Un clavicordio es cualquiera de una familia de instrumentos de teclado europeos, incluyendo el gran instrumento actualmente llamado clavicordio, pero también las virginales más pequeñas, las virginales muselares y la espineta. Todos estos instrumentos generan el sonido pulsando una cuerda en lugar de golpearla, como en el piano o el clavicordio. Se cree que la familia de los clavicordios se originó cuando se colocó un teclado en el extremo de un salterio, proporcionando un medio mecánico para pulsar las cuerdas. El tipo de instrumento que ahora suele llamarse clavicordio en inglés se denomina generalmente clavicembalo o simplemente cembalo en italiano, y esta última palabra se suele utilizar también en alemán. La palabra típica en francés es clavecin. En español, la palabra más utilizada para designar un clavicordio es clavicordio, lo que lleva a la confusión con el clavicordio. En consecuencia, en los círculos musicales se utiliza la palabra italiana o, más comúnmente, la francesa por parte de los hispanohablantes.
Un músico que toca el clavicordio se llama clavecinista.
Historia
El origen del clavicordio es oscuro, pero se sabe que comenzó en algún momento de la alta o baja Edad Media. Las primeras referencias escritas sobre el instrumento datan del año 1300 y es posible que el clavicordio se inventara en ese siglo. Fue una época en la que se produjeron avances en la relojería y otras formas de maquinaria premoderna, por lo que es probable que se inventaran los aspectos mecánicos que distinguen a un clavicordio de un salterio. Una obra manuscrita en latín sobre instrumentos musicales de Henri Arnault de Zwolle, de hacia 1440, incluye diagramas detallados de un pequeño clavicordio y tres tipos de acción de la clavija.
Italia
Los primeros clavicordios completos que se conservan proceden de Italia, y el ejemplar más antiguo está fechado en 1521. La Royal Academy of Music de Londres, posee un instrumento de una curiosa forma vertical, que puede ser más antiguo; desafortunadamente, carece de la acción. Sin embargo, estos primeros instrumentos italianos no pueden arrojar luz sobre el origen del clavicordio, ya que representan una forma ya muy refinada del instrumento. Los fabricantes italianos de clavicémbalos fabricaban instrumentos monomanuales con una construcción muy ligera y una tensión de cuerdas relativamente baja. Este diseño persistió con pocas alteraciones entre los fabricantes italianos durante siglos. Los instrumentos italianos se consideran agradables pero poco espectaculares en su tono y sirven bien para acompañar a cantantes u otros instrumentos. Hacia el final del período histórico se construyeron instrumentos italianos más grandes y elaborados, especialmente por Bartolomeo Cristofori.
Flandes
Una revolución en la construcción de clavicémbalos tuvo lugar en Flandes alrededor de 1580 con el trabajo de Hans Ruckers y sus descendientes, incluyendo a Ioannes Couchet. El clavicordio de Ruckers tenía una construcción más sólida que el italiano. Debido a que utilizaban cuerdas más largas (siempre con los dos juegos básicos de cuerdas; normalmente uno de 8 pies y otro de 4 pies, pero ocasionalmente ambos con afinación de 8 pies), una mayor tensión de las cuerdas y una caja más pesada, así como una caja de resonancia de abeto muy delgada y sensible, el tono era más sostenido que con el clavicordio italiano, y fue ampliamente emulado por los constructores de clavicordios en la mayoría de las otras naciones. Los constructores flamencos también desarrollaron un estilo de clavicordio bimanual, que al principio se utilizaba simplemente para permitir una fácil transposición (en el intervalo de una cuarta) más que para aumentar el rango expresivo del instrumento. Sin embargo, más adelante, en el siglo XVII, el manual adicional se utilizó también para el contraste de tono con la capacidad de acoplar los registros de ambos manuales para obtener un sonido más completo. Los clavicémbalos flamencos solían estar elaboradamente pintados y decorados.
