Diese 13 Gebäude haben die Architektur in den letzten 5 Jahren neu definiert

Das Design von Bürogebäuden, Museen, Flughäfen, Bahnhöfen und Häusern kann nicht immer revolutionär sein. In der Tat besteht ein Großteil der Architektur aus jenen banalen Plattitüden, die notwendig sind, damit Städte wachsen und die Menschheit sich weiterentwickelt. Ab und zu wird jedoch ein Gebäude fertiggestellt, das fast überall für Aufsehen sorgt und dabei die kollektive Praxis der Architektur in eine neue Richtung lenkt.

Nehmen Sie den Apple Park von Foster + Partners, der – von seinem vollständig mit Solarzellen bedeckten Dach bis hin zu seiner Fähigkeit, eine Innentemperatur von 68 bis 77 Grad Fahrenheit zu halten, indem er natürliche Luft von draußen ein- und ausströmen lässt – die Art und Weise revolutioniert hat, in der moderne Firmenzentralen entworfen werden. Oder CopenHill, ein 2013 von der Bjarke Ingels Group (BIG) begonnenes Projekt, das unsere Vorstellung davon, dass umweltfreundliche Architektur mit hohem Design möglich ist, neu definiert hat. Die von Ingels entworfene Anlage in Kopenhagen verbrennt Abfall in so viel saubere Energie, dass jährlich 60.000 Haushalte in der Region damit versorgt werden können. Doch im Gegensatz zu jeder anderen Müllverbrennungsanlage vor ihr geht BIG noch einen Schritt weiter. Auf dem Dach der Anlage befindet sich eine fast 1.500 Fuß lange Skipiste, die mit Wegen für Anfänger, Fortgeschrittene und Experten gepflastert ist.

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Wie das Design von BIG beweist, ist große Architektur immer ein Ausgangspunkt. Auf der einen Seite ist es ein Bauwerk, das die Vergangenheit zur Inspiration in der Funktion nutzt. Aber sie blickt gleichzeitig nach vorne und versucht, ihre Rolle in der Welt zu verbessern. In der Tat schreitet die Kultur in Anfällen und Anfängen voran, nie in großen Schritten. Und ein revolutionäres architektonisches Werk zu sehen, bedeutet, eine Reise in die nahe Zukunft zu unternehmen, und zwar über die nahe Vergangenheit. Wir glauben, dass diese 13 Gebäude genau das tun.

Aufgrund seiner strengen Bauvorschriften und seines architektonischen Stammbaums gehört Paris zu den schwierigsten Orten der Welt, um moderne Architektur erfolgreich zu gestalten. Doch überlassen wir es dem lyrischsten aller Stararchitekten, Frank Gehry, und seiner phänomenalen Fondation Louis Vuitton, ein solches Kunststück zu vollbringen. Der 2014 fertiggestellte, schiffsförmige Glasbau liegt inmitten der Bäume und Rasenflächen des Pariser Bois de Boulogne. Das Gebäude ist mit der beeindruckenden Kunstsammlung von LVMH gefüllt, mit Werken von Kusama und Abramovi’c bis hin zu Matisse und Giacometti, die in dem 126.000 Quadratmeter großen, zweieinhalbstöckigen Raum verteilt sind. Für seine Inspiration blickte Gehry auf einige große Entwürfe des 19. Jahrhunderts zurück. Jahrhunderts. „Ich habe die gläsernen Gewächshausbauten in französischen und britischen Gärten immer geliebt. Als wir mit einem Grundstück im Bois de Boulogne konfrontiert wurden, schien Glas der beste Weg zu sein, dem schönen Garten eine Struktur hinzuzufügen“, sagt Gehry. „Natürlich kann man in einer Museumsstruktur keine Gemälde an Glas hängen, also mussten wir ein geschlosseneres Gebäude innerhalb der Glasfassade entwerfen.“ Dieses Spiel zwischen Massiv und Glas funktioniert in der grünen Atmosphäre des Bois de Boulogne perfekt. Es ist eine Struktur, die sowohl skurril als auch robust ist, genau wie die sich schlängelnden Wege und endlosen Baumreihen, die sie umgeben.

