Ces 13 bâtiments ont redéfini l’architecture au cours des 5 dernières années

Fondation Louis Vuitton (2014) par Frank Gehry (Paris)

Tour de Shanghai (2015) par Gensler (Shanghai)

432 Park Avenue (2015) par Rafael Viñoly (New York)

À bien des égards, les architectes de Diller Scofidio + Renfro sont des magiciens des temps modernes. Prenez, par exemple, leur conception de The Broad à Los Angeles. La structure elle-même abrite une collection d’art contemporain de près de 2 000 pièces, ce qui en fait, en théorie, un musée comme les autres dans le monde. Pourtant, c’est là que les similitudes s’arrêtent brusquement. Le bâtiment de 50 000 pieds carrés agit comme un tampon transparent entre le monde intérieur et extérieur. « La plupart des musées sont opaques à la rue et tournés vers l’intérieur. Le Broad utilise un système semi-poreux – que nous avons baptisé « le voile » – pour favoriser une interface urbaine », explique Elizabeth Diller, partenaire et cofondatrice de l’agence DS+R, basée à New York. « La porosité du voile suggère une vision à double sens. Il vous tente depuis la rue à travers son coin soulevé, tandis que les vues depuis l’intérieur de la galerie sont obliques afin que les visiteurs ne soient pas distraits, sans être entièrement coupés du monde. » Cette conception en nid d’abeille met également en valeur les œuvres d’art hébergées dans la structure, rendant l’extérieur saisissant multifonctionnel dans son esthétique. « Les parois du voile sont également conçues de telle sorte que, malgré le mouvement du soleil, aucune lumière solaire directe ne pénètre jamais dans l’espace. La structure cellulaire tout autour agit comme une éponge absorbant et transmettant la lumière selon les besoins. »

Santiago Calatrava s’est fait une réputation en créant des structures si dynamiques qu’elles semblent prêtes à s’envoler à tout moment. Et la conception de l’Oculus par l’Espagnol d’origine ne fait pas exception. Alors que la structure est construite en acier, en béton, en pierre et en verre, elle prend la forme d’un oiseau, plus précisément d’un phénix, en plein vol. Le symbolisme d’un phénix renaissant de ses cendres est immédiat, puisque le bâtiment est situé à quelques mètres du mémorial et du musée du 11 septembre dans le centre de Manhattan. Mais ce n’est pas seulement le symbolisme, c’est aussi la conception – la possibilité pour les visiteurs de se déplacer facilement dans un espace qui relie 11 lignes de métro et d’innombrables espaces de vente au détail et de bureaux – qui fait de cette plateforme de transport une merveille architecturale. « Je voulais construire une station dans laquelle tout le monde puisse facilement s’orienter. Pourquoi ? Parce que se repérer dans une station est essentiel », explique Calatrava. « L’idée de passer sous terre par de longs escalators, d’entrer dans des lieux peu lumineux, c’est notre quotidien à New York. Mais faut-il que ce soit aussi sombre ? Non. Je voulais créer un lieu qui offre aux gens un sentiment de confort grâce à son orientation, tout en offrant un sentiment de sécurité en ouvrant tout à l’œil nu. » Pour quiconque a visité l’Oculus de Calatrava, il est évident qu’il a fait cela à la pelle.

Dans sa forme la plus basique, La conception de Herzog & de Meuron pour l’Elbphilharmonie de Hambourg est la preuve physique que la réutilisation adaptative peut être faite avec un effet stupéfiant et qui fait tourner les têtes. Le verre recouvre entièrement la partie supérieure de la structure, la faisant ressembler davantage à un navire d’avant-garde qu’à un espace destiné à des représentations musicales. Achevée en 2017, la moitié inférieure du bâtiment (sur laquelle trône l’Elbphilharmonie Hamburg) a une histoire qui remonte en fait à plus loin que cela. La fondation de la conception de Herzog & de Meuron est un bâtiment en briques qui était un ancien entrepôt construit en 1963. L’emplacement de cet entrepôt était important, car il se trouvait le long de l’embouchure de l’Elbe, dans le cœur géographique de la ville. Lorsque l’entrepôt, ainsi que de nombreux autres bâtiments en brique du 19e siècle, sont tombés en désuétude, un plan a été mis en place pour transformer ces espaces industriels en aménagements populaires au bord de l’eau. Personne n’aurait pu prédire la popularité de l’Elbphilharmonie de Hambourg. Les billets sont constamment vendus pour ses spectacles musicaux (notamment en raison du prix abordable des billets par rapport aux autres philharmonies du monde). L’intérieur de la salle est également démocratique, ce qui signifie que les 2 100 sièges sont tous situés autour de la scène principale, ce qui confère à chacun d’entre eux un statut égal et une qualité d’expérience égale. Ajoutant à l’éthique du bâtiment tout le monde étant égal, en mars 2017, au plus fort de ce que beaucoup ont appelé la crise des réfugiés en Europe, l’Elbphilharmonie a utilisé sa popularité de manière positive : en présentant un festival dédié à la musique et à la culture syriennes qui a rassemblé les résidents et les nouveaux arrivants dans la ville.

