świetlne i zapisywane bezpośrednio na taśmie filmowej jako ścieżka dźwiękowa. Projektor wyposażony w czytnik przetwarzał fale świetlne na dźwięk w celu ich odtworzenia, a specjalne koło zamachowe regulowało prędkość odtwarzania. Umożliwiło to uzyskanie zsynchronizowanego dźwięku, który działał przez cały czas trwania filmu.
W Ameryce dr Lee De Forest (1873-1961) pracował nad systemem zsynchronizowanego dźwięku opartym na 3-elektrodowej lampie wzmacniającej Audion, opracowanej w 1923 roku w celu rozwiązania problemu wzmocnienia dźwięku przy odtwarzaniu w dużym audytorium. Do 1924 roku 34 teatry na Wschodzie zostały wyposażone w system De Forest, a kolejnych 50 było planowanych w Stanach Zjednoczonych, Wielkiej Brytanii i Kanadzie. Firma De Forest rozpoczęła produkcję filmów pod nazwą De Forest Phonofilm Company, wypuszczając krótkie jedno- lub dwubębnowe filmy, które przedstawiały sceny z musicali i oper, słynne wodewile, przemówienia znanych osobistości i polityków, utwory wykonywane przez znanych muzyków, a także sporadycznie filmy narracyjne. Żaden z tych systemów nie został jednak zaadoptowany przez główne studio w Hollywood, ponieważ obawiano się, że przejście na film dźwiękowy będzie niezwykle kosztownym przedsięwzięciem dla tego, co tak naprawdę było fanaberią. Rozwój systemu Vitaphone i jego przyjęcie przez początkujące studio Warner Brothers zmusiłoby jednak studia do ponownego rozważenia zarówno kosztów, jak i konieczności przejścia na zsynchronizowany dźwięk, podobnie jak sukces wiadomości Fox Movietone.
System Vitaphone opracowany przez Western Electric i Bell Telephone Laboratories był systemem sound-on-disc, który Warner Brothers zamierzało wykorzystać do zapewnienia muzycznego akompaniamentu do filmów. W 1926 roku Warner Brothers zaprezentowali premierowo system podczas projekcji filmu Don Juan w Nowym Jorku. Do 1927 roku Warner Brothers okablował 150 teatrów w całej Ameryce, co było ogromną inwestycją kapitałową, biorąc pod uwagę, że konwersja kosztowała czasem nawet 25 000 dolarów na teatr. Inne wytwórnie, obawiając się kosztów związanych z przejściem na dźwięk, a także utraty dochodów z wyprodukowanych już filmów niemych, połączyły się w grupy, aby przeciwstawić się przejściu na filmy dźwiękowe lub stworzyć własny, konkurencyjny system dźwiękowy.
Tą drogą poszła Fox Film Corporation. W 1927 roku Fox nabył prawa do systemu Tri-Egon w Ameryce, a od 1926 roku pracował nad systemem sound-on-film z Theodore W. Case i Earl I. Sponable. 21 stycznia 1927 roku Fox zaprezentował premierowo swój system z serią występów hiszpańskiej piosenkarki. W maju tego samego roku Fox zaprezentował kolejną serię filmów krótkometrażowych, w tym występ komika Chic Sale’a, ale to program z 14 czerwca 1927 roku zawładnął wyobraźnią widzów. Podczas tego programu Fox pokazał przyjęcie amerykańskiego lotnika Charlesa Lindbergha (1902-1974) w Białym Domu oraz przemówienie włoskiego dyktatora Benito Mussoliniego (1883-1945). Reakcja publiczności na widok tych sław i ich przemówień była tak entuzjastyczna, że Fox stworzył Fox Movietone News i zaczął wyświetlać trzy lub cztery kroniki filmowe, zawierające klipy sław lub specjalnych wydarzeń, w każdym kinie Fox. Przekonany, że dźwięk jest falą przyszłości, prezes Foxa William Fox podpisał z Warner Brothers umowę o wzajemności, która pozwalała na wymianę sprzętu i techników, skutecznie zabezpieczając oba studia na wypadek, gdyby jeden system stał się bardziej popularny od drugiego, lub gdyby konkurencyjne studia próbowały opracować konkurencyjny system. W ten sposób ich ogromna inwestycja finansowa w przyszłość filmów dźwiękowych byłaby chroniona.
Przełom nastąpił w filmie Warner Brothers Śpiewak jazzowy (1927), w którym aktor Al Jolson (1886-1950) wygłosił kilka linijek zsynchronizowanego dialogu. Efekt był rewelacyjny, gdyż widzowie po raz pierwszy usłyszeli aktora wypowiadającego kwestie tak, jakby były one naturalne i spontaniczne. W rezultacie The Jazz Singer zarobił ponad 3 000 000 dolarów na całym świecie i narodziły się „talkies”. W 1928 roku Warner Brothers wyprodukował pierwszą „100% talkie”, Lights of New York, a era filmu dźwiękowego była już w pełni gotowa. Do 1929 roku trzy czwarte wszystkich hollywoodzkich filmów miało jakiś rodzaj dźwiękowego akompaniamentu, a do 1930 roku nie produkowano już filmów niemych.