Francia
El instrumento flamenco recibió un mayor desarrollo en la Francia del siglo XVIII, especialmente con el trabajo de la familia Blanchet y su sucesor Pascal Taskin. Estos instrumentos franceses imitaron el diseño flamenco, pero ampliaron su alcance, de unas cuatro a unas cinco octavas. Además, los instrumentos franceses bimanuales utilizaban sus manuales para variar la combinación de registros que se utilizaban (es decir, las cuerdas que se pulsaban) en lugar de para la transposición. El clavicémbalo francés del siglo XVIII se considera a menudo una de las cimas del diseño de clavicémbalos, y se adopta ampliamente como modelo para la construcción de instrumentos modernos.
Un aspecto llamativo de la tradición francesa del siglo XVIII fue su casi obsesión por los clavicémbalos Ruckers. En un proceso llamado grand ravalement, muchos de los instrumentos Ruckers supervivientes se desmontaron y volvieron a montar, con un nuevo material de caja de resonancia y una construcción de caja que añadía una octava a su rango. Se considera probable que muchos de los clavicémbalos que en su momento se reivindicaron como restauraciones de Ruckers sean fraudulentos, aunque son instrumentos magníficos por derecho propio. Un proceso más básico era el llamado petit ravalement, en el que se modificaban los teclados y los juegos de cuerdas, pero no la caja.
Inglaterra
El clavicordio fue importante en Inglaterra durante el Renacimiento por el gran grupo de grandes compositores que escribieron para él, pero aparentemente muchos de los instrumentos de la época eran importaciones italianas. La construcción de clavecines en Inglaterra no alcanzó gran distinción hasta el siglo XVIII con el trabajo de dos constructores inmigrantes, Jacob Kirckman (de Alsacia) y Burkat Shudi (de Suiza). Los clavecines de estos constructores, construidos para una élite social próspera y en expansión, destacaban por su potente sonido y sus exquisitas cajas chapadas. El sonido de los clavicémbalos Kirckman y Shudi ha impresionado a muchos oyentes, pero la sensación de que domina la música ha llevado a que muy pocos instrumentos modernos se basen en ellos. La firma Shudi pasó a manos del yerno de Shudi, John Broadwood, que la adaptó a la fabricación de pianos y se convirtió en una fuerza creativa de primer orden en el desarrollo de ese instrumento.
Alemania
Los constructores de clavicémbalos alemanes siguieron a grandes rasgos el modelo francés, pero con un interés especial en conseguir una variedad de sonoridades, quizás porque, algunos de los constructores alemanes más eminentes eran también constructores de órganos de tubos. Algunos clavicordios alemanes incluían un coro de cuerdas de 2 pies (es decir, cuerdas afinadas dos octavas por encima del conjunto primario). Algunos incluso incluían un registro de 16 pies, afinado una octava por debajo de los coros principales de 8 pies. Un clavicordio alemán que aún se conserva tiene incluso tres manuales para controlar las numerosas combinaciones de cuerdas que había disponibles. Los registros de 2 y 16 pies del clavicordio alemán no son particularmente favorecidos entre los clavecinistas de hoy en día, que tienden a preferir el tipo de instrumento francés.
Obsolescencia y renacimiento
En el pico de su desarrollo, el clavicordio perdió el favor del piano. El piano evolucionó rápidamente alejándose de sus orígenes clavecinísticos, y el conocimiento tradicional acumulado de los constructores de clavicémbalos se disipó gradualmente.
A principios del siglo XX, un despertar del interés por la interpretación históricamente informada, con la renombrada, enérgica y ahora a veces controvertida Wanda Landowska como su abanderada, condujo al resurgimiento del clavicémbalo. En las primeras décadas de este renacimiento, los clavicémbalos que se construyeron estaban muy influenciados por el piano de cola moderno, sobre todo por el uso de pesados armazones de metal mucho más resistentes de lo que se necesitaría para soportar la tensión de las cuerdas del clavicémbalo. Tal fue el instrumento que los pianistas parisinos Pleyel construyeron para Mme Landowska. Los constructores solían incluir un tope de 16 pies en estos instrumentos para reforzar el sonido, siguiendo una práctica (relativamente inusual) de los constructores alemanes del siglo XVIII.