Pour certains, l’Apple Park restera toujours dans les mémoires comme la vision finale de l’inimitable fondateur de la firme, Steve Jobs. Pour d’innombrables autres, cependant, le dernier siège social d’Apple sera considéré comme le couronnement de la réussite architecturale de la façon dont le campus d’une entreprise avant-gardiste devrait être conçu. Créé par le cabinet Foster + Partners, le campus de 175 acres est l’aboutissement d’un rêve que Steve Jobs a fait en 2004 alors qu’il se promenait dans le Hyde Park de Londres. C’est là que le fondateur de l’entreprise a décidé d’installer son entreprise dans un nouvel environnement où la barrière entre le bâtiment et la nature disparaîtrait complètement. Pour réaliser cette noble ambition, Steve Jobs s’est adressé à l’architecte Norman Foster, lauréat du prix Pritzker. « Lors de ma première rencontre avec Steve Jobs en 2009, il s’est souvenu que la région était le bol à fruits de l’Amérique et l’idée est née de recréer un tel paysage comme partie intégrante du concept », explique Foster. « Dans cette approche, les bâtiments et leur environnement sont indissociables et spécifiques aux besoins d’Apple. Steve et moi avons partagé une vision du projet ; l’Apple Park est le résultat de la réunion de deux équipes pour n’en faire finalement qu’une. » Cette vision comprend un bâtiment principal en forme d’anneau qui fonctionne avec une énergie entièrement durable, dont une grande partie provient des panneaux solaires qui recouvrent le sommet de la structure en forme de vaisseau spatial. Pour une entreprise aussi avant-gardiste qu’Apple, l’énergie solaire semble presque archaïque. C’est pourquoi Foster et son équipe ont poussé plus loin la création d’un bâtiment qui respire réellement. Entre chaque étage se trouve un auvent qui dépasse légèrement, son objectif principal étant de protéger les employés de l’intense soleil californien. À l’intérieur de chaque verrière se trouve un système de ventilation qui fait entrer et sortir l’air du bâtiment. Steve Jobs (qui n’était pas un fan de l’air conditionné) voulait que ses employés sentent la moindre brise passer comme s’ils étaient assis à l’extérieur. Grâce à divers capteurs, le bâtiment maintient une température comprise entre 68 et 77 degrés Fahrenheit, tout en utilisant une entrée et une sortie d’air naturel. Le campus abrite également 9 000 arbres, dont de nombreux pommiers, pruniers, abricotiers et autres arbres fruitiers. Le cadre verdoyant n’est cependant pas seulement esthétique : Ce sont toutes des variétés tolérantes à la sécheresse, plantées pour résister au changement climatique.

Si la dernière décennie peut être considérée comme une Renaissance arabe moderne pour la nation riche en pétrole des Émirats arabes unis, alors le Louvre Abu Dhabi est très certainement la pièce maîtresse de ce mouvement. Achevé en 2017, le bâtiment situé à Abu Dhabi, dont le coût est estimé à 650 millions de dollars, est, à tout le moins, une étape importante pour une ville qui, dans les années 1950, n’avait ni routes pavées, ni électricité, ni eau courante. La structure de 258 333 pieds carrés, conçue par Jean Nouvel, comporte un dôme en acier inoxydable et en aluminium qui a été découpé et superposé pour un effet éblouissant. Lorsque le soleil intense du Moyen-Orient frappe sur le dôme, des faisceaux lumineux apparaissent sous la forme de motifs en étoile. Il a fallu huit ans de construction pour que les étoiles s’alignent dans ce bâtiment, qui est le plus grand musée d’art de la péninsule arabique. Contrairement au Musée national du Qatar (très nationaliste et construit deux ans plus tard, à quelque 355 miles en voiture), le Louvre Abu Dhabi met en valeur l’impressionnant éventail d’œuvres d’art occidentales réparties dans 23 galeries qui appartiennent aux Émirats arabes unis ou qui leur sont prêtées (notamment un autoportrait de Van Gogh de 1877, la peinture de la gare Saint-Lazare de Monet de 1877, le célèbre portrait de Napoléon traversant les Alpes sur un cheval blanc de Jacques-Louis David, et la Composition avec bleu, rouge, jaune et noir de Mondrian de 1922).

