Resumen
El desarrollo y la institución del sonido sincronizado supuso una revolución total en el potencial artístico del cine, pero la historia del desarrollo del cine sonoro es también un testimonio de las fuerzas de la economía en la industria cinematográfica.
Antecedentes
Las películas nunca fueron realmente silenciosas; en 1900, los principales cines proporcionaban algún tipo de acompañamiento musical a las películas, ya fuera a través de partituras escritas para las películas e interpretadas en grandes órganos, o a través del acompañamiento improvisado de un pianista u otros músicos. Se intentó incorporar el sonido grabado a la experiencia cinematográfica, pero la única tecnología disponible eran los cilindros o discos de grabaciones, como los utilizados en los primeros fonógrafos de Edison. (El fonógrafo original de Thomas Alva Edison utilizaba un cilindro cubierto de papel de aluminio que se accionaba a mano mientras una aguja trazaba un surco en él). Estos aparatos tenían importantes inconvenientes, ya que sólo podían mantener unos cuatro minutos de sonido, el sonido en sí era difícil de amplificar para una gran audiencia y la sincronización con la acción en la pantalla era casi imposible. El acompañamiento musical, por tanto, se limitaba a representaciones especiales en grandes teatros que podían permitirse contratar músicos en directo. Por estas razones, a los productores de cine les interesaba económicamente encontrar formas baratas de llevar el sonido a todas las películas, con la esperanza de que el acompañamiento musical aumentara el interés del público por esta forma de arte y, posteriormente, aumentara la asistencia a las películas. Aunque la intención original era proporcionar un acompañamiento musical sincronizado, fue el potencial de los sistemas de sonido sincronizados para reproducir el habla y el diálogo sincronizados lo que finalmente captó la atención del público.
En 1919, tres alemanes -Josef Engl, Joseph Masserole y Hans Vogt- inventaron el sistema Tri-Egon, que permitía grabar el sonido directamente en la película. En este sistema, se utilizaba una célula fotoeléctrica para convertir las ondas sonoras en impulsos eléctricos, que luego se convertían en ondas luminosas y se grababan directamente en la tira de película como banda sonora. Un proyector equipado con un lector reconvertía las ondas luminosas en sonido para su reproducción, mientras que una rueda volante especial regulaba la velocidad de la reproducción. De este modo, era posible obtener un sonido sincronizado durante toda la película.
En Estados Unidos, el Dr. Lee De Forest (1873-1961) estaba trabajando en un sistema de sonido sincronizado basado en el tubo amplificador de 3 electrodos Audion, desarrollado en 1923 para resolver el problema de la amplificación para la reproducción en un gran auditorio. En 1924, 34 cines del Este habían sido cableados para el sistema de De Forest, y se planeaba instalar otros 50 en Estados Unidos, Gran Bretaña y Canadá. De Forest comenzó a producir películas bajo el nombre de De Forest Phonofilm Company, lanzando películas cortas de uno o dos rollos que presentaban escenas de musicales y óperas, actos de vodevil famosos, discursos de celebridades y políticos, piezas interpretadas por músicos famosos y una película narrativa ocasional. El énfasis, sin embargo, se ponía en la reproducción de la música.
Ninguno de estos sistemas, sin embargo, fue adoptado por un estudio importante de Hollywood porque los estudios temían que la conversión al cine sonoro fuera una empresa extremadamente cara para lo que era realmente una moda. Sin embargo, el desarrollo del sistema Vitaphone y su adopción por parte del incipiente estudio Warner Brothers obligaría a los estudios a reconsiderar tanto el gasto como la necesidad de la conversión al sonido sincronizado, al igual que el éxito de las noticias de Fox Movietone.
El sistema Vitaphone, desarrollado por Western Electric y Bell Telephone Laboratories, era un sistema de sonido en disco que Warner Brothers pretendía utilizar para proporcionar acompañamiento musical a las películas. En 1926 Warner Brothers estrenó el sistema con la proyección de la película Don Juan en la ciudad de Nueva York. En 1927, Warner Brothers había conectado 150 salas de cine de todo Estados Unidos para que tuvieran sonido, una enorme inversión de capital si se tiene en cuenta que a veces costaba hasta 25.000 dólares por sala hacer la conversión. Otros estudios, temiendo de nuevo el coste que supondría la conversión al sonido, así como previendo la pérdida de ingresos de las películas mudas que ya se habían producido, se unieron para resistir el paso al cine sonoro, o para crear un sistema sonoro propio de la competencia.
Esta fue la vía que siguió la Fox Film Corporation. En 1927, la Fox adquirió los derechos del sistema Tri-Egon en América, y había estado desarrollando, desde 1926, un sistema de sonido sobre película con Theodore W. Case y Earl I. Sponable. El 21 de enero de 1927, la Fox estrenó su sistema con una serie de actuaciones de un cantante español. En mayo de ese mismo año, la Fox presentó otra serie de cortos, incluyendo una actuación del cómico Chic Sale, pero fue el programa del 14 de junio de 1927 el que cautivó al público. Durante este programa, la Fox presentó la recepción del aviador estadounidense Charles Lindbergh (1902-1974) en la Casa Blanca, y un discurso del dictador italiano Benito Mussolini (1883-1945). La respuesta del público al ver a estas celebridades y oírlas hablar fue tan entusiasta que la Fox creó el Fox Movietone News, y comenzó a proyectar tres o cuatro noticiarios, con clips de celebridades o eventos especiales, en cada cine de la Fox. Convencido de que el sonido era la ola del futuro, el presidente de la Fox, William Fox, firmó un contrato recíproco con la Warner Brothers que permitía el intercambio de equipos y técnicos, cubriendo efectivamente a ambos estudios si un sistema se hacía más popular que el otro, o si los estudios rivales intentaban desarrollar un sistema competidor. De este modo, su enorme inversión financiera en el futuro del cine sonoro quedaría protegida.
