Eventos contemporáneos
- 1685 Luis XIV revoca el Edicto de Nantes (que había establecido la tolerancia religiosa en 1598) y reanuda la persecución de los protestantes franceses. Los hugonotes (muchos de estos protestantes perseguidos) huyen de Francia y se dirigen a otras zonas europeas más tolerantes y a América.
- Carlos II muere repentinamente en 1685 sin dejar hijos legítimos. Jacobo II (su hermano) sucede en el trono inglés. Era un devoto católico romano y llevó a cabo políticas que asustaron a muchas facciones políticas. Surge de nuevo la rebelión. Los líderes de la política inglesa invitan a Guillermo de Orange a traer un ejército desde Holanda para ayudar a acabar con el reinado de Jaime II. Jacobo huye a Francia en 1688. El Parlamento ofrece el trono a Guillermo y a su esposa María (la hija protestante de Jacobo II).
Jan van Noordt, Retrato de un niño, 1665. Musée des Beaux-Arts de Lyon
Los jubones de la restauración adquieren un aspecto «encogido». Las mangas, la longitud e incluso la capacidad de abotonarse disminuyen. En consecuencia, una parte mucho mayor de la camisa queda al descubierto y el jubón se asemeja más a un bolero.
Al igual que en la época de los Caballeros, la camisa sigue adquiriendo un papel más destacado como parte visible del conjunto. A medida que la gola desaparece por completo, los cuellos de las camisas (cada vez más grandes) se sacan y se muestran encima del jubón. Los bordes suelen adornarse con encajes. En esta imagen, el grueso del cuello de la camisa empieza a adelantarse, por debajo de la barbilla. Tiene un aspecto de peto. A medida que avanza el periodo, los cuellos vuelven a estrecharse y acaban siendo sustituidos por las primeras versiones del corbatín (un pañuelo de lino o seda, generalmente de color blanco, que se anuda alrededor del cuello. El corbatín evolucionó hasta convertirse en la corbata del hombre moderno).
El joven de arriba también lleva una nueva moda: los pantalones de pinzas (también conocidos como pantalones de enagua). Son más parecidos a los culottes de hoy en día que a una falda o a las bases de la época Tudor. Son una prenda bifurcada de piernas anchas. Estos calzones, favoritos del rey Luis XIV de Francia, se ven a menudo adornados con cintas y lazos. El rey Luis era aficionado a la decoración accesoria, y a menudo se le acusa de pegar cintas a cualquier superficie que las soportara.
Se conservan los pantalones y el jubón de la época de la restauración.
Este jubón y los pantalones con enaguas presentan una intensa decoración de cintas. Este tipo de exceso agradaría mucho al rey Luis XIV. Los lazos de este traje en particular son de seda y plata.
El inicio del período de la Restauración ve una virtual explosión de decoración. Muchos historiadores de la indumentaria creen que fue una reacción al control político en Inglaterra que se le devolvió a la monarquía tras la muerte de Cromwell.
Hombre de negro, por Gerard ter Borch, c. 1673
El caballero del retrato de Borch que se muestra a continuación es un buen ejemplo de la vestimenta de moda muy influenciada por el traje sencillo. En los primeros tiempos de la Restauración, las alianzas con el trono o el parlamento se comunicaban fuertemente a través de la ropa. El conjunto de este hombre transmite mensajes contradictorios sobre quién era.
Por ejemplo, la falta de decoración excesiva, el color sombrío y la capucha sugieren que este caballero era un seguidor de Cromwell. Su pelo más largo, la fina construcción y la silueta de sus prendas (en concreto el jubón «encogido» y los rombos), los lazos en los zapatos y en las rodillas, y la nitidez de su aspecto sugieren que tiene una amplia riqueza y un interés por la moda.
Supongo que es un miembro de una de las clases más ricas basándome en estas pistas. Elige vestirse así, comunicando sus puntos de vista religiosos/políticos a su sociedad, pero también siguiendo las tendencias de la moda. Es probable que sea un creyente en los principios de la cultura puritana.
El cuadro se titula El hombre de negro. Gerard Ter Borch (el artista) dejó pocas pistas sobre la identidad del hombre, aparte de un estudio detallado de su vestimenta.
El marqués de Tweeddale, 1665
El uso de pelucas se pone en práctica durante el siglo XVII. Se sospecha que esto es un reflejo del hecho de que Luis XIV se quedó calvo y él, por vanidad, adoptó esta práctica para mantener su apariencia.
