Die Restauration (17. Jahrhundert)

Zeitgenössische Ereignisse

• 1685 Ludwig XIV. widerruft das Edikt von Nantes (das 1598 religiöse Toleranz eingeführt hatte) und nimmt die Verfolgung der französischen Protestanten wieder auf. Die Hugenotten (viele dieser verfolgten Protestanten) fliehen aus Frankreich und gehen in andere, tolerantere europäische Gebiete und nach Amerika.
• Charles II. stirbt 1685 plötzlich und hinterlässt keine legitimen Kinder. James II (sein Bruder) folgt auf den englischen Thron. Er war ein gläubiger Katholik und verfolgte eine Politik, die viele politische Gruppierungen verschreckte. Rebellion entsteht von neuem. Führende englische Politiker laden Wilhelm von Oranien ein, eine Armee aus Holland zu bringen, um die Herrschaft von James II. zu beenden. James flieht 1688 nach Frankreich. William und seine Frau Mary (die protestantische Tochter von James II.) werden vom Parlament auf den Thron gesetzt.

Spätbarock (Restauration) – 1660-1710

Restaurationsdoubletten nehmen ein „geschrumpftes“ Aussehen an. Ärmel, Länge und sogar die Fähigkeit zu knöpfen nehmen ab. Infolgedessen wird viel mehr vom Hemd freigelegt, und das Wams sieht eher wie ein Bolero aus.

Wie in der Kavalierszeit nimmt das Hemd als sichtbarer Teil des Ensembles eine immer prominentere Rolle ein. Während die Halskrause gänzlich verschwindet, werden Hemdkragen (die immer größer werden) herausgezogen und über dem Wams ausgestellt. Die Ränder werden oft mit Spitze verziert. In diesem Bild beginnt der Großteil des Kragens nach vorne zu wandern, unter das Kinn. Er hat eine latzähnliche Qualität. Im weiteren Verlauf der Periode werden die Kragen wieder schmaler und werden schließlich durch frühe Versionen der Krawatte ersetzt (ein Leinen- oder Seidentuch, meist in Weiß, das um den Hals gebunden wird. Die Krawatte entwickelt sich schließlich zur modernen Krawatte des Mannes).

Der junge Mann oben trägt auch eine neue Modeerscheinung – Rheingraves (auch bekannt als Petticoat Breeches). Diese sind näher an modernen Culottes als an einem Rock oder Basen aus der Tudorzeit. Sie sind ein weitbeiniges, gegabeltes Kleidungsstück. Diese Hose war ein Favorit von König Ludwig XIV. von Frankreich und wird oft mit Bändern und Schleifen geschmückt. König Ludwig hatte eine Vorliebe für zugängliche Dekoration und es wird ihm oft nachgesagt, dass er Bänder an jeder Oberfläche anbrachte, die sie tragen konnte.

Dieses Wams und die Petticoat-Reithose weisen eine intensive Bandverzierung auf. Diese Art von Exzess würde König Ludwig XIV. sehr gut gefallen. Die Bänder auf diesem speziellen Anzug sind aus Seide und Silber.

Der Beginn der Restaurationszeit sieht eine virtuelle Explosion des Dekors. Viele Kostümhistoriker glauben, dass dies eine Reaktion auf die Wiederherstellung der politischen Kontrolle in England durch die Monarchie nach dem Tod von Cromwell war.

Der Herr auf dem Borch-Porträt unten ist ein schönes Beispiel für modische Kleidung, die stark von der bürgerlichen Kleidung beeinflusst ist. In den frühen Tagen der Restauration wurden Allianzen mit dem Thron oder dem Parlament stark über die Kleidung kommuniziert. Das Ensemble dieses Mannes vermittelt gemischte Botschaften darüber, wer er war.

Zum Beispiel deuten das Fehlen von übermäßiger Dekoration, die düstere Farbe und das Capotain darauf hin, dass dieser Gentleman ein Anhänger Cromwells war. Sein längeres Haar, die feine Konstruktion und Silhouette seiner Kleidungsstücke (namentlich das „geschrumpfte“ Wams und die Rheingravur), seine Schuh- und Knieschleifen und die Schärfe seiner Erscheinung deuten darauf hin, dass er über reichlich Reichtum und ein Interesse an Mode verfügt.