El avance se produjo con la película de Warner Brothers The Jazz Singer (1927), en la que el actor Al Jolson (1886-1950) improvisó unas pocas líneas de diálogo sincronizado. El efecto fue sensacional, ya que el público escuchó por primera vez a un actor decir unas líneas como si fueran naturales y espontáneas. Como resultado, The Jazz Singer recaudó más de 3.000.000 de dólares en todo el mundo y nació el cine sonoro. En 1928, Warner Brothers produjo la primera «película 100% sonora», Lights of New York, y la era del cine sonoro estaba plenamente en marcha. En 1929, tres cuartas partes de las películas de Hollywood tenían algún tipo de acompañamiento sonoro, y en 1930 ya no se producían películas mudas.
Impacto
El impacto del cine sonoro en la industria cinematográfica fue monumental. En primer lugar, la forma misma de las películas cambió, debido al principio a las dificultades de grabación y edición de las películas sonoras. Como los micrófonos que se utilizaban en aquella época sólo podían captar el sonido cercano y eran extremadamente sensibles dentro de su limitado alcance, los actores tenían que permanecer muy quietos y muy cerca del micrófono. El ruido de la cámara también podía ser captado por los micrófonos, por lo que las cámaras y sus operadores estaban encerrados en cabinas de cristal. El movimiento de los actores dentro del encuadre y el movimiento de la propia cámara se convirtieron en casi imposibles, de modo que las películas volvieron a parecerse a las obras de teatro filmadas que eran típicas de los primeros tiempos del cine. Además, como el sonido se grababa directamente en la película en el momento de la filmación, ésta no podía editarse después del rodaje, salvo los cortes realizados durante las transiciones de las escenas. El arte de la edición y el montaje, desarrollado en Estados Unidos por directores como D.W. Griffith y perfeccionado por directores soviéticos como Sergei Eisenstien, ya no era posible. Además, muchas grandes estrellas del cine mudo, como el actor alemán Emil Jannings (1887-1950), que tenía un fuerte acento, y John Gilbert, cuya voz no coincidía con su imagen en la pantalla, descubrieron que ya no podían encontrar trabajo en el cine sonoro. Debido al cine sonoro, la interpretación para el cine empezó a concentrarse menos en la expresividad del cuerpo o del rostro para transmitir el significado de la escena, y a concentrarse más en la expresividad de la voz.
Como el sonido parecía ahora limitar el potencial del cine, en lugar de ampliarlo, se desarrolló un importante debate teórico entre los cineastas. Muchos consideraban que el sonido debía utilizarse para grabar exactamente lo que se veía en la pantalla, como los diálogos y los efectos sonoros relacionados con la acción en pantalla, lo que se denominaba sonido sincrónico. Otros, como Eisenstein, consideraban que el sonido debía utilizarse para proporcionar elementos no relacionados que pudieran interactuar de forma significativa con la acción en pantalla, lo que se denominaba sonido contrapuntístico o asíncrono. Este enfoque también habría liberado al cine de algunas de las limitaciones impuestas por la rudimentaria tecnología de sonido, pero a medida que se fueron introduciendo mejoras en los micrófonos y en los equipos de cámara, se eliminaron muchas de estas limitaciones. Por último, en 1929, se desarrollaron sistemas de sonido postsincronizados que permitían grabar el sonido y sincronizarlo con la película después de haberla rodado; esto permitía los efectos de edición y montaje que habían sido imposibles con las primeras películas sonoras. Hallelujah, dirigida por King Vidor en 1929, aprovechó al máximo las técnicas de sonido post-sincronizado, y se considera generalmente como la primera película de la era del sonido completo. En una escena crítica, mientras los personajes de la película corren por un pantano, la cámara se mueve con ellos y se producen cortes rápidos mientras el público escucha el sonido de los pájaros, de las ramas que se rompen y de los diálogos, todos ellos sonidos que se grabaron después de rodar la escena y que se añadieron posteriormente a la banda sonora.
La llegada del cine sonoro no sólo impactó en el cine como arte, sino también en el cine como industria. A pesar de los altos costes asociados a la conversión al sonido, el cine sonoro salvó a Hollywood de la Gran Depresión. A lo largo de la década de 1920, la asistencia al cine empezó a descender a medida que el público descubría nuevas tecnologías como la radio, y si el cine sonoro no se hubiera desarrollado y adoptado durante el breve periodo comprendido entre 1926 y 1930, muchos estudios de Hollywood se habrían visto abocados a la quiebra durante la Gran Depresión, ya que el público se cansó de las limitadas capacidades expresivas del cine mudo. Aunque se resistió al principio por factores económicos, el sonido abrió dimensiones totalmente nuevas en el cine como arte, dimensiones que el público estaba ansioso por explorar, y proporcionó a Hollywood una base económica que lo sostuvo durante la peor economía de la historia de Estados Unidos.
PHIL GOCHENOUR
Lectura adicional
Cook, David A. The History of Narrative Film. Tercera edición. Nueva York: W. W. Norton & Co., 1996.
Crafton, Donald. Talkies: America’s Transition to Sound Film, 1926-31 (History of American Cinema 4). Los Ángeles: University of California Press, 1999.