Bjarke Ingels, partenaire fondateur et directeur créatif de Bjarke Ingels Group (BIG), n’est pas étranger à l’architecture radicale. Cet architecte de 44 ans possède un CV qui satisferait des architectes deux fois plus âgés que lui. Pourtant, c’est la conception de CopenHill, une structure située dans sa ville natale de Copenhague, qui témoigne du génie pur du jeune architecte. Au fond, CopenHill est la preuve qu’une architecture respectueuse de l’environnement peut être réalisée avec un design de qualité. À cette fin, la centrale électrique écologique de valorisation des déchets n’émet aucune toxine dans l’atmosphère. Loin de là. La structure peut brûler 400 000 tonnes de déchets par an et produire suffisamment d’énergie propre pour alimenter 60 000 foyers de la région. Mais il ne s’agit pas seulement de gérer les déchets, il s’agit aussi de s’amuser. Bien que le Danemark reçoive une bonne quantité de neige, le pays est plutôt plat et n’est pas un terrain idéal pour les amateurs de ski. BIG s’est servi de ce fait comme d’un atout dans son projet. Au sommet du toit du CopenHill se trouve une piste de ski de près de 1 500 pieds de long, accessible par un ascenseur situé à l’intérieur du bâtiment. Trois parcours sont prévus pour les skieurs : un pour les débutants, un autre pour les intermédiaires et, enfin, un pour les experts. « Ce que j’aime dans ce projet, c’est qu’il vous montre aussi le pouvoir de changement du monde du « Formgiving », qui consiste à donner une forme à ce qui n’existe pas encore, à donner une forme au futur », explique Ingels. « J’ai un fils de neuf mois, et il grandira dans un monde ne sachant pas qu’il fut un temps où l’on ne pouvait pas skier sur le toit d’une centrale électrique. »

Le Mémorial national pour la paix et la justice est un nom qui, en surface, semblerait consoler ses visiteurs. Pourtant, à juste titre, la structure fait tout sauf cela. Conçu par le cabinet MASS Design Group, basé à Boston, ce mémorial en plein air a été créé pour commémorer les victimes du lynchage aux États-Unis. Lorsque les visiteurs entrent dans le mémorial, ils marchent le long de colonnes rouge foncé. Clair, un pasteur de Floride, a été lynché pour avoir célébré le mariage d’un homme noir et d’une femme blanche, ou en 1930, lorsque Lacy Mitchell a été lynché en Géorgie pour avoir témoigné contre un homme blanc accusé d’avoir violé une femme noire). Au fur et à mesure que les visiteurs découvrent ces noms, le sol s’incline lentement vers le bas, tandis que les colonnes restent au même niveau et finissent par être suspendues au-dessus des visiteurs d’une manière qui évoque les lynchages qui ont eu lieu dans tout le pays. À partir de là, le musée s’ouvre sur un espace central où les visiteurs se tiennent debout et contemplent l’ensemble des colonnes suspendues. Le Mémorial national pour la paix et la justice est une expérience éducative, sinon angoissante, pour chaque visiteur. Que peut-on demander de plus à une structure censée faire la lumière sur un passé aussi sombre ?

Une grande partie de l’architecture consiste à prendre une grande vision et à la localiser au niveau communautaire. Et peut-être que nulle part ailleurs cela n’est plus évident que dans l’école et la résidence des enseignants de Fass, une école primaire sur la côte du Sénégal. Conçue par Toshiko Mori – fondateur et directeur de Toshiko Mori Architect, basé à New York – la structure circulaire a été façonnée par l’histoire du terrain. « La conception est basée sur un paradigme vernaculaire des anciennes structures de logement collectif des Sénégalais », explique Mori. « Les écoles standard de cette région sont constituées de murs rectangulaires en blocs de béton et de toits en tôle ondulée – des structures très peu conviviales et aliénantes qui deviennent très chaudes sous le soleil et incroyablement bruyantes en cas de pluie. » Pour l’école et la résidence des enseignants de Fass, cependant, Mori a trouvé le terrain pour construire des murs en briques de boue soutenus par de l’acier et du bambou. Les murs ont ensuite été peints en blanc, une étape importante qui permet de dévier les rayons du soleil. Le toit de l’école est une combinaison de bambou et d’herbe, un autre élément qui permet de maintenir la température dans les salles de classe (les températures peuvent régulièrement dépasser les 100 degrés Fahrenheit à Fass). L’école, qui accueille quelque 300 élèves âgés de 5 à 10 ans, est la première de la région à enseigner aux enfants à lire et à écrire dans leur langue maternelle, le pulaar, ainsi qu’en français. « Sur le plan architectural, je voulais développer le potentiel d’une typologie de bâtiment familière et vernaculaire et la transformer en une nouvelle icône contemporaine de leur propre institution publique avec des fonctions et des espaces partagés », explique Mori. En d’autres termes, l’architecte d’origine japonaise a réussi à prendre une grande vision et à la localiser de manière significative.