Der von Gensler entworfene und 2015 fertiggestellte, 2.073 Fuß hohe Shanghai Tower (im Bild in der Mitte) hat eine scheinbar endlose Liste von Rekorden: Höchstes Gebäude in China, zweithöchstes der Welt, höchste Aussichtsplattform der Welt und das zweitschnellste Aufzugssystem der Welt. Doch schockierenderweise verblasst diese Liste fast im Vergleich zu der Tatsache, dass das Design der Firma für das Gebäude – eine asymmetrische Form mit abgerundeten Ecken – etwa 58 Millionen Dollar an Materialkosten im Vergleich zu einem traditionellen eckigen Gebäude der gleichen Größe einsparen konnte. „Die asymmetrische Form des Turms, sein sich verjüngendes Profil und seine abgerundeten Ecken ermöglichen es dem Gebäude, den in Shanghai üblichen Taifun-Winden zu widerstehen“, sagt Xiaomei Lee, Genslers regionaler Managing Principal in China und Projektleiter des Shanghai Towers. „Mit Hilfe eines Windkanaltests, der in einem kanadischen Labor durchgeführt wurde, verfeinerte Gensler die Form des Turms, wodurch die Windlasten des Gebäudes um 24 Prozent reduziert wurden. Das Ergebnis war eine leichtere Struktur, die 58 Millionen Dollar an Kosten für die benötigten Materialien einsparte.“

Rafael Viñolys 432 Park Avenue ist das höchste fertiggestellte Wohngebäude der westlichen Hemisphäre und verlangt als solches die Aufmerksamkeit des Betrachters auf eine Art und Weise, wie es noch kein Wohngebäude zuvor getan hat. Im Herzen von Midtown Manhattan gelegen, ist der 1.396 Fuß hohe Wolkenkratzer von allen fünf Stadtbezirken aus zu sehen. Seine Silhouette dominiert die New Yorker Skyline aus jedem Blickwinkel – aus Autos, Zügen und Flugzeugen gleichermaßen – eine Tatsache, die dem weltbekannten uruguayischen Architekten nicht entgangen ist. „Ein so markantes und dauerhaftes Zeichen an der ikonischsten Skyline der Welt zu setzen, ist eine große Verantwortung. Mir war von Anfang an klar, dass es eine zeitlose Qualität haben muss – möglichst frei von ästhetischen Moden“, sagt Viñoly. Befürworter des Entwurfs sprechen von einer gewissen Eleganz der ganz in Weiß gehaltenen, einheitlichen Form, während Skeptiker argumentieren, es fehle ihr an Charakter. Wie dem auch sei, die Ingenieursleistung, die nötig war, um dieses Bauwerk zu errichten, hat die Architektur auf ein höheres Niveau gebracht. Oder, wie Viñoly sagt: „Das Design drückt einfach die strukturelle Lösung einer enormen technischen Herausforderung aus, während es gleichzeitig das andere definierende urbane Merkmal von New York, das Raster der Stadt, reflektiert.“ Das Gebäude besteht im Wesentlichen aus sechs separaten Strukturen, die übereinander gebaut sind, mit einem zentralen, ununterbrochenen Kern, der aus den Aufzugsschächten und der gesamten mechanischen Versorgung des Gebäudes besteht. Außerhalb dieses Rückgrats füllt der gesamte bewohnbare Raum die Struktur aus. Obwohl es einige Kritik an Viñolys Entwurf gab, besteht kein Zweifel daran, dass seine Vision eine neue Ära schlanker Supertürme eingeläutet hat.