A partir de mediados de siglo, la construcción de clavecines dio un nuevo giro cuando una nueva generación de constructores trató de imitar los diseños y métodos de construcción de siglos anteriores. Este movimiento fue liderado por (entre otros) Frank Hubbard y William Dowd, que trabajaban en Boston, Arnold Dolmetsch, establecido en Surrey en el Reino Unido y Martin Skowroneck, que trabajaba en Bremen, Alemania. Estos constructores-estudiosos desmontaron e inspeccionaron muchos instrumentos antiguos y consultaron el material escrito sobre los clavicémbalos de la época histórica. La mayoría de los clavicémbalos construidos hoy en día se basan en los principios redescubiertos de los antiguos constructores, y esto incluye los clavicémbalos que han sido ensamblados a partir de kits vendidos por empresas modernas de fabricación de clavicémbalos.
Acción
La acción es similar en todos los clavicémbalos:
- La palanca del teclado es un simple pivote, que se balancea sobre un pasador que pasa por un agujero perforado.
- El gato es una pieza delgada y rectangular de madera que se asienta en posición vertical en el extremo de la palanca de llaves, mantenida en su lugar por las guías (superior e inferior) que son dos piezas largas de madera con agujeros a través de los cuales los gatos pueden pasar.
- En el gato, un plectro sobresale casi horizontalmente (normalmente el plectro está inclinado hacia arriba un poco) y pasa justo por debajo de la cuerda. Históricamente, los plectros se hacían normalmente de pluma de cuervo o de cuero, aunque la mayoría de los clavicémbalos modernos utilizan un plástico (delrin o celcon) en su lugar.
- Cuando se pulsa la parte delantera de la tecla (2), la parte trasera se levanta, la clavija se eleva y la púa arranca la cuerda (3).
- Al bajar la llave, la clavija cae por su propio peso y la púa gira hacia atrás para permitirle pasar la cuerda (4). Esto es posible gracias a que la púa está sujeta a una lengüeta, que está unida con una bisagra y un muelle al cuerpo del gato.
- En la parte superior del gato, un amortiguador de fieltro sobresale e impide que la cuerda vibre cuando la tecla no está presionada (1).
- 1.0 1.1 Robert Dearling, The Ultimate Encyclopaedia of Musical Instruments (Carlton Books, 1996, ISBN 1858681855).
- De Saint-Lambert, Michel y Rebecca Harris-Warrick. Principios del clavicordio. Cambridge; NY: Cambridge University Press, 1984. ISBN 0521252768
- Hubbard, Frank, Three Centuries of Harpsichord Making. Cambridge, MA: Harvard University Press, 1967. ISBN 0674888456 Se trata de un estudio autorizado sobre cómo se construyeron los primeros clavicémbalos y cómo evolucionó el clavicémbalo a lo largo del tiempo en las diferentes tradiciones nacionales.
- Kottick, Edward L., The harpsichord owner’s guide: a manual for buyers and owners. Cahpel Hill: University of North Carolina Press, 1987. ISBN 0807817457
- Palmer, Larry, Harpsichords in America: a 20th century revival. Bloomington: Indiana University Press, 1989. ISBN 0253327105
- Léxico multilingüe del clavicordio
- Sitio web del clavicordio con imágenes
- Escucha el sonido de varios clavicordios
- Sociedad Británica del Clavicordio
- Temas relacionados con el clavicordio
- Foto del clavicordio
- Ernest Miller Harpsichords: Creaciones en las tradiciones francesa y flamenca.
- Historia del clavicordio
- Historia de «Clavicordio»
Control de múltiples coros de cuerdas
Un aspecto en el que los clavicordios variaban mucho era en los mecanismos que controlaban qué coros de cuerdas sonarían al pulsar las teclas. En general, un conjunto de cuerdas se puede «apagar» moviendo el registro superior (por el que se deslizan sus clavijas) un poco hacia los lados, de manera que las plectas ya no tocan las cuerdas. En los instrumentos más sencillos, esta función se realizaba directamente a mano, pero a medida que el clavicordio evolucionó surgieron diversos inventos que facilitaban el cambio de registro, por ejemplo con palancas junto al teclado, palancas de rodilla o pedales.
