Wczesne precedensyEdit
Techniki kolażu zostały po raz pierwszy użyte w czasie wynalezienia papieru w Chinach, około 200 roku p.n.e.. Kolaż nie był jednak stosowany przez wielu ludzi aż do X wieku w Japonii, kiedy to kaligrafowie zaczęli stosować klejony papier, używając tekstów na powierzchniach, podczas pisania swoich wierszy. W średniowiecznej Europie technika kolażu pojawiła się w XIII wieku. Złote panele zaczęły być stosowane w gotyckich katedrach około XV i XVI wieku. Kamienie szlachetne i inne metale szlachetne nanoszono na obrazy religijne, ikony, a także na herby. XVIII-wieczny przykład sztuki kolażu można znaleźć w pracach Mary Delany. W XIX wieku metody kolażu były również wykorzystywane wśród hobbystów do tworzenia pamiątek (np. stosowanych w albumach fotograficznych) i książek (np. Hans Christian Andersen, Carl Spitzweg).Wiele instytucji przypisuje początki praktyki kolażu Picassowi i Braque’owi w 1912 roku, jednak wczesne wiktoriańskie fotokolaże sugerują, że techniki kolażu były praktykowane już we wczesnych latach 60-tych XIX wieku. Wiele instytucji uznaje te prace za pamiątki dla hobbystów, choć funkcjonowały one jako ułatwienie dla wiktoriańskiego arystokratycznego portretu zbiorowego, dowód kobiecej erudycji i prezentowały nowy sposób artystycznej reprezentacji, który kwestionował sposób, w jaki fotografia jest prawdziwa. W 2009 roku kuratorka Elizabeth Siegel zorganizowała wystawę: Playing with Pictures w Art Institute Chicago, aby docenić kolażowe prace między innymi Alexandry of Denmark i Mary Georginy Filmer. Wystawa zawędrowała później do Metropolitan Museum of Art i The Art Gallery of Ontario.
Kolaż i modernizmEdit
Pomimo stosowania przed dwudziestym wiekiem technik aplikacji przypominających kolaż, niektóre autorytety sztuki twierdzą, że kolaż, właściwie rzecz biorąc, nie pojawił się po 1900 roku, w połączeniu z wczesnymi etapami modernizmu.
Na przykład, internetowy glosariusz sztuki Tate Gallery stwierdza, że kolaż „został po raz pierwszy użyty jako technika artystów w XX wieku”. Według glosariusza sztuki online Muzeum Guggenheima, kolaż jest pojęciem artystycznym związanym z początkami modernizmu i obejmuje znacznie więcej niż tylko ideę naklejania czegoś na coś innego. Przyklejane plamy, które Braque i Picasso dodawali do swoich płócien, oferowały nowe spojrzenie na malarstwo, gdy plamy te „zderzały się z płaszczyzną obrazu”. W tym ujęciu kolaż był częścią metodycznego badania relacji między malarstwem a rzeźbą, a te nowe prace „nadawały każdemu medium pewne cechy drugiego” – czytamy w eseju Guggenheima. Co więcej, te pocięte kawałki gazet wprowadziły do zderzenia fragmenty znaczeń pochodzących z zewnątrz: „Odniesienia do aktualnych wydarzeń, takich jak wojna na Bałkanach, oraz do kultury popularnej wzbogacały treść ich sztuki”. To zestawienie znaczeń, „jednocześnie poważnych i z przymrużeniem oka”, było fundamentalne dla inspiracji kolażem: „Kładąc nacisk na koncepcję i proces ponad produktem końcowym, kolaż wprowadził to, co niepasujące, w znaczący kongres z tym, co zwyczajne.”
Kolaż w malarstwieEdit
Collage w sensie modernistycznym zapoczątkowali malarze kubistyczni Georges Braque i Pablo Picasso. Strzępki i fragmenty różnych i niepowiązanych ze sobą tematów tworzyły kubistyczne kolaże, czyli papier collé, co nadawało im zdekonstruowaną formę i wygląd. Według niektórych źródeł, Picasso jako pierwszy zastosował technikę kolażu w malarstwie olejnym. Według internetowego artykułu Muzeum Guggenheima na temat kolażu, Braque podjął samą koncepcję kolażu przed Picassem, stosując ją do rysunków węglem drzewnym. Picasso przyjął kolaż zaraz po nim (i mógł być pierwszym, który użył kolażu w obrazach, w przeciwieństwie do rysunków):
„To Braque kupił rolkę symulowanej tapety dębowej i zaczął wycinać kawałki papieru i dołączać je do swoich rysunków węglem drzewnym. Picasso natychmiast zaczął robić własne eksperymenty w nowym medium.”
W 1912 roku do jego Martwa natura z krzesła Caning (Nature-morte à la chaise cannée), Picasso wkleił plamę tkaniny olejnej z krzesła-trzciny wzór na płótnie pracy.