In vielerlei Hinsicht sind die Architekten von Diller Scofidio + Renfro Magier der Moderne. Nehmen wir zum Beispiel ihren Entwurf für The Broad in Los Angeles. Das Gebäude selbst beherbergt eine Sammlung zeitgenössischer Kunst mit fast 2.000 Stücken und ist damit theoretisch wie jedes andere Museum der Welt. Doch hier enden die Ähnlichkeiten abrupt. Das 50.000 Quadratmeter große Gebäude fungiert als nahtloser Puffer zwischen der Innen- und Außenwelt. „Die meisten Museen sind zur Straße hin undurchsichtig und nach innen gerichtet. Das Broad verwendet ein halb-poröses System – das wir ‚den Schleier‘ genannt haben – um eine urbane Schnittstelle zu schaffen“, sagt Elizabeth Diller, Partnerin und Mitbegründerin des New Yorker Büros DS+R. „Die Durchlässigkeit des Schleiers suggeriert eine Sicht in zwei Richtungen. Von der Straße aus lockt er durch seine angehobene Ecke, während die Blicke aus dem Inneren der Galerie schräg sind, so dass die Besucher nicht abgelenkt werden, ohne völlig von der Welt abgeschnitten zu sein.“ Dieses wabenartige Design unterstreicht auch die Kunstwerke, die in der Struktur untergebracht sind, und macht das markante Äußere in seiner Ästhetik multifunktional. „Die Wände des Schleiers sind außerdem so konstruiert, dass trotz der Bewegung der Sonne kein direktes Sonnenlicht in den Raum eindringt. Die zellulare Struktur rundherum wirkt wie ein Schwamm, der das Licht je nach Bedarf absorbiert und weiterleitet.“

Santiago Calatrava hat sich den Ruf erworben, Strukturen zu entwerfen, die so dynamisch sind, dass sie jeden Moment zu fliegen scheinen. Und der Entwurf des gebürtigen Spaniers für den Oculus ist da keine Ausnahme. Während die Struktur aus Stahl, Beton, Stein und Glas gebaut ist, nimmt sie die Form eines Vogels, genauer gesagt eines Phönix, im Flug an. Die Symbolik eines Phönix, der sich aus der Asche erhebt, ist unmittelbar, da das Gebäude nur wenige Meter von der Gedenkstätte und dem Museum des 11. Septembers in Downtown Manhattan entfernt liegt. Aber es ist nicht nur die Symbolik, es ist auch das Design – die Fähigkeit der Besucher, sich mit Leichtigkeit durch einen Raum zu bewegen, der elf U-Bahn-Linien und unzählige Einzelhandels- und Büroflächen miteinander verbindet -, die diesen Verkehrsknotenpunkt zu einem solchen architektonischen Wunderwerk macht. „Ich wollte eine Station bauen, in der sich jeder leicht zurechtfinden kann. Und warum? Weil es wichtig ist, sich in einem Bahnhof zurechtzufinden“, erklärt Calatrava. „Die Vorstellung, unterirdisch durch lange Rolltreppen zu gehen, düstere Orte zu betreten, das ist unser Alltag in New York. Aber muss es denn so dunkel sein? Nein. Ich wollte einen Ort schaffen, der den Menschen durch seine Orientierung ein Gefühl der Behaglichkeit vermittelt, aber auch ein Gefühl der Sicherheit, indem er alles für das bloße Auge öffnet.“ Für jeden, der Calatravas Oculus besucht hat, ist es offensichtlich, dass er dies in höchstem Maße getan hat.