No obstante, los hombres comienzan a cortarse el pelo (o a afeitarse del todo) y a adoptar grandes mechones sueltos. Al final del período, algunas de estas pelucas son empolvadas. Sin embargo, los colores naturales son casi universalmente favorecidos durante la mayor parte de la Restauración.
Nótese la excesiva decoración de cintas en este retrato. Los volantes de encaje en la garganta son una prueba de la evolución del corbatín.
Pantalones y jubón de la época de la Restauración.
Traje de 3 piezas de la época de la Restauración: justacorpiño, chaleco y calzones
En 1666, Carlos II -recién restaurado rey de Inglaterra- no era partidario de la excesiva cantidad de adornos y volúmenes que caracterizan la vestimenta de la primera Restauración, a pesar de que era una celebración de su regreso al trono. Tras consultar con sus sastres personales, adoptó un nuevo estilo de vestir que, según los historiadores del traje, es el origen del actual traje de tres piezas.
Se trataba de un abrigo largo, sin cuello y con mangas (llamado justacorps o surtout). Debajo de ésta se llevaba un chaleco que se cortaba en una línea similar a la del justacorps. También tenía mangas. (La camisa se llevaba debajo del chaleco). El dobladillo del chaleco era unos centímetros más corto que el del abrigo. Los calzones que acompañaban a este conjunto eran estrechos, pero no apretados. Se estrechaban hacia la rodilla. Cuando el justillo se abotonaba desde el cuello hasta el dobladillo (cosa que podía hacer), el chaleco quedaba completamente oculto. Los pantalones asomaban justo por debajo del dobladillo. Los botones espaciados tan estrechamente que casi se tocaban entre sí era un elemento decorativo muy común.
Carlos II juró que llevaría este estilo de vestimenta hasta que se fuera de esta tierra. Por supuesto, no fue completamente fiel a este voto. Sin embargo, su influencia sobre la vestimenta masculina se hace sentir a lo largo del resto de la historia del traje. A partir de este momento, Francia deja de ser el líder europeo de la moda masculina. Inglaterra está en el punto de mira.
Matthew Prior. Simon Belle, ca. 1705.
El conjunto de justillo, chaleco y calzones se convierte en la silueta masculina dominante. Los adornos de encaje, los bordados y otras formas de decoración excesiva todavía se encuentran entre los ricos. Sin embargo, la silueta general es mucho más contenida y masculina en comparación con la de los primeros años de la Restauración. Si la moda estalla en excesos y pelusas a raíz de la Restauración (expresión de las libertades personales), ese entusiasmo se suaviza a medida que nos adentramos en la última parte del periodo. Europa se vuelve más seria y «vuelve a los negocios»
Durante el resto del siglo XVII y hasta el XVIII, Francia seguirá las líneas de la silueta masculina, pero siempre irá mucho más allá con la decoración-encajes, bordados, cintas, etc. La silueta masculina francesa siempre parecerá un poco más femenina que la inglesa.
Las pelucas se convierten en el adorno de cabeza dominante entre los hombres de moda. Llegan a tal altura, que se hace difícil llevar sombrero, aunque la etiqueta anima vivamente a hacerlo. Se convierte en una práctica común llevar el sombrero bajo un brazo como opción de cortesía. Los sombreros destinados a este fin se denominan chapeau bras. Se trata de sombreros con la copa ligeramente aplanada, ya que no están pensados para llevarlos puestos, sino bajo el brazo. El caballero de la izquierda, abajo, lleva uno.
Ambos llevan los justacorps abiertos por el centro de la parte delantera, dejando al descubierto el chaleco. Obsérvense los grandes puños, mucho más anchos que las propias mangas. Esto se convierte en una característica común de los justacorps. El largo de las mangas termina mucho antes de la muñeca, dejando al descubierto los volantes de la camisa. Fíjese también en la colocación de los bolsillos. A menudo se colocan a pocos centímetros del dobladillo de la chaqueta. Estos son también rasgos clave de la Restauración.
El caballero de la derecha lleva un manguito bastante grande suspendido de la cintura. El manguito era un accesorio común tanto para los hombres como para las mujeres durante esta zona. Generalmente están hechos de piel, y proporcionan un lugar para que las manos se deslicen dentro para calentarse.
Ambos hombres llevan zapatos de tacón alto con puntas cuadradas y una pala alta (o lengua).
Fra’ Galgario (Vittore Ghislandi), Ritratto del conte Gerolamo Secco Suardo. 1711
El caballero de la larga peluca blanca lleva un estilo anticuado si se compara con las imágenes contemporáneas, sobre todo cuando se presenta el hecho de que este retrato fue pintado en 1711 (el final del período que consideramos de la Restauración). Es, una vez más, una prueba del hecho de que la gente se aferra a lo que le gusta a pesar de las tendencias de la moda. La peluca extremadamente empolvada y el corbatín son prácticamente las únicas influencias de principios del siglo XVIII que aparecen aquí. El resto de su atuendo es característico de estilos de 50-60 años antes. Es otra anomalía de la moda, a la que parece que me estoy aficionando.