Auf Grund dieser Indizien gehe ich davon aus, dass er zu einer der wohlhabenderen Klassen gehört. Er wählt diese Kleidung, um seine religiösen/politischen Ansichten der Gesellschaft mitzuteilen, folgt aber auch den modischen Trends. Er ist wahrscheinlich ein Anhänger der puritanischen Kultur.

Das Gemälde trägt den Titel Mann in Schwarz. Gerard Ter Borch (der Künstler) hinterließ nur wenige Hinweise auf die Identität des Mannes, außer einer detaillierten Studie seiner Kleidung.

Das Tragen von Perücken kommt im 17. Es wird vermutet, dass dies auf die Tatsache zurückzuführen ist, dass Ludwig XIV. eine Glatze bekam und er aus Eitelkeit diese Praxis zur Erhaltung seines Aussehens aufnahm.

Allerdings beginnen die Männer, ihr Haar kurz zu schneiden (oder ganz abzurasieren) und große, fließende Locken anzunehmen. Gegen Ende der Periode werden einige dieser Perücken gepudert. Für den größten Teil der Restauration werden jedoch fast durchgängig natürliche Farben bevorzugt.

Beachten Sie den übermäßigen Bandschmuck in diesem Porträt. Die Spitzenrüsche an seinem Hals ist ein Beweis für die Entwicklung der Krawatte.

Im Jahr 1666 war Charles II. – frisch restaurierter König von England – kein Anhänger der exzessiven Mengen an Verzierungen und Volumen, die die frühe Kleidung der Restauration kennzeichneten, auch wenn dies eine Feier seiner Rückkehr auf den Thron war. In Absprache mit seinen persönlichen Schneidern übernahm er stattdessen einen neuen Kleidungsstil, von dem Kostümhistoriker behaupten, er sei der Ursprung des heutigen dreiteiligen Anzugs.

Dieser bestand aus einem langen, kragenlosen Mantel mit Ärmeln (Justacorps oder Surtout genannt). Darunter wurde eine Weste getragen, die in einer ähnlichen Linie wie der Justacorps geschnitten war. Auch sie war ärmellos. (Das Hemd wurde unter der Weste getragen). Der Saum der Weste war ein paar Zentimeter kürzer als der des Mantels. Die zu diesem Ensemble gehörenden Reithosen waren schmal, aber nicht eng. Sie verjüngte sich zum Knie hin. Wenn der Justacorps vom Hals bis zum Saum zugeknöpft war (was er konnte), war die Weste vollständig verdeckt. Die Hose lugte knapp unterhalb des Saums hervor. Knöpfe, die so dicht beieinander lagen, dass sie sich fast berührten, waren ein sehr häufiges dekoratives Merkmal.

Charles II. schwor, dass er diesen Kleidungsstil bis zu seinem Ableben tragen würde. Diesem Gelübde ist er natürlich nicht ganz treu geblieben. Sein Einfluss auf die Männertracht zieht sich jedoch durch den Rest der Kostümgeschichte. Von diesem Zeitpunkt an ist Frankreich nicht mehr der europäische Modeführer für Herrenmode. England steht im Rampenlicht.

Das Ensemble aus Justacorps, Weste und Reithose wird zur dominanten männlichen Silhouette. Spitzenbesatz, Stickereien und andere Formen der exzessiven Dekoration sind bei den Wohlhabenden immer noch zu finden. Allerdings ist die Gesamtsilhouette im Vergleich zu der der frühen Restauration viel zurückhaltender und maskuliner. Wenn die Mode im Gefolge der Restauration vor Exzessivität und Pomp explodiert (ein Ausdruck persönlicher Freiheiten), dann wird diese Aufregung nüchterner, wenn wir uns in den letzten Teil der Periode begeben.

Für den Rest des 17. und bis ins 18. Jahrhundert hinein folgt Frankreich den Linien der männlichen Silhouette, geht aber bei der Dekoration – Spitzen, Stickereien, Bänder usw. – immer noch viel weiter. Die französische männliche Silhouette wird immer etwas weiblicher wirken als die der Engländer.