In seiner einfachsten Form, Herzog & de Meurons Entwurf für die Elbphilharmonie Hamburg ist der physische Beweis dafür, dass eine adaptive Umnutzung zu einem verblüffenden, umwerfenden Effekt führen kann. Glas bedeckt den oberen Teil des Gebäudes vollständig und lässt es eher wie ein avantgardistisches Schiff erscheinen als einen Raum für musikalische Aufführungen. Der 2017 fertiggestellte untere Teil des Gebäudes, auf dem die Elbphilharmonie Hamburg thront, hat eine Geschichte, die eigentlich noch weiter zurückreicht. Das Fundament des Entwurfs von Herzog & de Meuron ist ein Backsteingebäude, das 1963 als ehemalige Lagerhalle errichtet wurde. Der Standort dieser Lagerhalle war bedeutsam, denn sie lag an der Elbmündung im geografischen Herzen der Stadt. Als das Lagerhaus, zusammen mit vielen anderen älteren Backsteingebäuden aus dem 19. Jahrhundert, baufällig wurde, entstand der Plan, diese Industrieflächen in beliebte Hafenviertel zu verwandeln. Niemand konnte die Popularität der Elbphilharmonie Hamburg vorhersehen. Die Karten für die musikalischen Darbietungen sind ständig ausverkauft (was auch an den im Vergleich zu anderen Philharmonien weltweit günstigen Preisen liegt). Das Innere des Hauses ist zudem demokratisch angelegt, d.h. alle 2.100 Sitzplätze sind um die Hauptbühne herum angeordnet, so dass jeder von ihnen den gleichen Status und die gleiche Erlebnisqualität hat. Zusätzlich zum Ethos des Gebäudes, dass alle Menschen gleich sind, nutzte die Elbphilharmonie im März 2017, auf dem Höhepunkt dessen, was viele als Flüchtlingskrise in Europa bezeichneten, ihre Popularität auf positive Weise: indem sie ein Festival präsentierte, das der syrischen Musik und Kultur gewidmet war und Einheimische und Neuankömmlinge in der Stadt zusammenbrachte.

Für einige wird der Apple Park immer als die letzte Vision des unnachahmlichen Firmengründers Steve Jobs in Erinnerung bleiben. Für zahllose andere jedoch wird Apples neues Hauptquartier als krönende architektonische Leistung dafür gelten, wie der Campus eines zukunftsweisenden Unternehmens gestaltet sein sollte. Der von der Firma Foster + Partners entworfene, 175 Hektar große Campus war der Höhepunkt eines Traums, den Jobs im Jahr 2004 hatte, als er durch den Londoner Hyde Park ging. Dort beschloss der ikonische Gründer, sein Unternehmen in einer neuen Umgebung unterzubringen, in der die Barriere zwischen Gebäude und Natur nahtlos verschwindet. Um dieses hochgesteckte Ziel zu erreichen, wandte sich Jobs an den mit dem Pritzker-Preis ausgezeichneten Architekten Norman Foster. „Bei meinem ersten Treffen mit Steve Jobs im Jahr 2009 erinnerte er sich daran, dass die Region die Obstschale Amerikas ist, und so entstand die Idee, eine solche Landschaft als integralen Bestandteil des Konzepts neu zu erschaffen“, sagt Foster. „Bei diesem Ansatz sind die Gebäude und ihre Umgebung untrennbar und spezifisch für die Bedürfnisse von Apple. Steve und ich hatten eine gemeinsame Vision für das Projekt; der Apple Park ist das Ergebnis des Zusammentreffens zweier Teams, die letztendlich eins wurden.“ Zu dieser Vision gehört ein ringförmiges Hauptgebäude, das mit vollständig nachhaltiger Energie betrieben wird, die größtenteils von den Solarzellen stammt, die den oberen Teil der raumschiffartigen Struktur säumen. Für ein so hochmodernes Unternehmen wie Apple wirkt Solarenergie fast schon archaisch. Deshalb hat es Foster und sein Team weitergetrieben, ein Gebäude zu schaffen, das tatsächlich atmet. Zwischen jedem Stockwerk befindet sich ein leicht überstehendes Vordach, dessen Hauptzweck es ist, die Mitarbeiter vor der intensiven kalifornischen Sonne zu schützen. In jedem Vordach ist ein Belüftungssystem versteckt, das die Luft in das Gebäude hinein- und wieder herausleitet. Jobs (der kein Fan von Klimaanlagen war) wollte, dass seine Mitarbeiter jede vorbeiziehende Brise so spüren, als ob sie draußen sitzen würden. Durch eine Vielzahl von Sensoren hält das Gebäude eine Temperatur von 68 bis 77 Grad Fahrenheit aufrecht, indem es die natürliche Luft ansaugt und abgibt. Der Campus beherbergt außerdem 9.000 Bäume, darunter viele Apfel-, Pflaumen-, Aprikosen- und andere Obstbäume. Die grüne Umgebung dient jedoch nicht nur der Ästhetik: Es sind alles trockenheitstolerante Sorten, die gepflanzt wurden, um dem Klimawandel zu widerstehen.

