La Restauration (XVIIe siècle)

Événements contemporains

• 1685 Louis XIV révoque l’édit de Nantes (qui avait établi la tolérance religieuse en 1598) et reprend la persécution des protestants français. Les huguenots (beaucoup de ces protestants persécutés) fuient la France et se dirigent vers d’autres régions européennes plus tolérantes et vers l’Amérique.
• Charles II meurt subitement en 1685, ne laissant aucun enfant légitime. Jacques II (son frère) succède au trône d’Angleterre. Fervent catholique romain, il mène une politique qui effraie de nombreuses factions politiques. La rébellion éclate à nouveau. Les leaders de la politique anglaise invitent Guillaume d’Orange à faire venir une armée de Hollande pour aider à mettre fin au règne de Jacques II. Jacques s’enfuit en France en 1688. Guillaume et son épouse Marie (la fille protestante de Jacques II) se voient offrir le trône par le Parlement.

Le baroque tardif (Restauration) – 1660-1710

Les doublets de restauration prennent un aspect  » rétréci « . Les manches, la longueur et même la possibilité de boutonner diminuent. En conséquence, une partie beaucoup plus importante de la chemise est exposée, et le doublet ressemble davantage à un boléro.

Comme à l’époque des cavaliers, la chemise continue de jouer un rôle plus important en tant que partie visible de l’ensemble. Alors que la collerette disparaît totalement, les cols de chemise (dont la taille augmente) sont tirés et exposés sur le dessus du doublet. Les bords sont souvent décorés de dentelle. Sur cette image, le gros du col commence à se déplacer vers l’avant, sous le menton. Il ressemble à une bavette. À mesure que la période avance, les cols se rétrécissent à nouveau et sont finalement remplacés par les premières versions du cravate (un foulard en lin ou en soie, généralement blanc, qui se noue autour du cou). Le cravate finit par évoluer vers la cravate de l’homme moderne).

Le jeune homme ci-dessus porte également une nouvelle mode : les rhinégraphes (alias culottes à jupons). Ceux-ci sont plus proches des culottes modernes qu’une jupe ou des bases de la période Tudor. Il s’agit d’un vêtement bifurqué à jambes larges. Préférée par le roi Louis XIV de France, cette culotte est souvent ornée de rubans et de nœuds. Le roi Louis était friand de décorations accessibles, et il est souvent accusé d’attacher des rubans à toute surface susceptible de les supporter.

Cette culotte en doublet et jupon présente une décoration intense de rubans. Ce genre d’excès plairait beaucoup au roi Louis XIV. Les rubans de ce costume particulier sont en soie et en argent.

Le début de la période de la Restauration voit une explosion virtuelle du décor. De nombreux historiens du costume pensent qu’il s’agit d’une réaction au rétablissement du contrôle politique en Angleterre par la monarchie à la mort de Cromwell.

Le gentleman du portrait de Borch ci-dessous est un bel exemple de tenue à la mode fortement influencée par la tenue unie. Dans les premiers jours de la Restauration, les alliances au trône ou au Parlement étaient fortement communiquées par les vêtements. L’ensemble de cet homme met en avant des messages contradictoires quant à son identité.

Par exemple, l’absence de décoration excessive, la couleur sombre et le capotain suggèrent que ce gentilhomme était un partisan de Cromwell. Ses cheveux plus longs, la construction fine et la silhouette de ses vêtements (à savoir le doublet  » rétréci  » et les rhinograves), ses arceaux de chaussures et de genoux, et la netteté de son apparence suggèrent qu’il est amplement fortuné et qu’il s’intéresse à la mode.

Je fais l’hypothèse qu’il fait partie d’une des classes les plus aisées sur la base de ces indices. Il choisit de s’habiller ainsi, communiquant ses opinions religieuses/politiques à sa société, mais suivant également les tendances à la mode. Il est probablement un croyant dans les tenants de la culture puritaine.

Le tableau est intitulé Homme en noir. Gerard Ter Borch (l’artiste) a laissé peu d’indices sur l’identité de l’homme, si ce n’est une étude détaillée de ses vêtements.

Le port de la perruque entre en pratique au cours du 17e siècle. On soupçonne qu’il s’agit du reflet du fait que Louis XIV est devenu chauve et que, par vanité, il s’est mis à cette pratique pour entretenir son apparence.

Néanmoins, les hommes commencent à couper leurs cheveux courts (ou à les raser complètement) et à adopter de grandes tresses fluides. À la fin de la période, certaines de ces perruques sont poudrées. Cependant, les couleurs naturelles sont presque universellement privilégiées pendant la majeure partie de la Restauration.