Wpływ
Wpływ filmu dźwiękowego na przemysł filmowy był monumentalny. Po pierwsze, zmieniła się sama forma filmów, co było spowodowane początkowo trudnościami w nagrywaniu i montażu filmu dźwiękowego. Ponieważ mikrofony używane w tamtych czasach mogły odbierać jedynie dźwięk z bliskiej odległości i były niezwykle czułe w swoim ograniczonym zakresie, aktorzy musieli stać bardzo nieruchomo i bardzo blisko mikrofonu. Mikrofon mógł wychwycić także szum kamery, dlatego kamery i ich operatorzy byli zamknięci w szklanych kabinach. Ruch aktorów w kadrze i ruch samej kamery stał się prawie niemożliwy, tak że filmy ponownie zaczęły przypominać filmowane sztuki sceniczne, które były typowe dla początków kina filmowego. Ponadto, ponieważ dźwięk był nagrywany bezpośrednio na taśmie filmowej w czasie kręcenia, film nie mógł być montowany po nakręceniu, z wyjątkiem cięć dokonywanych podczas przejść między scenami. Cała sztuka montażu, rozwinięta w Ameryce przez takich reżyserów jak D.W. Griffith i udoskonalona do perfekcji przez radzieckich reżyserów, takich jak Siergiej Eisenstien, była po prostu niemożliwa. Ponadto wiele wielkich gwiazd kina niemego, takich jak niemiecki aktor Emil Jannings (1887-1950), który miał silny akcent, czy John Gilbert, którego głos nie pasował do jego wizerunku na ekranie, odkryło, że nie mogą już znaleźć pracy w filmach dźwiękowych. Z powodu filmu dźwiękowego, aktorstwo filmowe zaczęło mniej koncentrować się na ekspresji ciała lub twarzy, aby nieść znaczenie sceny, a bardziej na ekspresji głosu.
Ponieważ dźwięk wydawał się teraz ograniczać potencjał filmu, zamiast go rozszerzać, rozwinęła się poważna debata teoretyczna wśród filmowców. Wielu uważało, że dźwięk powinien służyć do rejestrowania dokładnie tego, co widać na ekranie, czyli dialogów i efektów dźwiękowych związanych z akcją na ekranie – co określano mianem dźwięku synchronicznego. Inni, tacy jak Eisenstein, uważali, że dźwięk powinien być wykorzystywany do zapewnienia elementów niezwiązanych z akcją, które mogłyby wejść w znaczącą interakcję z akcją na ekranie, co określano mianem dźwięku kontrapunktycznego lub asynchronicznego. Takie podejście uwolniłoby film od pewnych ograniczeń narzuconych mu przez surową technologię dźwięku, ale wraz z udoskonaleniem mikrofonów i sprzętu fotograficznego wiele z tych ograniczeń zostało zniesionych. Wreszcie w 1929 roku opracowano system dźwięku postsynchronicznego, który umożliwił nagrywanie dźwięku i synchronizację z filmem po jego nakręceniu; pozwoliło to na montaż i efekty montażowe, które nie były możliwe w przypadku wczesnego filmu dźwiękowego. Hallelujah, wyreżyserowany przez Kinga Vidora w 1929 roku, w pełni wykorzystał techniki dźwięku postsynchronicznego i jest powszechnie uważany za pierwszy film ery pełnego dźwięku. W jednej z krytycznych scen, gdy bohaterowie filmu biegną przez bagna, kamera porusza się wraz z nimi, a gwałtowne cięcia mają miejsce, gdy widzowie słyszą odgłosy ptaków, łamania gałęzi i dialogów, wszystkie dźwięki, które zostały nagrane po nakręceniu sceny, a następnie dodane do ścieżki dźwiękowej.
Nadejście filmu dźwiękowego nie tylko wpłynęło na filmy jako sztukę, ale także na filmy jako przemysł. Pomimo wysokich kosztów związanych z przejściem na dźwięk, filmy dźwiękowe uratowały Hollywood przed Wielkim Kryzysem. W latach 20. frekwencja na filmach zaczęła spadać, ponieważ widzowie odkryli nowe technologie, takie jak radio, i gdyby film dźwiękowy nie został opracowany i przyjęty w krótkim okresie między 1926 a 1930 rokiem, wiele hollywoodzkich studiów zostałoby zmuszonych do bankructwa w czasie Wielkiego Kryzysu, ponieważ widzowie byli zmęczeni ograniczonymi możliwościami ekspresji filmu niemego. Choć z początku opierał się czynnikom ekonomicznym, dźwięk otworzył zupełnie nowe wymiary filmu jako sztuki, wymiary, które publiczność chciała odkryć, i zapewnił Hollywood bazę ekonomiczną, która utrzymała je w najgorszej gospodarce w historii Ameryki.
PHIL GOCHENOUR
Dalsza lektura
Cook, David A. The History of Narrative Film. Wydanie trzecie. New York: W. W. Norton & Co., 1996.
Crafton, Donald. Talkies: America’s Transition to Sound Film, 1926-31 (History of American Cinema 4). Los Angeles: University of California Press, 1999.
Crafton, Donald.