Wenn das vergangene Jahrzehnt als eine moderne arabische Renaissance für die ölreiche Nation der Vereinigten Arabischen Emirate betrachtet werden kann, dann ist der Louvre Abu Dhabi ganz sicher das Herzstück dieser Bewegung. Das 2017 fertiggestellte, schätzungsweise 650 Millionen Dollar teure Gebäude in Abu Dhabi ist ein Meilenstein für eine Stadt, die bis in die 1950er Jahre weder über befestigte Straßen noch über Strom oder fließendes Wasser verfügte. Das 258.333 Quadratmeter große Gebäude, das von Jean Nouvel entworfen wurde, verfügt über eine Kuppel aus Edelstahl und Aluminium, die so geschnitten und geschichtet wurde, dass sie einen überwältigenden Effekt erzielt. Wenn die intensive Sonne des Nahen Ostens auf die Kuppel trifft, brechen die Lichtstrahlen in Form von sternförmigen Mustern durch. Es dauerte acht Jahre, bis die Sterne in diesem Gebäude, dem größten Kunstmuseum auf der arabischen Halbinsel, in einer Reihe standen. Im Gegensatz zum Nationalmuseum von Katar (das sehr nationalistisch ist und zwei Jahre später gebaut wurde, etwa 355 Meilen mit dem Auto entfernt), wirbt der Louvre Abu Dhabi für die beeindruckende Vielfalt westlicher Kunst, die in 23 Galerien verteilt ist, die sich entweder im Besitz der VAE befinden oder an diese ausgeliehen wurden (darunter ein Selbstporträt von Van Gogh aus dem Jahr 1877, Monets Gemälde des Bahnhofs Saint-Lazare von 1877, Jacques-Louis Davids berühmtes Porträt von Napoleon, der die Alpen auf einem weißen Pferd überquert, und Mondrians Komposition mit Blau, Rot, Gelb und Schwarz von 1922).

Bjarke Ingels, der Gründungspartner und Kreativdirektor der Bjarke Ingels Group (BIG), ist kein Unbekannter für radikale Architektur. Der 44-jährige Architekt hat einen Lebenslauf, der Architekten im doppelten Alter zufriedenstellen würde. Und doch ist es der Entwurf von CopenHill, einem Bauwerk in seiner Heimatstadt Kopenhagen, der die schiere Genialität des jungen Architekten zeigt. Im Kern ist CopenHill der Beweis dafür, dass umweltfreundliche Architektur mit hohem Design erreicht werden kann. So gibt das umweltfreundliche Müllheizkraftwerk keine Giftstoffe an die Atmosphäre ab. Ganz im Gegenteil. Das Bauwerk kann jährlich 400.000 Tonnen Abfall in genügend saubere Energie umwandeln, um 60.000 Haushalte in der Region zu versorgen. Aber es geht nicht nur um Abfallmanagement – es geht auch um Spaß. Obwohl Dänemark eine gesunde Menge an Schnee erhält, ist das Land ziemlich flach und kein ideales Terrain für Skiliebhaber. BIG hat diese Tatsache als Vorteil für sein Projekt genutzt. Auf dem Dach des CopenHill befindet sich eine fast 1.500 Fuß lange Skipiste, die über einen Aufzug im Inneren des Gebäudes zugänglich ist. Es gibt drei Wege für Skifahrer: einen für Anfänger, einen weiteren für Fortgeschrittene und schließlich einen für Experten. „Was ich an diesem Projekt liebe, ist, dass es auch die weltverändernde Kraft von ‚Formgiving‘ zeigt, das heißt, dem, was noch nicht existiert, eine Form zu geben – der Zukunft eine Form zu geben“, sagt Ingels. „Ich habe einen neun Monate alten Sohn, und er wird in einer Welt aufwachsen, die nicht weiß, dass es jemals eine Zeit gab, in der man nicht auf dem Dach eines Kraftwerks Ski fahren konnte.“

