Orígenes y desarrollo.
La adición de mayor alcance a la música durante la Edad Media fue la invención de la polifonía -música en más de una parte-, un aspecto del arte occidental que no se duplica en ninguna otra cultura. La idea en sí se originó, sin duda, siglos antes de las primeras pruebas escritas o incluso de la primera mención en los tratados teóricos. En sus formas más sencillas, la polifonía puede improvisarse fácilmente, por ejemplo, cuando dos o más intérpretes cantan simultáneamente la misma canción en diferentes tonos, y todavía existe en esa forma en varias culturas. Pero los músicos europeos llevaron la idea mucho más lejos, desarrollando y refinando la práctica hasta un nivel de complejidad que no podía ser extemporáneo, sino que requería una composición escrita largamente pensada y calculada. La música monofónica, tanto el canto como las composiciones profanas, siguió interpretándose durante toda la Edad Media y mucho después, pero una vez inventada, la polifonía invadió todas las formas con consecuencias dramáticas. Añadió todo un nuevo cuerpo de obras a la música sacra, complementando el canto e incluso sustituyéndolo en ocasiones especiales. El efecto fue algo diferente en la música profana, donde la música polifónica se convirtió en el preciado repertorio de las clases altas, creando una distinción musical de clase que no había existido anteriormente.
Las primeras formas.
La instrucción y la información sobre la polifonía se encuentran en tratados teóricos desde el De harmonica institutione (Instrucción melódica), escrito por el monje Hucbald hacia el año 900, y posteriormente se amplió y desarrolló en una serie de tratados como el Micrologus (Pequeña discusión), de Guido de Arezzo. La base de la técnica proviene del movimiento paralelo, que Hucbald describe como el sonido que resulta cuando un hombre y un niño cantan la misma melodía simultáneamente, cada uno en su propio rango. Las extensiones de esta idea incluyen refinamientos realizados por una de las voces que varía del paralelo exacto en diferentes momentos, creando diferentes armonías, o una voz que se mueve lentamente mientras la otra se mueve rápidamente, rellenando el hueco con pasajes ornamentales. Todas estas técnicas se conocen como «organum», y los primeros ejemplos escritos de la técnica se encuentran en manuscritos de los siglos XI y XII de Inglaterra y Francia. En el siglo XII, otros experimentos en torno al monasterio de Saint-Martial, en Limoges (centro de Francia), consistían en componer dos líneas de música con perfiles melódicos separados, lo que daba lugar a armonías constantemente cambiantes entre las dos partes. Es en este punto donde podemos marcar el verdadero inicio de la polifonía compuesta, la marca más distintiva de la música artística occidental.
El Organum de Notre Dame y las Clausulae Sustitutivas.
Junto con la construcción de la catedral gótica de Notre-Dame en París en el siglo XII, llegaron experimentos distintivos y de gran alcance en la composición de un nuevo repertorio polifónico por dos de los maestros de coro de la catedral: El maestro Leonin y el maestro Perotin. Estas composiciones, llamadas organum, consistían en una nueva parte añadida sobre el canto tradicional. A Leonin (c. 1135-1201) se le atribuye el origen del Magnus liber organi (Gran Libro de Organum), que contiene varios tipos de composiciones innovadoras, incluyendo secciones de organum para Graduales, Aleluyas y Responsorios para todo el año litúrgico. Las composiciones de organum de Leonin estaban destinadas a sustituir las frases de canto llano que normalmente canta un solista. Cuando los pasajes de organum se aplican a un canto, el resultado es una interrupción de la interpretación monofónica con una sección en la que un solista canta una parte superior rápida frente a las notas inferiores largas y sostenidas del canto original, seguida de una vuelta al canto al unísono del coro. Las nuevas secciones se conocen como clausulae sustitutivas porque su objetivo era ocupar el lugar de una frase (clausula) ya presente en el canto.
Discant.
Perotin, que siguió a Leonin al frente del coro de la catedral de Notre-Dame, dio el siguiente paso y añadió al repertorio sustitutivo una nueva organización rítmica de las notas del canto original con una relación mucho menor entre el número de notas de las partes superior e inferior. El estilo de composición de Perotin, llamado discant, aporta una mayor sensación de fluidez rítmica a las secciones sustitutivas. Por lo tanto, en la interpretación, un Aleluya en el que se han sustituido secciones de organum y discant adoptaría un formato en el que, por ejemplo, sólo tres secciones de canto llano interpretadas por todo el coro podrían alternarse con seis secciones de organum o discant. El cambio con respecto a la versión original del canto llano del Aleluya sería que la participación del coro se ha reducido sustancialmente porque ambas secciones de organum y discant son interpretadas por dos solistas, uno de los cuales canta el canto original mientras el otro añade la melodía de organum o discant recién compuesta por encima.