Ursprünge und Entwicklung.
Die weitreichendste Neuerung in der Musik des Mittelalters war die Erfindung der Polyphonie – mehrstimmige Musik – ein Aspekt der westlichen Kunst, der in keiner anderen Kultur zu finden ist. Die Idee selbst entstand zweifelsohne Jahrhunderte früher als die frühesten schriftlichen Belege oder sogar die erste Erwähnung in theoretischen Abhandlungen. In ihren einfachsten Formen kann Polyphonie leicht improvisiert werden, zum Beispiel, wenn zwei oder mehr Interpreten gleichzeitig dasselbe Lied in verschiedenen Tonhöhen singen, und sie existiert in dieser Form immer noch in einer Reihe von Kulturen. Aber die Musiker in Europa entwickelten die Idee ein ganzes Stück weiter und verfeinerten die Praxis bis zu einem Grad an Komplexität, der nicht mehr improvisiert werden konnte, sondern eine lang durchdachte und berechnete schriftliche Komposition erforderte. Die einstimmige Musik, sowohl der Gesang als auch die weltlichen Kompositionen, wurde während des gesamten Mittelalters und noch lange danach aufgeführt, aber sobald sie erfunden war, drang die Mehrstimmigkeit in alle Formen ein – mit dramatischen Folgen. Sie fügte der sakralen Musik eine ganze Reihe neuer Werke hinzu, ergänzte den Gesang und ersetzte ihn sogar bei besonderen Anlässen. Etwas anders war die Wirkung in der weltlichen Musik, wo die polyphone Musik zum geschätzten Repertoire der Oberschicht wurde und einen musikalischen Klassenunterschied schuf, den es vorher nicht gegeben hatte.
Die frühesten Formen.
Unterweisungen und Informationen über die Polyphonie finden sich in theoretischen Abhandlungen bereits ab dem De harmonica institutione (Melodische Unterweisung), geschrieben von dem Mönch Hucbald um 900, und später erweitert und entwickelt in einer Reihe von Abhandlungen, einschließlich Micrologus (Kleine Diskussion), von Guido von Arezzo. Die Grundlage der Technik kommt von der Parallelbewegung, die von Hucbald als der Klang beschrieben wird, der entsteht, wenn ein Mann und ein Junge gleichzeitig dieselbe Melodie singen, jeder in seinem eigenen Bereich. Erweiterungen dieser Idee beinhalten Verfeinerungen, indem eine der Stimmen zu verschiedenen Zeiten von der exakten Parallele abweicht und so unterschiedliche Harmonien erzeugt, oder eine Stimme bewegt sich langsam, während die andere sich schnell bewegt und die Lücke mit ornamentalen Passagen ausfüllt. Alle diese Techniken sind als „Organum“ bekannt, und die frühesten schriftlichen Beispiele dieser Technik finden sich in Manuskripten aus dem elften und zwölften Jahrhundert aus England und Frankreich. Jahrhundert finden sich in Manuskripten aus England und Frankreich. Im zwölften Jahrhundert wurden im Kloster Saint-Martial in Limoges (Zentralfrankreich) weitere Experimente durchgeführt, bei denen zwei Musiklinien mit getrennten melodischen Profilen komponiert wurden, was zu ständig wechselnden Harmonien zwischen den beiden Teilen führte. An diesem Punkt lässt sich der eigentliche Beginn der komponierten Polyphonie, dem markantesten Merkmal der abendländischen Kunstmusik, festmachen.
Notre-Dame Organum und die Substitute Clausulae.
Mit dem Bau der gotischen Kathedrale Notre-Dame in Paris im zwölften Jahrhundert gingen markante und weitreichende Kompositionsversuche eines neuen polyphonen Repertoires durch zwei der Chorleiter der Kathedrale einher: Meister Leonin und Meister Perotin. Diese Kompositionen, Organum genannt, bestanden aus einem neu hinzugefügten Teil oberhalb des traditionellen Gesangs. Leonin (um 1135-1201) wird die Entstehung des Magnus liber organi (Großes Buch des Organums) zugeschrieben, das verschiedene Arten von innovativen Kompositionen enthält, darunter Organum-Abschnitte für Graduale, Alleluien und Responsorien für das gesamte Kirchenjahr. Leonins Organum-Kompositionen waren als Ersatz für die Phrasen des Klagelieds gedacht, die normalerweise von einem Solisten gesungen werden. Wenn Organum-Passagen auf einen Choral angewandt werden, ist das Ergebnis eine Unterbrechung der einstimmigen Darbietung mit einem Abschnitt, in dem eine schnelle Oberstimme von einem Solisten gegen die langen, getragenen Untertöne des ursprünglichen Gesangs gesungen wird, gefolgt von einer Rückkehr zum einstimmigen Gesang des Chors. Die neuen Abschnitte werden als Ersatzklauseln bezeichnet, weil sie den Platz einer bereits im Gesang vorhandenen Phrase (Klausel) einnehmen sollten.
Diskant.
Perotin, der Leonin als Leiter des Chors der Kathedrale von Notre-Dame folgte, ging den nächsten Schritt und fügte dem Ersatzrepertoire eine neue rhythmische Organisation der Noten des ursprünglichen Gesangs hinzu, mit einem viel geringeren Verhältnis zwischen der Anzahl der Noten im oberen und unteren Teil. Perotins Kompositionsstil, der Diskant genannt wird, bringt einen erhöhten Sinn für rhythmischen Fluss in die Substitutionsabschnitte. In der Aufführung würde daher ein Alleluja, in dem sowohl Organum- als auch Diskantabschnitte substituiert wurden, ein Format annehmen, in dem sich z. B. nur drei vom ganzen Chor vorgetragene Abschnitte des Klagelieds mit sechs Abschnitten von Organum oder Diskant abwechseln. Die Veränderung gegenüber der ursprünglichen Klageliederfassung des Halleluja bestünde darin, dass die Chorbeteiligung erheblich reduziert wurde, weil sowohl Organum- als auch Diskantabschnitte von zwei Solisten vorgetragen werden, von denen einer den ursprünglichen Gesang singt, während der andere die neu komponierte Organum- oder Diskantmelodie darüber legt.