Das National Memorial for Peace and Justice ist ein Name, der auf den ersten Blick tröstend auf seine Besucher wirkt. Doch zu Recht tut das Bauwerk alles andere als das. Das von der Bostoner Firma MASS Design Group entworfene Open-Air-Mahnmal wurde zum Gedenken an die Opfer von Lynchjustiz in den Vereinigten Staaten errichtet. Wenn Besucher die Gedenkstätte betreten, gehen sie an dunkelroten Säulen entlang. Diese Säulen enthalten sowohl die Namen der Opfer als auch die Bezirke, in denen diese unvorstellbaren Ereignisse stattfanden (wie z.B. 1877, als Arthur St. Clair, ein Pfarrer aus Florida, gelyncht wurde, weil er die Hochzeit eines schwarzen Mannes mit einer weißen Frau vollzog, oder 1930, als Lacy Mitchell in Georgia gelyncht wurde, weil er gegen einen weißen Mann aussagte, der der Vergewaltigung einer schwarzen Frau beschuldigt wurde). Während die Besucher langsam diese Namen aufnehmen, neigt sich der Boden langsam nach unten, während die Säulen auf demselben Niveau bleiben und schließlich über den Besuchern hängen, auf eine Art und Weise, die an die Lynchmorde erinnert, die im ganzen Land stattfanden. Von dort aus öffnet sich das Museum zu einem zentralen Raum, in dem die Besucher stehen und auf alle hängenden Säulen zurückblicken. Das National Memorial for Peace and Justice ist eine lehrreiche, wenn auch nicht erschütternde Erfahrung für jeden Besucher. Was kann man mehr von einem Bauwerk verlangen, das Licht in eine so dunkle Vergangenheit bringen soll?

Bei einem Großteil der Architektur geht es darum, eine große Vision zu nehmen und sie auf die Ebene der Gemeinschaft zu übertragen. Und vielleicht wird das nirgendwo deutlicher als bei der Fass School and Teachers‘ Residence, einer Grundschule an der Küste des Senegal. Entworfen von Toshiko Mori – dem Gründer und Leiter des New Yorker Büros Toshiko Mori Architect – wurde das runde Gebäude von der Geschichte des Landes geprägt. „Das Design basiert auf einem volkstümlichen Vorbild der alten kollektiven Wohnstrukturen der Senegalesen“, sagt Mori. „Die Standardschulen in dieser Gegend bestehen aus rechteckigen Betonblockwänden und Wellblechdächern – sehr unfreundliche und entfremdende Strukturen, die in der Sonne sehr heiß und bei Regen unglaublich laut werden.“ Für die Fass-Schule und das Lehrerwohnheim fand Mori jedoch das Land für Lehmziegelwände, die von Stahl und Bambus getragen werden. Die Wände wurden dann weiß gestrichen, ein wichtiger Schritt, der die Sonnenstrahlen ablenkt. Das Dach der Schule ist eine Kombination aus Bambus und Gras, ein weiteres Element, das die Temperaturen in den Klassenzimmern niedrig hält (in Fass können die Temperaturen regelmäßig über 100 Grad Fahrenheit steigen). Die Schule, die etwa 300 Schüler im Alter von 5 bis 10 Jahren beherbergt, ist die erste in der Gegend, die den Kindern Lesen und Schreiben in ihrer Muttersprache, Pulaar, sowie in Französisch beibringt. „Aus architektonischer Sicht wollte ich das Potenzial einer vertrauten, volkstümlichen Gebäudetypologie erweitern und sie in eine neue, zeitgemäße Ikone einer eigenen öffentlichen Einrichtung mit gemeinsamen Funktionen und Räumen verwandeln“, erklärt Mori. Mit anderen Worten: Der in Japan geborene Architekt hat erfolgreich eine große Vision aufgegriffen und sie auf sinnvolle Weise lokalisiert.