Perücken werden zur dominierenden Kopfbedeckung unter den modischen Männern. Sie wachsen so hoch, dass es schwierig wird, Hüte zu tragen, obwohl die Etikette dies dringend nahelegt. Es wird zur gängigen Praxis, seinen Hut als höfliche Option unter dem Arm zu tragen. Hüte, die für diesen Zweck bestimmt sind, werden als Chapeau bras bezeichnet. Es waren Hüte mit einer leicht abgeflachten Krone, da sie nicht zum Tragen gedacht waren, sondern unter einem Arm getragen wurden. Der Herr links unten trägt einen.

Beide dieser Männer tragen ihre Justacorps vorne in der Mitte offen, so dass ihre Weste zum Vorschein kommt. Beachten Sie die breiten Manschetten – viel breiter als die Ärmel selbst. Dies ist ein übliches Merkmal der Justacorps. Die Ärmel enden weit vor dem Handgelenk und lassen die Rüschen am Hemd frei. Beachten Sie auch die Platzierung der Taschen. Sie sind oft nur ein paar Zentimeter vom Saum des Mantels entfernt platziert. Dies sind ebenfalls wichtige Merkmale der Restauration.

Der Herr auf der rechten Seite hat einen ziemlich großen Muff an seiner Taille hängen. Der Muff war ein übliches Accessoire sowohl für Männer als auch für Frauen in diesem Bereich. Sie sind in der Regel aus Pelz und bieten einen Platz für die Hände, in den sie hineinschlüpfen können, um sich zu wärmen.

Beide Männer tragen hochhackige Schuhe mit eckigen Zehen und einer hohen Lasche (oder Zunge).

Der Herr mit der langen weißen Perücke trägt einen altmodischen Stil, wenn man ihn mit zeitgenössischen Bildern vergleicht, vor allem wenn man bedenkt, dass dieses Porträt im Jahr 1711 gemalt wurde (dem Ende der Periode, die wir alsRestauration betrachten). Es ist einmal mehr ein Beweis dafür, dass Menschen trotz modischer Trends an dem festhalten, was ihnen gefällt. Die extrem gepuderte Perücke und die Krawatte sind praktisch die einzigen Einflüsse des frühen 18. Jahrhunderts, die hier am Werk sind. Der Rest seiner Kleidung ist charakteristisch für die Stile 50-60 Jahre zuvor. Er ist eine weitere modische Anomalie, mit der ich mich anzufreunden scheine.

Ich persönlich finde es bemerkenswert, dass an diesem Punkt der Geschichte Moden, die ich als eher feminin ansehen würde (Rheingravur, Bolero-Wams und blusiges Hemd), die Wahl für konservative Kleidung sind. Während die eher starre, reglementierte Linie (Mantel, Weste, Reithose) als topaktuelle Mode gilt. Es ist ein interessantes Spiel, das der Kontext spielt und eine lustige Tatsache, mit der man spielen kann, wenn man Restaurationskomödien für ein modernes Publikum inszeniert.

Die Politik der Restauration bringt ein neues modisches Attribut für Frauen mit sich – weibliche Sinnlichkeit. Die wahre Machtposition einer Frau ergibt sich nicht aus dem Status, die Ehefrau eines mächtigen Mannes zu sein, sondern aus der Tatsache, seine Mätresse zu sein.

Deshalb wird es für eine kurze Zeit Mode, eine Dame so darzustellen, als sei sie gerade in die Besenkammer gestürzt. Dieser Trend in der Mode des 17. Jahrhunderts, Damen in liegender Position zu malen und etwas ungepflegt und zerzaust zu erscheinen, wird als Dishabille/Deshabille (übersetzt „Entkleiden“) bezeichnet.

Diese Mätresse aus dem 17. Jahrhundert präsentiert sich in einem sehr sorgfältigen, bedächtigen Zustand der Entkleidung. Alles an ihrer Erscheinung ist weich, sinnlich und kraftvoll. Dies sind die Qualitäten, die die modischsten Frauen dieser Epoche charakterisieren.

Besonders zu beachten sind die Fülle und die Linie ihres Unterhemdes. Beachten Sie, dass der Ausschnitt ihres Mieders nicht nur ziemlich tief und tiefliegend ist, sondern auch nur knapp über der Schulter liegt. Viel mehr Haut ist oberhalb der Brustlinie freigelegt.

