Origini e sviluppo.
L’aggiunta di più vasta portata alla musica durante il Medioevo fu l’invenzione della polifonia – musica in più di una parte – un aspetto dell’arte occidentale che non è duplicato in nessun’altra cultura. L’idea stessa ha senza dubbio avuto origine secoli prima delle prime testimonianze scritte o anche della prima menzione nei trattati teorici. Nelle sue forme più semplici la polifonia può essere facilmente improvvisata come, per esempio, quando due o più esecutori cantano simultaneamente la stessa canzone a diverse altezze, ed esiste ancora in questa forma in diverse culture. Ma i musicisti europei hanno portato l’idea un po’ più in là, sviluppando e raffinando la pratica ad un livello di complessità che non poteva essere estemporaneo, ma richiedeva una composizione scritta lunga e calcolata. La musica monofonica, sia il canto che le composizioni profane, continuò ad essere eseguita per tutto il Medioevo e molto tempo dopo, ma una volta inventata, la polifonia invase tutte le forme con conseguenze drammatiche. Essa aggiunse un intero nuovo corpo di opere alla musica sacra, integrando il canto e persino sostituendolo in occasioni speciali. L’effetto fu un po’ diverso sulla musica profana, dove la musica polifonica divenne il repertorio prezioso delle classi superiori, creando una distinzione di classe musicale che non era esistita in precedenza.
Le forme più antiche.
Istruzioni e informazioni sulla polifonia si trovano in trattati teorici a partire dal De harmonica institutione (Istruzione melodica), scritto dal monaco Hucbald intorno al 900, e successivamente ampliato e sviluppato in una serie di trattati tra cui il Micrologus (Piccola discussione), di Guido di Arezzo. La base della tecnica deriva dal movimento parallelo, che è descritto da Hucbald come il suono che risulta quando un uomo e un ragazzo cantano simultaneamente la stessa melodia, ciascuno nella propria gamma. Estensioni di questa idea includono raffinatezze fatte da una delle voci che variano dal parallelo esatto in momenti diversi, creando armonie diverse, o una voce che si muove lentamente mentre l’altra si muove velocemente, riempiendo il vuoto con passaggi ornamentali. Tutte queste tecniche sono conosciute come “organum”, e i primi esempi scritti della tecnica possono essere trovati in manoscritti dell’undicesimo e dodicesimo secolo in Inghilterra e Francia. Nel dodicesimo secolo ulteriori esperimenti che ruotavano intorno al monastero di Saint-Martial a Limoges (Francia centrale) coinvolgevano la composizione di due linee di musica con profili melodici separati, che risultavano in armonie in costante cambiamento tra le due parti. È a questo punto che possiamo segnare il vero inizio della polifonia composta, il segno più distintivo della musica d’arte occidentale.
L’Organum di Notre Dame e le Clausulae sostitutive.
Insieme alla costruzione della Cattedrale gotica di Notre-Dame a Parigi nel XII secolo vennero distinti e vasti esperimenti di composizione di un nuovo repertorio polifonico da parte di due direttori di coro della cattedrale: Il maestro Leonin e il maestro Perotin. Queste composizioni, chiamate organum, consistevano in una nuova parte aggiunta sopra il canto tradizionale. A Leonin (c. 1135-1201) si attribuisce l’origine del Magnus liber organi (Grande Libro dell’Organum), che contiene diversi tipi di composizioni innovative, incluse sezioni di organum per Graduali, Alleluia e Responsori per l’intero anno liturgico. Le composizioni di organum di Leonin erano intese come sostituti di quelle frasi di canto semplice solitamente cantate da un solista. Quando i passaggi di organum sono applicati ad un canto, il risultato è un’interruzione dell’esecuzione monofonica con una sezione in cui una rapida parte superiore è cantata da un solista contro le lunghe note inferiori sostenute del canto originale, seguita da un ritorno al canto all’unisono del coro. Le nuove sezioni sono conosciute come clausulae sostitutive perché il loro scopo era quello di prendere il posto di una frase (clausula) già presente nel canto.
Discant.
Perotin, che seguì Leonin come capo del coro della cattedrale di Notre-Dame, fece il passo successivo e aggiunse al repertorio sostitutivo una nuova organizzazione ritmica delle note del canto originale con un rapporto molto più basso tra il numero di note nella parte superiore e inferiore. Lo stile di composizione di Perotin, chiamato discant, porta un senso di flusso ritmico accentuato alle sezioni sostitutive. Nell’esecuzione, quindi, un Alleluia in cui sono state sostituite sia sezioni di organum che di discant assumerebbe un formato in cui, per esempio, solo tre sezioni di canto semplice eseguite da tutto il coro potrebbero essere alternate a sei sezioni di organum o discant. Il cambiamento rispetto alla versione originale in canto semplice dell’Alleluia sarebbe che la partecipazione del coro è stata sostanzialmente ridotta perché entrambe le sezioni di organum e discant sono eseguite da due solisti, uno dei quali canta il canto originale mentre l’altro aggiunge la nuova melodia di organum o discant sopra di esso.