Surrealistyczne artyści dokonali szerokiego wykorzystania kolażu i odeszli od martwej natury skupić kubistów. Raczej, w utrzymaniu z surrealizmem, surrealistycznych artystów, takich jak Joseph Cornell stworzył kolaże składające się z fikcyjnych i dziwnych, dream-jak sceny. Kubomania jest kolażem wykonanym przez pocięcie obrazu na kwadraty, które następnie są ponownie składane automatycznie lub w sposób przypadkowy. Kolaże tworzone podobną, a może nawet identyczną metodą nazywane są etrécissements, od metody po raz pierwszy zbadanej przez Marcela Mariëna. Surrealistyczne zabawy, takie jak kolaż równoległy, wykorzystują kolektywne techniki tworzenia kolaży.
W listopadzie 1962 roku w Sidney Janis Gallery odbyła się wczesna wystawa Pop Artu pod nazwą New Realist Exhibition, na której znalazły się prace amerykańskich artystów: Toma Wesselmanna, Jima Dine’a, Roberta Indiany, Roya Lichtensteina, Claesa Oldenburga, Jamesa Rosenquista, George’a Segala i Andy’ego Warhola oraz Europejczyków, takich jak Arman, Baj, Christo, Yves Klein, Festa, Mimmo Rotella, Jean Tinguely i Schifano. Była ona następstwem wystawy Nouveau Réalisme w Galerie Rive Droite w Paryżu i stanowiła międzynarodowy debiut artystów, którzy wkrótce dali początek temu, co w Wielkiej Brytanii i Stanach Zjednoczonych nazwano Pop Artem, a na kontynencie europejskim Nouveau Réalisme. Wesselmann z pewnymi zastrzeżeniami wziął udział w wystawie Nowych Realistów, wystawiając dwie prace z 1962 roku: Martwa natura #17 i Martwa natura #22.
Inną techniką jest kolaż płócienny, polegający na nakładaniu, zwykle za pomocą kleju, osobno malowanych płóciennych łat na powierzchnię głównego płótna obrazu. Dobrze znany z użycia tej techniki jest brytyjski artysta John Walker w swoich obrazach z końca lat 70-tych, ale kolaż płótna był już integralną częścią mieszanych prac medialnych takich amerykańskich artystów jak Conrad Marca-Relli i Jane Frank na początku lat 60-tych. Intensywnie samokrytyczna Lee Krasner również często niszczyła swoje obrazy, tnąc je na kawałki, by następnie tworzyć nowe dzieła sztuki poprzez ponowne złożenie kawałków w kolaże.
Kolaż z drewnemEdit
Kolaż drewna jest typem, który pojawił się nieco później niż kolaż papieru. Kurt Schwitters zaczął eksperymentować z kolażami z drewna w latach 20-tych, po tym jak porzucił malarstwo na rzecz kolaży z papieru. Zasada kolażu drewnianego jest wyraźnie ustalona co najmniej już w jego „Merz Picture with Candle”, pochodzącym z połowy lub końca lat 20.
W pewnym sensie kolaż drewniany zadebiutował pośrednio w tym samym czasie co kolaż papierowy, ponieważ według Guggenheim online, Georges Braque zainicjował użycie kolażu papierowego poprzez wycinanie kawałków symulowanej tapety dębowej i dołączanie ich do własnych rysunków węglem drzewnym. Tak więc pomysł przyklejenia drewna do obrazu był od początku ukryty, ponieważ użyty papier był produktem komercyjnym wyprodukowanym tak, aby wyglądał jak drewno.
To właśnie podczas piętnastoletniego okresu intensywnych eksperymentów rozpoczynających się w połowie lat 40. Louise Nevelson rozwinęła swoje rzeźbiarskie kolaże z drewna, zmontowane ze znalezionych skrawków, w tym części mebli, kawałków drewnianych skrzyń lub beczek, a także pozostałości architektonicznych, takich jak poręcze schodów lub listwy. Zazwyczaj prostokątne, bardzo duże, pomalowane na czarno, przypominają gigantyczne obrazy. W katalogu Museum of Modern Art, w odniesieniu do Sky Cathedral Nevelson (1958), czytamy: „Jako prostokątna płaszczyzna oglądana od przodu, Sky Cathedral ma malarską jakość obrazu…”. Jednak takie prace prezentują się również jako masywne ściany lub monolity, które czasami można oglądać z każdej strony, a nawet przez nie patrzeć.