Beachten Sie ihre roten Lippen und Fingernägel. Diese sind nicht natürlich in diesem Farbton, sondern mit Kosmetika angemalt. Ihre Wangen sind aufgeraut. Möglicherweise trägt sie auch Foundation, um ihre begehrte Blässe zu betonen.

Ich nehme diese Bilder hier auf, allein weil ich ihre Geschichte interessant finde.

Einige Dishabille-Bilder, wie das Lely-Porträt links, gehen zu neuen Extremen. Die entblößte Brust (eine künstlerische Konvention, das versichere ich Ihnen) impliziert nicht, dass sie eine Dame von schlechtem Ruf ist. Stattdessen deutet es darauf hin, dass sie die Geliebte eines sehr mächtigen Mannes ist. Die Anwesenheit des Spaniels zu ihrer Linken (der rechten Seite des Betrachters) verstärkt diese Vorstellung. Diese besondere Rasse ist ein Symbol für die königliche Familie Stuart.

Die Frau auf dem Lely-Porträt rechts ist Elizabeth Jones Killigrew, älteste Tochter des 1. Earl of Raneleagh. Sie galt als eine der größten Schönheiten des Hofes der Restauration. Zum Zeitpunkt der Entstehung dieses Gemäldes (ca. 1679) war sie in den 1670er Jahren die Mätresse von König Charles II. Interessanterweise trägt das Porträt den Titel Elizabeth, Countess of Kildare. Sie heiratete den Earl of Kildare erst 1684. Möglicherweise wurde der Titel des Gemäldes geändert, um von ihrem Leben vor der Heirat abzulenken.

Die Logik sagt uns, dass es ziemlich schwierig wäre, mit vom Körper fallenden Kleidern herumzulaufen, wie es die vorangegangenen Bilder suggerieren. Die Weichheit und Sinnlichkeit des Dishabille-Looks beeinflusste jedoch die etwas konservativeren, aber zweifellos modischen Ehefrauen jener Zeit.

Beachten Sie den tiefen und weiten Ausschnitt, der auf den Schultern sitzt, und den weichen, zerknittert wirkenden Seidensatin, der für ihr Kleid verwendet wurde. Auch hier sehen wir rote Lippen und gerötete Wangen.

Genauso wie die männliche Mode, strafft sich die Silhouette in der zweiten Hälfte dieser Periode wieder. Vieles von der Weichheit (vor allem im Torso) verschwindet in den späteren Jahrzehnten aus der Damenmode. Die Silhouette ist viel architektonischer.

Zwei neue modische Innovationen, die diese neue Steifheit vorantreiben, sind der fontange/commode-Kopfschmuck und das neue mantua/manteau-Kleid.

Die fontange begann als eine Schleife, die dazu diente, den Pony aus den Augen zu ziehen (er wuchs nun aus dem Trend heraus, ihn während der Kavalier-Ära kurz zu schneiden). Die Schleife entwickelte sich schnell zu einer Reihe von Spitzenrüschen, die mit einem Metallrahmen auf dem Kopf gehalten wurden. Es hatte im Allgemeinen eine Länge von Spitze im Rücken, die herunterhing und das Haar bedeckte.

Das Manteau-Kleid war anfangs eher unpassend und wurde in einem Stück von der Schulter bis zum Saum geschnitten. Es war von einer orientalischen Mode inspiriert. Es entwickelte sich schnell zu einem Kleid, das durch Abnäher und vertikale Nähte in Form gebracht wurde. Eine horizontale Naht, die Mieder und Rock verbindet, gibt es nicht. Das Kleid nimmt ein jackenartiges Aussehen an. Es wird im Allgemeinen mit nach hinten gezogenen Röcken getragen (die die Modeste enthüllen) und oft auf dem Rumpf aufgetürmt. Dies schafft eine Silhouette, die die Bustle-Periode des 19. Jahrhunderts unheilvoll vorwegnimmt.

Durch ihre jackenartige Konstruktion ließen die Manteau-Kleider oft den Busen der Stege frei. An der Vorderseite des Kleides oder der Stäbe wurde ein dekorativer Stomacher angebracht, um das Unterkleid zu verbergen. Diese Stomacher waren austauschbar, und man konnte das Aussehen des Kleides leicht verändern, indem man einfach den Stomacher austauschte.