En los instrumentos que tenían más de un manual (teclado), los fabricantes solían producir arreglos por los que las notas de un manual podían sonar opcionalmente con el otro manual. El sistema más flexible era el acoplador de empuje francés, en el que el manual inferior podía deslizarse hacia delante y hacia atrás, y en la posición de retroceso unos «perros» fijados a la superficie superior del manual inferior encajaban en la superficie inferior de las teclas del manual superior, haciendo que sonaran. Dependiendo de la elección del teclado y de la posición del acoplador, el jugador podía seleccionar el conjunto de clavijas etiquetadas como A, o B y C, o las tres.
El sistema inglés de clavijas en forma de pata de perro era menos flexible, ya que los manuales eran inmóviles. La forma de pata de perro del conjunto de clavijas etiquetadas como A permitía tocar A con cualquiera de los dos teclados, pero el manual inferior tocaba necesariamente los tres conjuntos, y no podía tocar sólo B y C como en el acoplador de empuje francés.
Variantes
Aunque los términos utilizados para designar a los distintos miembros de la familia se han estandarizado bastante hoy en día, en la época de esplendor del clavicémbalo no era así.
Clavicordio
En el uso moderno, un clavicordio puede significar todos los miembros de la familia, o más específicamente, el miembro con forma de gran piano, con una caja vagamente triangular que acomoda las cuerdas largas de los bajos a la izquierda y las cuerdas cortas de los agudos a la derecha; característicamente, el perfil es más alargado que el de un piano moderno, con una curvatura más aguda en la parte inferior.
Un clavicordio puede tener de una a tres, y ocasionalmente incluso más, cuerdas por nota. A menudo, una de ellas está en un tono de cuatro pies, una octava más alta que el tono normal de ocho pies. Cuando hay dos coros de ocho pies, típicamente uno tiene un punto de punteo más cercano al puente, creando una calidad de tono más «nasal» que enfatiza los armónicos superiores.
Los manuales simples, o teclados, son comunes, especialmente en los clavecines italianos. Los manuales dobles, que permiten un mayor control sobre las cuerdas que suenan, se encuentran en los instrumentos más elaborados. Hay algunos ejemplos de instrumentos alemanes de tres manuales.
Virginales
El virginal o virginales es una forma rectangular más pequeña y sencilla del clavicordio (que se parece un poco a un clavicordio), con una sola cuerda por nota que corre paralela al teclado en el lado largo de la caja. Identificado con este nombre en 1460, se tocaba en el regazo o, más comúnmente, apoyado en una mesa.Aunque el nombre parece provenir de la misma raíz que el adjetivo «virginal», la razón de este nombre es oscura. Hay que tener en cuenta que la palabra «virginal» en la época isabelina se utilizaba a menudo para designar cualquier tipo de clavicémbalo; así, las obras maestras de William Byrd y sus contemporáneos se tocaban a menudo en clavicémbalos de tamaño normal, al estilo italiano, y no sólo en los virginales como los llamamos hoy. Las virginales se describen como virginales de espineta (el tipo habitual) o virginales muselares.
Virginales de espineta
En las virginales de espineta, el teclado se coloca a la izquierda, y las cuerdas se pulsan en un extremo como en otros miembros de la familia del clavicordio. Esta es la disposición más común, y un instrumento descrito simplemente como «virginal» es probable que sea un virginal de espineta.
Virgenes muselares
En las virgenes muselares, o muselares, el teclado se coloca a la derecha o en el centro para que las cuerdas se pulsen en la mitad de su longitud de sonido. Esto proporciona un sonido cálido y rico, pero tiene un precio: la acción para la mano izquierda se sitúa inevitablemente en el centro de la caja de resonancia del instrumento, con el resultado de que cualquier ruido mecánico de esta acción se amplifica. Un comentarista del siglo XVIII dijo que los muselares «gruñen en los bajos como cerdos jóvenes». Además del ruido mecánico, el punto central de punteo en el bajo dificulta la repetición, porque el movimiento de la cuerda que sigue sonando interfiere con la capacidad de la púa para conectarse de nuevo. Por lo tanto, el muselar era más adecuado para la música de acorde y melodía sin partes complejas de la mano izquierda.
Los muselares fueron populares en los siglos XVI y XVII, pero cayeron en desuso en el siglo XVIII.
