Nato a metà del XVI secolo, Domenicos Theotokopoulos sarebbe diventato famoso come l’artista noto semplicemente come El Greco (“Il Greco”). Combinando molti filoni della tecnica europea, El Greco sviluppò il suo stile unico che gli valse grande acclamazione come una delle figure principali del Rinascimento spagnolo. Questo articolo spiega tutto quello che c’è da sapere sull’artista, i suoi capolavori e le sue esperienze.
El Greco fu fortemente influenzato dal suo primo ambiente
Il giovane Theotokopoulos è cresciuto sulla fiorente isola di Creta, che allora era sotto il controllo della Repubblica di Venezia e serviva come punto chiave sulle vivaci rotte marittime che collegavano l’est e l’ovest. Di conseguenza, è stato esposto a una varietà di culture, che senza dubbio ha influenzato i metodi e le tecniche che avrebbe poi applicato alla sua arte.
È nato in una famiglia prospera: suo padre era un esattore delle tasse e suo fratello maggiore un ricco mercante. Questo significa che Domenicos ricevette una buona educazione, imparando le lingue classiche e diventando familiare con i principi della matematica, dell’ingegneria e dell’arte che si erano sviluppati dal mondo antico in poi. Si formò come pittore nella scuola cretese, che contava circa duecento membri ufficiali, ed era allora il centro dell’arte post-bizantina.
All’età di 22 anni, era già un maestro nella corporazione degli artisti cretesi, potenzialmente in grado di gestire il proprio studio. Durante questo periodo, produsse una serie di opere devozionali, come il Trittico di Modena, San Luca che dipinge la Vergine col Bambino e la sua famosa Adorazione dei Magi.
El Greco adottò un approccio diverso all’arte religiosa
L’arte sacra ha dominato la pittura cretese durante la vita di El Greco, ma egli ha portato qualcosa di nuovo a questo genere ben consolidato. Si discute se la famiglia Theotokopoulos fosse greco-ortodossa o cattolica per fede; un parente era certamente un prete ortodosso, ma El Greco si descrisse come cattolico nel suo testamento, anche se questo potrebbe essere stato dovuto alla pressione degli spagnoli. In ogni caso, è chiaro che l’artista fu esposto a entrambe le confessioni religiose e di conseguenza ai loro distinti stili di arte devozionale.
Nei suoi dipinti religiosi, El Greco combina lo stile della scuola cretese, che era fortemente influenzata dall’iconografia ortodossa orientale, e il manierismo, che si era sviluppato in Italia all’inizio del XVI secolo. Nella sua icona Dormizione della Vergine, per esempio, le singole figure e la tavolozza di colori sono tipiche delle icone post-bizantine, mentre la composizione e la struttura dell’intera immagine sono più simili ai dipinti religiosi creati durante il Rinascimento italiano.
L’approccio unico di El Greco all’arte devozionale è il prodotto del tempo e del luogo: durante il XVI secolo, la riforma e la tradizione erano costantemente in conflitto, il che significa che gli artisti cercavano nuovi modi di intendere la fede; analogamente, la sua nativa Creta poneva l’artista alla convergenza di molte culture, stili artistici e modi di pensiero diversi.
Fu in Italia che El Greco affinò il suo stile artistico
Dopo aver completato la sua formazione iniziale a Creta, El Greco si trasferì a Venezia per diversi anni nella sua tarda adolescenza o nei primi vent’anni. Anche se ci sono poche prove del suo periodo in Italia, una lettera registra che era uno studente dell’anziano ma comunque importante Tiziano. Non è chiaro se questo significava che El Greco era impiegato nella bottega di Tiziano, o semplicemente che era un avido seguace dell’artista. In ogni caso, l’influenza del maestro veneziano è evidente nei dipinti che El Greco produsse mentre era a Roma, dove soggiornò con il grande mecenate delle arti, il cardinale Alessandro Farnese. L’amicizia del cardinale diede al giovane pittore l’accesso ai circoli elitari di Roma, composti da altri artisti, intellettuali e futuri mecenati.
In Italia, El Greco acquisì una serie di nuove tecniche e metodi artistici. Dalla scuola veneziana, adottò l’uso efficace del colore di Tiziano e le figure snelle e slanciate di Tintoretto; a Roma, affinò le sue abilità tecniche, imparando a comporre le sue scene intorno a un punto di fuga e a disporre i paesaggi per creare un senso di profondità. Combinate con lo stile post-bizantino che aveva imparato a Creta, queste nuove caratteristiche italiane resero lo stile di El Greco assolutamente unico.