Wie wir hier sehen, kehrt die modische Platzierung der Taille in der Restaurationszeit zu einer natürlicheren Platzierung zurück.

Drei Beispiele für Röcke von Manteaukleidern und die bescheidenen Unterröcke, die durch das Zurückziehen der Röcke enthüllt werden.

Ich kann nicht anders, als zu denken: „Bustle, bustle, bustle“, wenn ich diese Bilder sehe.

Vollständig ausgeschnittene mantelähnliche Kleidungsstücke wie das hier in Rot gezeigte sind in einer Reihe von Porträts aus dieser Zeit abgebildet. Meistens werden sie in Szenen im häuslichen Bereich abgebildet. Man nimmt an, dass es sich um Kleidungsstücke handelt, die zu Hause getragen wurden, um eine Abwechslung zu den eng geschnürten „Straßen“-Kleidern bzw. zur Schwangerschaftskleidung zu schaffen. Ihre Fülle versteckt einen prallen Bauch recht gut.

Er trägt:

Ziehharmonika

Hemdkragen ist auf eine natürliche Größe zurückgeschrumpft.

Krawatte-über dem Kragen um den Hals gebunden-lockere Enden hängen unter dem Kinn.

Strümpfe und hochhackige Schuhe

Waistcoat-ähnlich geschnitten wie der Justacorps, der Saum hängt ein paar Zentimeter kürzer. Er hat höchstwahrscheinlich Ärmel.

Justacorps- 3/4 lange Ärmel mit einer großen Manschette, kann vom Halsausschnitt bis zum Saum geknöpft werden.

Reithosen- mäßige Fülle, endet knapp unterhalb des Knies.

Lange Perücke

Federhut

Sie trägt:

Chemise

Strümpfe und Schuhe mit Absatz

mindestens ein Geheimnis

Sie ist passend zur modischen Silhouette geschnitten – tiefer Ausschnitt und natürliche Taille.

Modeste

Manteau-Kleid – mit nach hinten gezogenen Röcken und einer „natürlichen“ Taille.

Eine Art Hut

Diese drei Damen demonstrieren die drei wichtigsten weiblichen Silhouetten, die während der Restaurationszeit in ganz Europa zu sehen waren.

Ich bezeichne diese Silhouetten als:

(von links nach rechts)

Modisches, Spanisches und schlichtes Kleid.

Die Länder, die unter jeder Dame in diesem Bild aufgeführt sind, geben die Regionen an, in denen diese Silhouetten am weitesten verbreitet sind.

Kurzübersicht

KLEIDERTYP: Maßgeschneidert. Doublet läuft aus und wird durch einen komplizierteren 3-teiligen Anzug ersetzt.

TEXTILIEN: Wie in der Kavalierszeit

SILHOUETTENFORM: Anfangs eine Explosion der Dekoration. Männer sind anfangs wieder eher dreieckig, Frauen eine Sanduhr mit übertriebenem Einfluss auf den Kopf. 1666 wird eine neue männliche Silhouette angenommen. Diese spiegelt die Damen wider: eine Sanduhr mit übertriebenem Einfluss auf den Kopf.

BASISKLEIDUNG: Männer: Hemd, Kragen, Wams (verblassend), Petticoat-Reithosen/Rheingräber. NEU: Schmalbeinreithose, Hemd, Weste, Surtout/Justacorps, Krawatte, Hüte, Perücken, Strümpfe, Schuhe. Frauen: gleiche Komponenten wie Kavaliere. NEU: fontage/commode.

MOTIONEN FÜR DIE KLEIDUNG: Status in Bezug auf Politik und Religion.

SCHLÜSSELERKENNZEICHNUNGEN: Wams im Bolero-Stil, übermäßig viel Stoff in Hemd und Hose, lächerlicher Grad an Verzierungen, Perücken mit vollem Po, erster dreiteiliger Anzug, der frühe Anzugmantel ist kragenlos und wird vom Hals bis zum Saum geknöpft, schließlich fügt der frühe Anzugmantel Taschen ein paar Zentimeter über dem Saum und große Manschetten hinzu, wobei die Ärmel kurz vor dem Handgelenk enden, Damen-Mantuakleider, die in „Bustles“ gezogen werden, Footage/Kommentar. Zunahme der „plain dressers“ in Rebellion gegen die Exzesse der royalistischen Stile.