Espineta
Por último, un clavicordio con las cuerdas colocadas en un ángulo con respecto al teclado (normalmente de unos 30 grados) se llama espineta. En un instrumento de este tipo, las cuerdas están demasiado cerca para que las clavijas encajen entre ellas de forma normal; en su lugar, las cuerdas se disponen en pares, las clavijas se colocan en los grandes huecos entre los pares, y se orientan en direcciones opuestas, pulsando las cuerdas adyacentes al hueco.
Clavicytherium
Un clavicytherium es un clavicordio que está encordado verticalmente. Se fabricaron pocos. El mismo principio de ahorro de espacio se plasmó posteriormente en el piano vertical. Su mecanismo se modificó para hacer posible la forma vertical simplemente modificando la forma de las clavijas para que el cuerpo se curvara como un cuarto de círculo. Se ha conservado un ejemplo de finales del siglo XV (encontrado en el Royal College of Music de Londres), y se utilizaron hasta el siglo XVIII.
Variaciones
Sorprendentemente, para un instrumento que se fabricó en grandes cantidades durante más de tres siglos, existe una gran variación entre los clavicémbalos.
Además de las variadas formas que puede adoptar el instrumento y las diferentes disposiciones, o registros, que se pueden acoplar a un clavicémbalo, como se ha mencionado anteriormente, el alcance puede variar enormemente.
En general, los clavicémbalos más antiguos tienen alcances más pequeños y los posteriores más grandes, aunque hay frecuentes excepciones.En general, los clavicémbalos más grandes tienen un alcance de algo más de cinco octavas y los más pequeños tienen menos de cuatro. Por lo general, a los teclados más cortos se les amplió el alcance mediante el método de la «octava corta».
En el siglo XVI se construyeron varios clavicémbalos con teclados muy modificados, como el archicémbalo, para dar cabida a sistemas de afinación variados exigidos por la práctica compositiva y la experimentación teórica.
Música para clavecín
Histórica
La primera música escrita específicamente para clavecín solista comenzó a publicarse a mediados del siglo XVI. Los compositores que escribieron música para clave solo fueron numerosos durante toda la época barroca en Italia, Alemania y, sobre todo, Francia. Entre los géneros preferidos para la composición para clave solo se encontraban la suite de danza, la fantasía y la fuga. Además de las obras solistas, el clavicémbalo se utilizaba ampliamente para el acompañamiento en el estilo del bajo continuo (función que mantuvo en la ópera incluso hasta el siglo XIX). Hasta bien entrado el siglo XVIII, se consideraba que el clavicordio tenía ventajas y desventajas con respecto al piano.
Durante el siglo XIX, el clavicordio fue ignorado por los compositores, ya que el piano lo había suplantado. Sin embargo, en el siglo XX, con el creciente interés por la música antigua y la búsqueda de nuevos sonidos por parte de los compositores, se empezaron a escribir de nuevo piezas para este instrumento. Los conciertos para este instrumento fueron escritos por Francis Poulenc (el Concert champêtre, 1927-1928), Manuel de Falla y, más tarde, por Henryk Górecki, Philip Glass y Roberto Carnevale. Bohuslav Martinů escribió un concierto y una sonata para ella, y el Doble Concierto de Elliott Carter es para clave, piano y dos orquestas de cámara. En cuanto a la música de cámara, György Ligeti ha escrito un pequeño número de obras en solitario para el instrumento (entre ellas «Continuum»), mientras que «Les Citations» (1991) de Henri Dutilleux es una pieza para clave, oboe, contrabajo y percusiones. Tanto Dmitri Shostakovich (Hamlet, 1964) como Alfred Schnittke (Sinfonía nº 8, 1998) utilizaron el clave como parte de la textura orquestal. Más recientemente, el clavecinista Hendrik Bouman ha compuesto en el estilo de los siglos XVII y XVIII 75 piezas, de las cuales 37 composiciones son para clavecín solo, 2 composiciones son de conciertos para clavecín, 2 composiciones presentan clavecín obbligato y 36 composiciones incluyen clavecín en el bajo continuo en su música de cámara y música orquestal.
Música popular
Como casi todos los instrumentos de la música clásica, el clavecín ha sido adaptado para obras populares. El número de estos usos es enorme; para una lista parcial, véase el clavicordio en la cultura popular.
Notas
Todos los enlaces recuperados el 3 de agosto de 2017.
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