Wenn die Öffentlichkeit hoffte, die Milliarden von Dollar an westlicher Kunst zu sehen, die die Katarer in den letzten Jahrzehnten gekauft hatten, dann schien der Bau eines Nationalmuseums in ihrem Land eine Notwendigkeit zu sein. Und während das 2019 mit der Eröffnung des Nationalmuseums von Katar geschah, waren die vielen Picassos, Rothkos, Pollocks und Cézannes nirgends zu finden. Was die Öffentlichkeit allerdings bekommen hat, in Form eines atemberaubenden, von Jean Nouvel entworfenen neuen Gebäudes, könnte sogar noch besser gewesen sein. Das 361.861 Quadratmeter große Gebäude enthält die vielen Artefakte, Geschichten und Bilder – von der Entdeckung des Öls bis zum Leben am Persischen Golf -, die die Entstehung des heutigen Katars umfassen (eine Liste der Flügel beinhaltet: The Formation of Qatar, Qatar’s National Environments, und Qatar Today). Doch viele, wenn nicht sogar alle Nationalmuseen auf der ganzen Welt zeigen in irgendeiner Form die Geschichte ihres Volkes von den Anfängen bis zur heutigen Zeit. Was das Nationalmuseum von Katar von allen anderen Museen unterscheidet, ist natürlich seine revolutionäre Architektur. Die Fakten über das Gebäude sind leicht herunter zu klappern: Das Äußere besteht aus 539 Scheiben mit insgesamt 76.000 gemusterten Verkleidungselementen; die Innenräume drehen und wenden sich, die Decke hebt und senkt sich und hält die Besucher in den elf miteinander verbundenen Galerien ständig in Atem. Doch hier endet jede einfache Erklärung. Was Nouvels Aufgabe, dieses Museum zu entwerfen, so schwierig machte, ist das, was von ihm verlangt wurde – ein Gebäude zu schaffen, das durch seine Form und Gestaltung zur Verkörperung der katarischen Identität werden sollte. Seine Antwort kam in Form der Wüstenrose, einem in der Region natürlich vorkommenden Phänomen, das aus einer schichtweisen Kristallisation von Mineralien besteht, die im salzigen Sand vorkommen. Mit einer geschickten Handbewegung gelang es Nouvel, die Essenz des Wunders einzufangen, das die Entstehung von Katar war, einer winzigen Nation, die sich über etwa 4.416 Quadratmeilen erstreckt (eine Fläche kleiner als die Falklandinseln).

In vielerlei Hinsicht scheint das Ziel von New Yorks neuem, 475 Millionen Dollar teurem Kulturzentrum unmöglich: Wie kann irgendetwas, geschweige denn ein Kulturzentrum, abgestumpfte New Yorker unterhalten, die glauben, schon alles gesehen zu haben? Die Antwort: Man stelle ein Gebäude auf Räder, so dass es sich vervielfachen kann, und biete gleichzeitig das wohl vielfältigste Programm an Aufführungen, das die Stadt je gesehen hat. The Shed, das im Frühjahr 2019 eröffnet wurde, beginnt als statischer 200.000-Quadratfuß-Kulturraum. Die Struktur besteht jedoch aus einer äußeren Hülle (aus leichten, leuchtenden ETFE-Paneelen), die auf einem Satz von Rädern sitzt, die mit einer kurzen Schiene verbunden sind. Sobald sie durch einen 121-PS-Motor (die gleiche Leistung wie ein 2019er Toyota Prius) aktiviert wird, bewegt sich die Hülle vom Hauptrahmen des Gebäudes weg und schafft so ein völlig neues Gebäude, das Teil des ursprünglichen ist. „Oft sind flexible Gebäude von der Form her generisch. Wir wollten ein flexibles Gebäude schaffen, das einen starken architektonischen Charakter hat“, sagt Elizabeth Diller, Partnerin bei Diller Scofidio + Renfro, die als federführendes Architekturbüro mit der Rockwell Group, den kooperierenden Architekten, beim Entwurf von The Shed zusammengearbeitet hat. „Unser Ziel war es, ein Gebäude zu schaffen, das so flexibel ist, dass es sich an eine Zukunft anpassen kann, die es jetzt noch nicht kennt. Es wäre so flexibel, dass es sogar seine Grundfläche verändern könnte.“