Notez l’excès de décoration en ruban dans ce portrait. Les volants de dentelle à sa gorge témoignent de l’évolution du cravate.

En 1666, Charles II-nouvellement restauré roi d’Angleterre-n’était pas un partisan des quantités excessives d’embellissement et de volume qui caractérisent les premiers vêtements de la Restauration, même s’il s’agissait de célébrer son retour sur le trône. En consultant ses tailleurs personnels, il adopte au contraire un nouveau style vestimentaire qui, selon les historiens du costume, est à l’origine du costume 3 pièces des temps modernes.

Il comportait un long manteau sans col et à manches (appelé justacorps ou surtout). Sous celui-ci était porté un gilet qui était coupé dans une ligne similaire à celle du justacorps. Il était lui aussi pourvu de manches. (La chemise était portée sous le gilet). L’ourlet du gilet était plus court de quelques centimètres que celui du manteau. La culotte qui accompagnait cet ensemble était étroite, mais pas serrée. Elle s’effilait vers le genou. Lorsque le justacorps était boutonné du cou à l’ourlet (ce qu’il était capable de faire), le gilet était complètement caché. La culotte dépassait juste en dessous de l’ourlet. Les boutons espacés si près qu’ils se touchaient presque étaient un élément décoratif très courant.

Charles II a juré qu’il porterait ce style vestimentaire jusqu’à ce qu’il quitte cette terre. Bien entendu, il n’est pas resté complètement fidèle à ce vœu. Cependant, son influence sur les vêtements masculins se fait sentir dans le reste de l’histoire du costume. À partir de ce moment, la France n’est plus le leader européen de la mode pour les vêtements masculins. L’Angleterre est à l’honneur.

L’ensemble justacorps, gilet et culotte devient la silhouette masculine dominante. Les garnitures en dentelle, les broderies et d’autres formes de décoration excessive peuvent encore être trouvées parmi les riches. Cependant, la silhouette générale est beaucoup plus contenue et masculine par rapport à celle du début de la Restauration. Si la mode explose en excès et en froufrous dans le sillage de la Restauration (une expression des libertés individuelles), cette excitation se calme à mesure que nous avançons dans la dernière partie de la période. L’Europe devient de plus en plus sérieuse et  » retourne aux affaires  »

Pendant le reste du XVIIe et le début du XVIIIe siècle, la France suivra les lignes de la silhouette masculine, mais ira toujours beaucoup plus loin dans la décoration – dentelle, broderie, rubans, etc. La silhouette masculine française apparaîtra toujours un peu plus féminine que celle des Anglais.

Les perruques deviennent l’habillage de tête dominant chez les hommes à la mode. Elles atteignent de telles hauteurs, qu’il devient difficile de porter des chapeaux, bien que l’étiquette incite fortement à le faire. Il devient courant de porter son chapeau sous le bras par politesse. Les chapeaux destinés à cet usage sont appelés chapeaux-bras. Il s’agissait de chapeaux dont la couronne était légèrement aplatie, car ils n’étaient pas destinés à être portés, mais à l’être sous un bras. Le monsieur à gauche ci-dessous en porte un.

Ces deux hommes portent leur justacorps ouvert sur le centre du devant, révélant leur gilet. Remarquez les larges poignets, beaucoup plus larges que les manches elles-mêmes. Cela devient une caractéristique commune des justacorps. La longueur des manches se termine bien avant le poignet, laissant apparaître les volants de la chemise. Remarquez également l’emplacement des poches. Elles sont souvent placées à quelques centimètres seulement de l’ourlet du manteau. Ce sont également des traits clés de la Restauration.

Le gentleman à droite a une assez grande moufle suspendue à sa taille. La moufle est un accessoire courant pour les hommes et les femmes durant cette période. Elles sont généralement faites de fourrure et offrent un endroit où les mains peuvent se glisser à l’intérieur pour se réchauffer.

Les deux hommes portent des chaussures à talons hauts à bouts carrés et à empeigne (ou languette) haute.

Le monsieur à la longue perruque blanche porte un style démodé si on le compare aux images contemporaines, surtout si on le présente avec le fait que ce portrait a été peint en 1711 (la fin de la période que nous considérons comme laRestauration). C’est, une fois de plus, la preuve que les gens s’accrochent à ce qu’ils aiment malgré les tendances de la mode. La perruque et la cravate extrêmement poudrées sont pratiquement les seules influences du début du XVIIIe siècle à l’œuvre ici. Le reste de sa tenue est caractéristique des styles en vigueur 50 à 60 ans auparavant. Il est encore une autre anomalie de la mode – dont il semble que je sois de plus en plus friand.