A Roma, El Greco acquisì una reputazione interessante
Anche se si affermò a Roma come maestro pittore con una propria bottega e assistenti, e si unì alla Gilda di San Luca, El Greco non si trovò completamente benvenuto. Un architetto e scrittore di spicco etichettò il pittore come uno “sciocco straniero” e alla fine fu costretto ad andarsene a causa di un disaccordo con il cardinale.
Anche se i dettagli esatti di questi conflitti non sono registrati, non è difficile capire perché El Greco possa aver arruffato qualche piuma a Roma. Si sa che era molto ambizioso e testardo, determinato a conquistare un nome per se stesso e per la sua arte. Questo atteggiamento si tradusse non solo in una grande valutazione del suo talento, ma anche in una critica esplicita del lavoro di altri artisti. Per esempio, nonostante fosse fortemente influenzato da Michelangelo, El Greco sosteneva che il Vecchio Maestro “non sapeva dipingere” e suggerì persino a Papa Pio V di assumerlo per dipingere sopra il Giudizio Universale nella Cappella Sistina!
El Greco tentò poi la fortuna in Spagna
Dopo aver litigato con molti dei suoi contemporanei in Italia, El Greco si trasferì in Spagna, dove cercò prima di lasciare il segno a Madrid. All’epoca si stava costruendo il grande palazzo di El Escorial e il re Filippo II era ansioso di trovare artisti che producessero capolavori per adornarne le pareti. Anche se cercò alcuni dei grandi maestri italiani, tutti rifiutarono di venire in Spagna. E così, quando El Greco arrivò nella capitale, Filippo gli commissionò una pala d’altare, raffigurante il martirio di San Maurizio.
Il capolavoro che El Greco realizzò era audace e dinamico, ma sembra che Filippo non ne sia rimasto molto colpito. L’opera era stata destinata alla cappella dell’Escorial, ma il re la relegò nella meno importante sala capitolare. Non è chiaro esattamente cosa Filippo trovasse così sgradevole nel dipinto. Forse la massa caotica di figure sullo sfondo o il cielo vorticoso e apocalittico si scontrava troppo con i principi di chiarezza e armonia che avevano dominato durante l’Alto Rinascimento. In ogni caso, il re rifiutò di concedere a El Greco altre commissioni.
E finalmente ottenne la reputazione che desiderava a Toledo
Quando la sua grande occasione non si materializzò a Madrid, El Greco si mise nuovamente in viaggio, questa volta stabilendosi a Toledo, dove visse per il resto della sua vita. A quel tempo, Toledo era il centro religioso della Spagna, un centro culturale che ospitava una serie di intellettuali di spicco, importanti uomini di chiesa e artisti. El Greco conobbe molte di queste figure, tra cui il decano della Cattedrale di Toledo, Diego de Castilla. Grazie a Castilla, ricevette molte commissioni prestigiose per la realizzazione di opere d’arte per alcune delle chiese più imponenti della città.
Nel giro di pochi anni dal suo trasferimento, El Greco aveva realizzato numerosi dipinti per le chiese e i cittadini di Toledo, compresi alcuni dei suoi capolavori più noti, come L’Assunzione della Vergine. Fu durante questo periodo che la sua arte raggiunse l’apice e la sua reputazione fu finalmente stabilita. Un contemporaneo descrisse addirittura El Greco come “uno dei più grandi uomini sia in questo regno che fuori di esso”.
I suoi ultimi decenni furono anche i più riusciti
Il successo iniziale a Toledo permise a El Greco di assumere degli assistenti e di aprire un proprio laboratorio, dove produsse non solo dipinti ma anche cornici per pale d’altare e statue. Si occupò anche di architettura, giocando un ruolo chiave nella ricostruzione della chiesa e del monastero di Santo Domingo el Antiguo, per il quale aveva realizzato molti dipinti durante i suoi primi anni a Toledo.