Wielka część sztuki kolażu drewnianego jest znacznie mniejsza w skali, oprawiona i zawieszona jak obraz. Zazwyczaj zawiera kawałki drewna, wiórów lub skrawków drewna, montowane na płótnie (jeśli jest malarstwo zaangażowane), lub na drewnianej desce. Takie oprawione w ramy, przypominające obrazy, kolaże z drewna oferują artyście możliwość eksplorowania cech głębi, naturalnego koloru i różnorodności teksturowej tkwiącej w materiale, jednocześnie czerpiąc i wykorzystując język, konwencje i historyczne oddźwięki, które wynikają z tradycji tworzenia obrazów do powieszenia na ścianie. Technika kolażu z drewna jest również czasami łączona z malarstwem i innymi mediami w jednym dziele sztuki.
Często to, co nazywa się „sztuką kolażu z drewna” wykorzystuje tylko naturalne drewno – takie jak drewno dryfujące lub części znalezionych i niezmienionych kłód, gałęzi, patyków lub kory. To rodzi pytanie, czy takie dzieło sztuki jest kolażem (w oryginalnym znaczeniu) w ogóle (zobacz Kolaż i modernizm). Dzieje się tak dlatego, że wczesne, papierowe kolaże były zazwyczaj tworzone z fragmentów tekstu lub obrazów – rzeczy pierwotnie stworzonych przez ludzi i funkcjonujących lub znaczących w jakimś kontekście kulturowym. Kolaż łączy te wciąż rozpoznawalne „znaczące” (lub fragmenty znaczących) razem, w rodzaju semiotycznego zderzenia. Użyte w pracy Nevelson ścięte drewniane krzesło lub stelaż schodów można również uznać za potencjalny element kolażu w tym samym sensie: miał on jakiś pierwotny, kulturowo zdeterminowany kontekst. Nieprzetworzone, naturalne drewno, takie, jakie można znaleźć na dnie lasu, prawdopodobnie nie ma takiego kontekstu; dlatego charakterystyczne kontekstualne zakłócenia związane z ideą kolażu, wywodzącą się od Braque’a i Picassa, nie mogą mieć miejsca. (Drewno dryfujące jest oczywiście czasami dwuznaczne: podczas gdy kawałek drewna dryfującego mógł kiedyś być kawałkiem obrobionego drewna – na przykład częścią statku – może być tak zniszczony przez sól i morze, że jego dawna tożsamość funkcjonalna jest prawie lub całkowicie zatarta.)
DecoupageEdit
Decoupage to rodzaj kolażu definiowany zazwyczaj jako rzemiosło. Jest to proces umieszczania obrazu w obiekcie w celu dekoracji. Decoupage może obejmować dodawanie wielu kopii tego samego obrazu, przyciętych i ułożonych warstwowo, aby dodać pozorną głębię. Obraz jest często pokryty lakierem lub innym środkiem uszczelniającym dla ochrony.
W początkach XX wieku, decoupage, podobnie jak wiele innych metod artystycznych, zaczął eksperymentować z mniej realistycznym i bardziej abstrakcyjnym stylem. Do artystów XX wieku, którzy tworzyli prace metodą decoupage, należą Pablo Picasso i Henri Matisse. Najsłynniejszym dziełem decoupage’u jest „Niebieski akt II” Matisse’a.
Istnieje wiele odmian tradycyjnej techniki z użyciem specjalnie przygotowanego „kleju”, wymagającego mniejszej liczby warstw (często 5 lub 20, w zależności od ilości papieru). Wycięcia są również stosowane pod szkłem lub podnoszone, aby nadać trójwymiarowy wygląd zgodnie z życzeniem decoupera. Obecnie decoupage jest popularnym rękodziełem.
Rzemiosło to stało się znane we Francji jako découpage (od czasownika découper, 'wycinać'), ponieważ osiągnęło wielką popularność w XVII i XVIII wieku. W tym czasie opracowano wiele zaawansowanych technik, a wykonanie przedmiotów mogło trwać nawet rok ze względu na wiele warstw i szlifów. Wśród słynnych lub arystokratycznych praktyków znalazły się Maria Antonina, Madame de Pompadour i Beau Brummell. W rzeczywistości większość entuzjastów decoupage’u przypisuje jego początki XVII-wiecznej Wenecji. Jednak już wcześniej był on znany w Azji.
Najbardziej prawdopodobnym źródłem decoupage’u jest wschodniosyberyjska sztuka funeralna. Nomadyczne plemiona używały wycinanych filców do ozdabiania grobów swoich zmarłych. Z Syberii praktyka ta dotarła do Chin i już w XII wieku wycinanki były wykorzystywane do ozdabiania latarni, okien, pudełek i innych przedmiotów. W XVII wieku Włochy, zwłaszcza Wenecja, przodowały w handlu z Dalekim Wschodem i powszechnie uważa się, że to właśnie dzięki tym powiązaniom handlowym dekoracje z wycinanego papieru trafiły do Europy.