Je trouve personnellement remarquable qu’à ce moment de l’histoire, des modes que je considérerais comme plus féminines (les rhinograves, le doublet de style boléro et la chemise chemisier) soient les choix d’une tenue conservatrice. Alors que la ligne plus rigide et régimentée (manteau, gilet, culotte) est considérée comme une mode avant-gardiste. C’est un jeu intéressant que le contexte joue et un fait amusant à jouer avec lors de la mise en scène des comédies de la Restauration pour les publics modernes.

La politique de la Restauration apporte avec elle un nouvel attribut à la mode pour les femmes – la sensualité féminine. La véritable position de pouvoir pour une femme ne vient pas du statut d’épouse d’un homme puissant, mais de celui de sa maîtresse.

En conséquence, pendant une brève période, il devient à la mode pour une dame d’être représentée comme si elle venait de faire une culbute dans le placard à balais. Cette tendance de la mode du XVIIe siècle qui consiste à peindre les dames en position allongée et à les faire apparaître quelque peu débraillées et ébouriffées est appelée dishabille/deshabille (traduit par  » déshabillé « ).

Ces maîtresses du XVIIe siècle se présentent dans un état de déshabillage très soigné, délibéré. Tout dans leur apparence est doux, sensuel et puissant. Ce sont les qualités qui caractérisent les femmes les plus en vogue de cette époque.

Prêtez une attention particulière à l’ampleur et à la ligne de sa chemise. Remarquez que non seulement l’encolure de son corsage est plutôt basse et plongeante, mais qu’elle est à peine perchée sur l’épaule. Beaucoup plus de peau est exposée au-dessus de la ligne de buste.

Notez ses lèvres et ses ongles rouges. Ces derniers ne sont pas naturellement de cette teinte, mais peints avec des produits cosmétiques. Ses joues sont rougies. Elle peut également porter du fond de teint afin d’accentuer sa pâleur tant désirée.

J’inclus ces images ici, uniquement parce que je trouve leur histoire intéressante.

Certaines images de dishabille, comme le portrait de Lely à gauche, vont vers de nouveaux extrêmes. Le sein nu (une convention artistique, je vous l’assure) n’implique pas qu’il s’agisse d’une dame de mauvaise réputation. Elle indique plutôt qu’elle est la maîtresse d’un homme très puissant. La présence de l’épagneul sur sa gauche (le côté droit de l’observateur) renforce cette notion. Cette race particulière est symbolique de la famille royale Stuart.

La femme dans le portrait de Lely à droite est Elizabeth Jones Killigrew, fille aînée du 1er comte de Raneleagh. Elle était considérée comme l’une des plus grandes beautés de la cour de la Restauration. Elle était la maîtresse du roi Charles II dans les années 1670, au moment où ce tableau a été créé (vers 1679). Il est intéressant de noter que le portrait porte le titre d’Elizabeth, comtesse de Kildare. Elle n’a pas épousé le comte de Kildare avant 1684. Le titre du tableau a peut-être été modifié afin de détourner l’attention de sa vie avant son mariage.

La logique nous dit qu’il serait plutôt difficile de se promener avec nos vêtements tombant de nos corps, comme le suggèrent les tableaux précédents. Cependant, la douceur et la sensualité du look déshabillé ont influencé les épouses un peu plus conservatrices, mais indubitablement à la mode de l’époque.

Notez le décolleté bas et large perché sur les épaules et le satin de soie doux et à l’aspect fripé utilisé dans sa robe. Encore une fois, nous voyons des lèvres rouges et des joues rougies.

Tout comme les modes masculines, la silhouette se resserre à nouveau pendant la seconde moitié de cette période. Une grande partie de la douceur (notamment au niveau du torse) disparaît des vêtements féminins au cours des dernières décennies. La silhouette est beaucoup plus architecturée.

Deux innovations de mode qui propulsent cette nouvelle raideur sont la coiffe fontange/commode et la nouvelle robe mantoue/manteau.

La fontange a commencé comme un arc utilisé pour tirer la frange vers le haut, hors des yeux (poussant maintenant de la tendance à les couper court pendant les époques cavalières). Le nœud s’est rapidement transformé en une série de volants en dentelle soutenus sur le dessus de la tête par un cadre métallique. Il comportait généralement une longueur de dentelle dans le dos qui pendait et couvrait les cheveux.

