Pochodzenie i rozwój.
Najbardziej dalekosiężnym dodatkiem do muzyki w okresie średniowiecza było wynalezienie polifonii – muzyki składającej się z więcej niż jednej części – aspektu sztuki zachodniej, który nie jest powielany w żadnej innej kulturze. Sama idea niewątpliwie powstała wieki wcześniej niż najwcześniejsze pisemne dowody, a nawet pierwsze wzmianki w traktatach teoretycznych. W swoich najprostszych formach polifonia może być łatwo improwizowana, jak na przykład wtedy, gdy dwóch lub więcej wykonawców śpiewa jednocześnie ten sam utwór w różnych tonacjach, i w takiej formie istnieje nadal w wielu kulturach. Jednak muzycy europejscy posunęli się jeszcze dalej, rozwijając i udoskonalając tę praktykę do poziomu złożoności, który nie był możliwy do zaimprowizowania, lecz wymagał przemyślanej i skalkulowanej kompozycji pisemnej. Muzyka monofoniczna, zarówno chorał, jak i kompozycje świeckie, była wykonywana przez całe średniowiecze i długo potem, ale raz wynaleziona polifonia wtargnęła we wszystkie formy z dramatycznymi konsekwencjami. Wprowadziła do muzyki sakralnej zupełnie nowe dzieła, uzupełniając chorał, a nawet zastępując go przy szczególnych okazjach. Efekt był nieco inny w muzyce świeckiej, gdzie muzyka polifoniczna stała się cennym repertuarem klas wyższych, tworząc muzyczny podział klasowy, który nie istniał wcześniej.
Najwcześniejsze formy.
Instrukcje i informacje o polifonii można znaleźć w traktatach teoretycznych już od De harmonica institutione (Instrukcja melodyczna), napisana przez mnicha Hucbalda około 900 roku, a następnie rozszerzona i rozwinięta w wielu traktatach, w tym Micrologus (Mała dyskusja), autorstwa Guida z Arezzo. Podstawą tej techniki jest ruch równoległy, opisany przez Hucbalda jako dźwięk, który powstaje, gdy mężczyzna i chłopiec śpiewają tę samą melodię jednocześnie, każdy w swoim zakresie. Rozszerzeniem tej idei są udoskonalenia dokonywane przez jeden z głosów, który w różnych momentach odbiega od dokładnej równoległości, tworząc różne harmonie, lub jeden głos porusza się powoli, podczas gdy drugi szybko, wypełniając lukę ornamentalnymi pasażami. Wszystkie te techniki znane są jako „organum”, a najwcześniejsze pisemne przykłady tej techniki można znaleźć w jedenasto- i dwunastowiecznych manuskryptach z Anglii i Francji. W XII wieku dodatkowe eksperymenty w klasztorze Saint-Martial w Limoges (środkowa Francja) polegały na komponowaniu dwóch linii muzycznych o odrębnych profilach melodycznych, co powodowało ciągłe zmiany harmonii pomiędzy obiema częściami. To właśnie w tym momencie możemy wyznaczyć prawdziwy początek polifonii komponowanej, najbardziej charakterystycznego znaku zachodniej muzyki artystycznej.
Notre Dame Organum i Substitute Clausulae.
Podsumowaniem budowy gotyckiej katedry Notre-Dame w Paryżu w XII wieku były charakterystyczne i daleko idące eksperymenty w komponowaniu nowego repertuaru polifonicznego przez dwóch chórzystów katedry: Mistrza Leonina i Mistrza Perotina. Kompozycje te, zwane organum, polegały na dodaniu nowej części ponad tradycyjnym chorałem. Leoninowi (ok. 1135-1201) przypisuje się autorstwo Magnus liber organi (Wielkiej księgi organum), która zawiera kilka różnych rodzajów nowatorskich kompozycji, w tym sekcje organum do Graduałów, Allelui i Responsoriów na cały rok liturgiczny. Kompozycje organum Leonina miały zastąpić te frazy plainchantu, które zazwyczaj śpiewane są przez solistę. W przypadku zastosowania organum w chorale, w wyniku przerwania monofonicznego wykonania powstaje sekcja, w której solista śpiewa szybką górną partię na tle długich, podtrzymywanych dolnych dźwięków oryginalnego chorału, po czym następuje powrót do śpiewu unisono chóru. Te nowe sekcje znane są jako zastępcze clausulae, ponieważ ich celem było zajęcie miejsca frazy (clausula) już obecnej w chorale.
Discant.
Perotin, który po Leoninie objął kierownictwo chóru katedry Notre-Dame, uczynił kolejny krok i dodał do repertuaru zastępczego nową organizację rytmiczną oryginalnych nut chorału, z dużo niższym stosunkiem liczby nut w części górnej i dolnej. Ten styl kompozycji Perotina, zwany discant, wnosi do sekcji zastępczych zwiększone poczucie rytmicznego przepływu. W wykonaniu zatem Alleluja, w którym zastąpiono zarówno sekcje organum, jak i discant, przybiera formę, w której np. tylko trzy sekcje plainchant wykonywane przez cały chór mogą być przeplatane sześcioma sekcjami organum lub discant. Zmiana w stosunku do oryginalnej plainchantowej wersji Alleluja polegałaby na tym, że udział chóru zostałby znacznie zredukowany, ponieważ zarówno sekcje organum, jak i discant wykonywane są przez dwóch solistów, z których jeden śpiewa oryginalny chorał, podczas gdy drugi dodaje do niego nowo skomponowaną melodię organum lub discant.