FotomontażEdit
Kolaż wykonany z fotografii, lub części fotografii, nazywany jest fotomontażem. Fotomontaż to proces (i rezultat) tworzenia fotografii kompozytowej poprzez wycinanie i łączenie kilku innych fotografii. Złożony obraz był czasami fotografowany w taki sposób, że końcowy obraz jest przekształcany z powrotem w bezszwową odbitkę fotograficzną. Ta sama metoda jest dziś realizowana przy użyciu oprogramowania do edycji obrazu. Technika ta jest określana przez profesjonalistów jako compositing.
Just what is it that makes today’s homes so different, so appealing? powstał w 1956 roku na potrzeby katalogu wystawy This Is Tomorrow w Londynie, Anglia, w którym był reprodukowany w czerni i bieli. Praca ta została również wykorzystana w plakatach wystawy. Richard Hamilton stworzył później kilka prac, w których przerobił temat i kompozycję kolażu pop-artowego, w tym wersję z 1992 roku przedstawiającą kobietę kulturystkę. Wielu artystów stworzyło prace pochodne kolażu Hamiltona. P. C. Helm wykonał interpretację z roku 2000.
Inne metody łączenia zdjęć są również nazywane fotomontażem, takie jak wiktoriański „druk kombinowany”, druk z więcej niż jednego negatywu na jednym kawałku papieru drukarskiego (np. O. G. Rejlander, 1857), techniki front-projekcji i montażu komputerowego. Podobnie jak kolaż składa się z wielu płaszczyzn, tak i artyści łączą techniki montażu. Przykładem może być seria czarno-białych „projekcji fotomontażowych” Romare Beardena (1912-1988). Jego metoda zaczynała się od kompozycji z papieru, farby i fotografii umieszczanych na deskach o wymiarach 8½ × 11 cali. Bearden utrwalał obrazy emulsją, którą następnie nakładał za pomocą ręcznego wałka. Następnie powiększał kolaże fotograficznie.
Dziewiętnastowieczna tradycja fizycznego łączenia wielu obrazów w kompozyt i fotografowania rezultatów dominowała w fotografii prasowej i litografii offsetowej do czasu upowszechnienia się cyfrowej edycji obrazu. Współcześni fotoedytorzy w magazynach tworzą teraz „pastele” cyfrowo.
Tworzenie fotomontaży stało się łatwiejsze dzięki pojawieniu się programów komputerowych, takich jak Adobe Photoshop, Pixel image editor i GIMP. Programy te wprowadzają zmiany cyfrowo, co pozwala na szybszy przepływ pracy i bardziej precyzyjne wyniki. Pozwalają one również ograniczyć błędy, umożliwiając artystom ich „cofnięcie”. Jednak niektórzy artyści przekraczają granice cyfrowej edycji obrazu, tworząc niezwykle czasochłonne kompozycje, które dorównują wymaganiom tradycyjnej sztuki. Obecnym trendem jest tworzenie obrazów, które łączą malarstwo, teatr, ilustrację i grafikę w bezproblemową fotograficzną całość.
Kolaż cyfrowy
Kolaż cyfrowy jest techniką używania narzędzi komputerowych w tworzeniu kolaży, aby zachęcić do przypadkowych skojarzeń rozbieżnych elementów wizualnych i późniejszej transformacji wyników wizualnych poprzez użycie mediów elektronicznych. Jest on powszechnie używany w tworzeniu sztuki cyfrowej przy użyciu programów takich jak Photoshop.
Trójwymiarowy kolażEdit
Kolaż 3D jest sztuką łączenia razem trójwymiarowych obiektów takich jak kamienie, koraliki, guziki, monety, a nawet gleba, aby stworzyć nową całość lub nowy obiekt. Przykłady mogą zawierać domy, koła z koralików, itp.
MozaikaEdit
Jest to sztuka składania razem lub montowania małych kawałków papieru, płytek, marmuru, kamieni, itp. Są one często spotykane w katedrach, kościołach, świątyniach jako duchowe znaczenie wystroju wnętrz. Małe kawałki, zwykle w przybliżeniu kwadratowe, kamienia lub szkła o różnych kolorach, znane jako tesserae, (zdrobnienie tessellae), są używane do tworzenia wzorów lub obrazów.
eCollageEdit
Termin „eCollage” (electronic Collage) może być użyty dla kolażu stworzonego przy użyciu narzędzi komputerowych.
Artyści kolażuEdit
-
Pablo Picasso, Compotier avec fruits, violon et verre, 1912
-
Georges Braque, Naczynie z owocami i szklanka, 1912 r, papier collé i węgiel drzewny na papierze
-
Jean Metzinger, Au Vélodrome, 1912, olej, piasek i kolaż na płótnie, Peggy Guggenheim Collection
-
Juan Gris, Le Petit Déjeuner, 1914, gwasz, olej, kredka na przyciętym i wklejonym papierze drukowanym na płótnie, Museum of Modern Art