La robe manteau était initialement assez peu ajustée, et était coupée en une seule pièce de l’épaule à l’ourlet. Elle s’inspirait d’une mode orientale. Elle a rapidement évolué vers une robe qui présentait une mise en forme par des pinces et des coutures verticales. Il n’existe pas de couture horizontale reliant le corsage et la jupe. La robe prend l’aspect d’une veste. Elle est généralement portée avec les jupes tirées vers l’arrière (révélant la partie modeste) et souvent empilées sur la croupe. Cela crée une silhouette qui préfigure de manière inquiétante la période du Bustle au 19e siècle.

En raison de leur construction semblable à une veste, la robe manteau laissait souvent le busc des baleines exposé. Un stomacher décoratif était fixé sur le devant de la robe ou des baleines afin de cacher le sous-vêtement. Ces stomacher étaient interchangeables, et on pouvait facilement changer l’apparence de la robe simplement en changeant le stomacher.

Comme nous le voyons ici, le placement de la taille à la mode pour la période de la Restauration revient à un placement plus naturel.

Trois exemples de jupes de robe manteau et des jupons modestes qui sont révélés en raison du retrait des jupes.

Je ne peux m’empêcher, en voyant ces images, de penser  » Bustle, bustle, bustle « .

Des vêtements de type manteau à coupe ample, comme celui que l’on voit ici en rouge, sont représentés dans un certain nombre de portraits de l’époque. Ils sont le plus souvent représentés dans des scènes à l’intérieur de la maison. On suppose qu’il s’agit de vêtements portés à la maison pour se libérer des vêtements de rue à lacets serrés et/ou des tenues de grossesse. Leur ampleur dissimule assez bien un ventre rebondi.

Il porte :

des tiroirs

un col de chemise qui a rétréci pour retrouver une taille naturelle.

Cravate – nouée autour du cou par-dessus le col – les extrémités lâches pendent sous le menton.

Chaussettes et chaussures à talons

Gilet coupé de manière similaire au justacorps, l’ourlet pend quelques centimètres plus court. Il est très probablement à manches.

Justacorps- manches de 3/4 de longueur avec un large revers, a la capacité de se boutonner de l’encolure à l’ourlet.

Breeches- ampleur modérée, se terminant juste en dessous du genou.

Perruque longue

chapeau à plumes

Elle porte :

chemise

des bas et des chaussures à talons

au moins un secret

de séjour coupé pour correspondre à la silhouette à la mode – décolleté bas, et taille naturelle.

modeste

robe-manteau-avec des jupes tirées vers l’arrière et une taille revenant à un emplacement  » naturel « .

Une sorte de chapeau

Ces trois dames illustrent les trois principales silhouettes féminines observées à travers l’Europe pendant la période de la Restauration.

J’ai désigné ces silhouettes comme :

(de gauche à droite)

Vêtements à la mode, espagnols et unis.

Les pays indiqués sous chaque dame dans cette image indiquent les régions où ces silhouettes sont les plus répandues.

Vision rapide

TYPE DE ROBE : Tailleur. Le doublet va progressivement disparaître pour être remplacé par un costume 3 pièces plus compliqué.

TEXTILES : Identique à la période cavalière

FORMATION DE LA SILHOUETTE : Au départ, explosion de la décoration. Au départ, les hommes sont à nouveau plutôt triangulaires, les femmes sont un sablier avec une influence exagérée sur la tête. En 1666, une nouvelle silhouette masculine est adoptée. Celle-ci reflète celle des femmes : un sablier avec une influence exagérée sur la tête.

Vêtements de base : Hommes : chemise, col, doublet (décoloration), jupon culotte/rhinegraves. NOUVEAU : culotte à jambe étroite, chemise, gilet, surtout/justacorps, cravate, chapeaux, perruques, bas, chaussures. Femmes : mêmes composants que les cavaliers. NOUVEAU : police/commode.

MOTIVATIONS DE LA ROBE : Le statut en lien avec la politique et la religion.

Identificateurs clés : Doublet de style boléro, quantités excessives de tissu dans la chemise et la culotte, niveau ridicule d’embellissement, perruques à fond complet, premier costume 3 pièces, le premier manteau de costume est sans col et se boutonne du cou à l’ourlet, éventuellement le premier manteau de costume ajoute des poches quelques pouces au-dessus de l’ourlet et de grandes manchettes avec des manches se terminant court du poignet, robes de mantoue pour dames tirées en « bustes », métrage/commode. Augmentation des « plain dressers » en rébellion contre les excès des styles royalistes.

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