Personalmente, me llama la atención que en este momento de la historia las modas que yo consideraría más femeninas (los esmoquin, el jubón estilo bolero y la camisa blusa) sean las opciones de atuendo conservador. Mientras que la línea más rígida y regimentada (abrigo, chaleco, calzones) se considera moda de vanguardia. Es un juego interesante el que hace el contexto y un dato divertido con el que jugar a la hora de escenificar las comedias de Restauración para el público moderno.
Barbara Palmer (de soltera Villiers), duquesa de Cleveland
Como resultado, durante un breve periodo de tiempo, se pone de moda que una dama sea retratada como si acabara de dar una voltereta en el armario de las escobas. Esta tendencia de la moda del siglo XVII de pintar a las damas en posiciones reclinadas y con apariencia algo desaliñada y despeinada se denomina dishabille/deshabillé (traducido como «desnudez»).
SIR PETER LELY (1618-1680), Retrato de una dama (Inglaterra, c.1670). Londres. Inglaterra
Estas amantes del siglo XVII se presentan en un estado de desnudez muy cuidadoso y deliberado. Todo en su aspecto es suave, sensual y poderoso. Estas son las cualidades que caracterizan a las mujeres más a la moda de esta época.
Presta especial atención a la plenitud y la línea de su chemise. Fíjate en que el escote de su corpiño no sólo es bastante bajo y escotado, sino que apenas se posa sobre el hombro. Se expone mucha más piel por encima de la línea del pecho.
Nota sus labios y uñas rojos. No son naturales, sino que están pintados con cosméticos. Sus mejillas están rojas. Es posible que lleve base de maquillaje para realzar su deseada palidez.
Sir Patrick Lely, Portrait of an unknown woman. Tate Museum. Londres. Inglaterra
Incluyo estas imágenes aquí, únicamente porque me parece interesante su historia.
Algunas imágenes deshabitadas, como el retrato de Lely de la izquierda, llegan a nuevos extremos. El pecho desnudo (una convención artística, se lo aseguro) no implica que sea una dama de mala reputación. Por el contrario, indica que es la amante de un hombre muy poderoso. La presencia del spaniel a su izquierda (el lado derecho del observador) refuerza esta noción. Esta raza en particular es un símbolo de la familia real de los Estuardo.
Sir Patrick Lely, Elizabeth Killigrew, Mistress of Charles ii
El título de este retrato es Elizabeth, condesa de Kildare circa 1679
La mujer del retrato de Lely a la derecha es Elizabeth Jones Killigrew, hija mayor del primer conde de Raneleagh. Fue considerada una de las mayores bellezas de la corte de la Restauración. Era la amante del rey Carlos II en la década de 1670, en la época en que se realizó este cuadro (hacia 1679). Curiosamente, el retrato lleva el título de Elizabeth, Condesa de Kildare. No se casó con el conde de Kildare hasta 1684. Es posible que el título del cuadro se haya cambiado para desviar la atención de su vida anterior a su matrimonio.
Barbara (Villiers) duquesa de Cleveland (1641 – 1709) amante de Carlos II, esposa de Roger Palmer, conde de Castlemaine. 1666. Getty Images.
La lógica nos dice que sería bastante difícil andar con la ropa cayéndose del cuerpo, como sugieren los cuadros anteriores. Sin embargo, la suavidad y la sensualidad del look deshabillé sí influyeron en las esposas de la época, un poco más conservadoras, pero indudablemente a la moda.
Nótese el escote bajo y ancho posado sobre los hombros y el satén de seda de aspecto suave y arrugado utilizado en su vestido. Una vez más, vemos los labios rojos y las mejillas rugosas.
Al igual que la moda masculina, la silueta se vuelve a estrechar durante la segunda mitad de este periodo. Gran parte de la suavidad (sobre todo en el torso) desaparece de la ropa femenina durante las últimas décadas. La silueta es mucho más arquitectónica.
Maurice Leloir. Histoire du Costume, Volume 10, 1678-1725
Dos nuevas innovaciones de la moda que impulsan esta nueva rigidez son el tocado fontange/commode y el nuevo vestido mantua/manteau.