Si le public espérait voir les milliards de dollars d’art occidental que les Qataris avaient achetés au cours des dernières décennies, il semblerait que la construction d’un musée national dans leur pays était une nécessité. Et si cela s’est produit en 2019, avec l’ouverture du Musée national du Qatar, les nombreux Picasso, Rothko, Pollock et Cézanne étaient introuvables. Ce que le public a pu obtenir cependant, sous la forme d’un nouveau bâtiment étonnant conçu par Jean Nouvel, aurait pu être encore mieux. La structure de 361 861 pieds carrés contient les nombreux artefacts, histoires et images – de la découverte du pétrole à la vie au bord du golfe Persique – qui englobent la création du Qatar moderne (une liste des ailes comprend : La formation du Qatar, Les environnements nationaux du Qatar, et Le Qatar aujourd’hui). Pourtant, la plupart des musées nationaux du monde, si ce n’est tous, présentent, sous une forme ou une autre, l’histoire de leur peuple, des origines à l’époque moderne. Ce qui distingue le musée national du Qatar de tout autre musée, c’est bien sûr son architecture révolutionnaire. Il y a les faits concernant le bâtiment qui sont faciles à énumérer : L’extérieur est constitué de 539 disques, avec 76 000 éléments de revêtement à motifs ; l’intérieur est sinueux, le plafond s’élève et s’abaisse, ce qui ne cesse de surprendre les visiteurs dans les onze galeries reliées entre elles. Mais c’est là que s’arrête toute explication simple. Ce qui a rendu la tâche de Nouvel pour concevoir ce musée si difficile, c’est ce qu’on lui demandait – créer un bâtiment qui, par sa forme et sa formation, deviendrait l’incarnation même de l’identité qatarie. Sa réponse a pris la forme de la rose du désert, un phénomène naturel de la région qui consiste en une cristallisation en couches de minéraux présents dans le sable salé. D’un habile coup de main, Nouvel a réussi à capturer l’essence du miracle qu’a été la formation du Qatar, une minuscule nation qui s’étend sur quelque 4 416 miles carrés (une superficie plus petite que les îles Malouines).

À bien des égards, l’objectif du nouveau centre culturel new-yorkais de 475 millions de dollars semble impossible : Comment quelque chose, et encore moins un centre culturel, peut-il divertir les New-Yorkais blasés qui croient avoir tout vu ? Réponse : Placer un bâtiment sur des roues de manière à ce qu’il puisse se multiplier en deux tout en offrant la gamme de spectacles la plus diversifiée que la ville ait jamais connue. The Shed, qui a ouvert au printemps 2019, commence comme un espace culturel statique de 200 000 pieds carrés. Pourtant, la structure consiste en une coque extérieure (faite de panneaux ETFE légers et luminescents) qui repose sur un ensemble de roues reliées à une courte piste. Une fois activée au moyen d’un moteur de 121 chevaux (la même puissance qu’une Toyota Prius 2019), la coque s’éloigne du cadre principal du bâtiment, créant ainsi un bâtiment entièrement nouveau qui fait partie du bâtiment d’origine. « Souvent, les bâtiments flexibles ont une forme générique. Nous voulions créer un bâtiment flexible qui puisse avoir un caractère architectural fort », explique Elizabeth Diller, partenaire de Diller Scofidio + Renfro, qui, en tant que cabinet d’architecture principal, a travaillé avec Rockwell Group, les architectes collaborateurs, pour concevoir The Shed. « Notre objectif était de créer un bâtiment qui serait si flexible qu’il s’adapterait à un avenir qu’il ne connaît pas encore. Il serait si flexible qu’il pourrait même changer son empreinte au sol. »