La città sembrò infondergli una nuova vita, poiché iniziò a produrre opere d’arte sempre più originali e magnifiche, come La sepoltura del conte di Orgaz, oggi il suo capolavoro più famoso. La fine del XVII secolo vide anche una rinnovata esplosione di creatività da parte dell’artista: dal 1597 al 1605, produsse almeno 11 grandi dipinti per varie chiese in tutta la Spagna.
In una fine appropriata ma un po’ macabra, l’ultimo dipinto di El Greco, l’Adorazione dei pastori, fu progettato per adornare la sua stessa tomba. L’artista usa il drammatico contrasto tra luce e ombra per creare un potente senso di luce e speranza che si irradia dal Cristo appena nato.
El Greco aveva una vita personale vibrante
Dagli aneddoti disparati che si sono conservati, possiamo mettere insieme un’immagine interessante e divertente della vita personale di El Greco.
Anche dopo gli scontri in Italia, El Greco si trovò coinvolto in uno scandalo anche in Spagna. Nel 1607, per esempio, fu coinvolto in una disputa sul pagamento dei suoi dipinti, sculture e lavori di costruzione. Insieme ad altri casi legali, questo lo lasciò in difficoltà finanziarie. Ma questo non sembra impedirgli di vivere nell’indulgenza: si dice che gli appartamenti in cui viveva e lavorava fossero estremamente sontuosi, con musicisti che suonavano per lui e i suoi ospiti mentre banchettavano. Tra le sue compagne c’era Jeronima de Las Cuevas, sua amante e madre del suo unico figlio.
Un altro documento registra la bizzarra preferenza di El Greco per lavorare al buio. Sembra che scegliesse di affidarsi alla sua “luce interiore” e tenesse le tende tirate, rifiutando che i suoi dipinti fossero distorti dalla luce del mondo esterno. Combinati con la sua famosa offerta di rifare il lavoro di Michelangelo, questi aneddoti formano l’impressione di un personaggio sicuro di sé ed eccentrico.
E uno stile altrettanto interessante
L’eccentricità di El Greco si riflette certamente nella sua arte, che gli studiosi hanno fatto fatica a classificare. La sua combinazione unica di tradizione bizantina e innovazione rinascimentale significa che il lavoro di El Greco cade al di fuori dei confini di qualsiasi scuola d’arte convenzionale. Con la sua immaginazione sfrenata, si liberò da tutti i vincoli artistici. Piuttosto che replicare fedelmente la realtà, le sue scene drammatiche catturano certi sentimenti ed emozioni.
Utilizzando tratti ampi e un contrasto audace tra luce e oscurità, El Greco evoca atmosfere diverse, mentre una certa trascendenza è evocata attraverso le sue forme ultraterrene e allungate. Allo stesso modo, il suo uso appassionato del colore fa sì che le varie caratteristiche dei suoi dipinti si fondano insieme, costringendo il pubblico a contemplare la relazione tra le figure e il loro ambiente.
L’eredità di El Greco entrò in gioco molti secoli dopo
Anche se molti dei suoi contemporanei, incluso Filippo II, rimasero senza parole per il nuovo approccio alla pittura di El Greco, il suo lavoro venne adeguatamente apprezzato secoli dopo. L’emergere del Romanticismo nel XVIII secolo portò con sé un interesse per l’esotico, l’emotivo e l’elaborato. Soddisfacendo tutti questi requisiti, i suoi dipinti cominciarono ad essere riconosciuti come capolavori, ispirando artisti del calibro di Eugène Delacroix ed Édouard Manet.
È stato solo nel XX secolo, tuttavia, che il mondo dell’arte si è veramente reso conto del debito che aveva nei confronti della memoria di El Greco. La morfologia strutturale all’opera nei dipinti successivi di El Greco è vista come un elemento importante nei principi dei movimenti espressionista, cubista e simbolista. Tra gli esponenti di questi stili c’era Pablo Picasso, che studiò il lavoro di El Greco a Parigi durante i primi anni del 1900. Si pensa che il suo famoso Les Demoiselles d’Avignon sia stato ispirato dall’Apertura del Quinto Sigillo, in particolare il modo in cui forma e spazio sono distorti e mescolati.
L’impatto dell’opera di El Greco su questi movimenti artistici successivi dimostra l’importanza della sua eredità, mostrando che mentre i suoi dipinti possono essere stati rifiutati o disprezzati durante la sua vita, hanno continuato a garantire il suo posto nel canone della storia dell’arte.