El fontange comenzó como un moño utilizado para sacar el flequillo de los ojos (que crecía ahora desde la tendencia de cortarlo en corto durante la época de los caballeros). El moño se convirtió rápidamente en una serie de volantes de encaje sostenidos en la parte superior de la cabeza con un marco de metal. Por lo general, se presentaba un tramo de encaje en la espalda que colgaba y cubría el cabello.
El vestido de manto era inicialmente poco entallado, y se cortaba en una sola pieza desde el hombro hasta el dobladillo. Se inspiraba en una moda oriental. Rápidamente se convirtió en un vestido que se moldeaba mediante pinzas y costuras verticales. No existe una costura horizontal que conecte el corpiño y la falda. El vestido adquiere un aspecto de chaqueta. Generalmente se lleva con las faldas recogidas hacia la espalda (dejando al descubierto la modesta) y a menudo amontonadas sobre la grupa. Esto crea una silueta que presagia ominosamente el periodo del Bustle del siglo XIX.
Maurice Leloir, Histoire du Costume, Volume 10, 1678-1725
Como vemos aquí, la colocación de la cintura de moda para el período de la Restauración vuelve a una colocación más natural.
Maurice Leloir, Histoire du Costume, Volumen 10, 1678-1725
No puedo evitar, al ver estas imágenes, pensar: «Polisón, polisón, polisón».
Las prendas tipo abrigo de corte completo, como la que se muestra aquí en rojo, aparecen en varios retratos de la época. La mayoría de las veces aparecen en escenas domésticas. Se supone que eran prendas que se llevaban en casa para aliviar la ropa «de calle», muy ceñida, y/o el atuendo de embarazada. Su plenitud oculta bastante bien un vientre abultado.
Lleva:
cajones
El cuello de la camisa se ha encogido hasta alcanzar su tamaño natural.
Corbata-atada alrededor del cuello por encima del collar-los extremos sueltos cuelgan por debajo de la barbilla.
Medias y zapatos de tacón
Capa de cintura-cortada de forma similar a la justacorpórea, el dobladillo cuelga unos centímetros más corto. Lo más probable es que tenga mangas.
Justacorps- mangas de 3/4 de longitud con un puño grande, tiene la capacidad de abotonarse desde el escote hasta el dobladillo.
Pequeños- plenitud moderada, terminando justo por debajo de la rodilla.
Peluca larga
Sombrero de plumas
Lleva:
Medias y zapatos de tacón
Al menos un secreto
Corte a juego con la silueta de moda- escote bajo, y cintura natural.
Modestia
Vestido de manteau-con las faldas recogidas a la espalda y la cintura volviendo a un lugar «natural».
Algún tipo de sombrero
Estas tres damas demuestran las tres principales siluetas femeninas vistas en toda Europa durante el periodo de la Restauración.
Me he referido a estas siluetas como:
(de izquierda a derecha)
Vestido de moda, español y sencillo.
Los países que aparecen debajo de cada dama en esta imagen indican las regiones donde estas siluetas son más frecuentes.
Retrato de una pareja, 1661, Bartholomeus van der Helst
REVISIÓN RÁPIDA
TIPO DE VESTIDO: A medida. El jubón se irá eliminando progresivamente para ser sustituido por un traje de 3 piezas más complicado.
Tejidos: Igual que en el periodo de la Caballería
Forma del silueta: Inicialmente, explosión de decoración. Inicialmente, los hombres vuelven a ser más bien triangulares, las mujeres son un reloj de arena con influencia exagerada en la cabeza. En 1666 se adopta una nueva silueta masculina. Esta refleja la de las mujeres: un reloj de arena con influencia exagerada en la cabeza.
INSTALACIONES BÁSICAS: Hombres: camisa, cuello, jubón (desteñido), calzones/rinconeras. NUEVO: calzones de pierna estrecha, camisa, chaleco, surtout/justacorps, corbata, sombreros, pelucas, medias, zapatos. Mujeres: mismos componentes que los Caballeros. NOVEDAD: fuente/comodidad.
MOTIVACIONES PARA EL VESTIDO: Estado en relación con la política y la religión.
IDENTIFICADORES CLAVE: jubón estilo bolero, exceso de tela en la camisa y en los pantalones, nivel ridículo de adornos, pelucas con fondo completo, primer traje de 3 piezas, el primer abrigo de traje no tiene cuello y se abotona desde el cuello hasta el dobladillo, con el tiempo el primer abrigo de traje añade bolsillos unos centímetros por encima del dobladillo y grandes puños con mangas que terminan cerca de la muñeca, vestidos de mantua de las damas tirados en «bustles», metraje/comodidad. Aumento de los «vestidos sencillos» en rebelión a los excesos de los estilos monárquicos.