Die 25 besten weiblichen Filmauftritte des 21. Jahrhunderts

Viel wurde über den Mangel an starken weiblichen Rollen im zeitgenössischen Kino und die problematischen Darstellungen von Frauen in vielen neueren Filmen gesagt, aber die letzten zwei Jahrzehnte haben viele Gegenbeispiele geliefert. Während es die Aufgabe der Autoren und Regisseure ist, starke weibliche Charaktere zu schaffen, sind es die Schauspielerinnen selbst, die diese Figuren zum Leben erwecken, und sie sind oft der Hauptgrund, warum wir immer wieder zu diesen Werken zurückkehren.

In keiner bestimmten Reihenfolge, unsere liebsten – und unserer Meinung nach besten – weiblichen Darstellungen des 21. Jahrhunderts.

Isabelle Huppert, „Elle“

Paul Verhoevens „Elle“ beginnt mit einem Lachen, das einem im Hals stecken bleibt: Eine Katze mit großen Augen blickt aus dem Off auf die Schreie eines Mannes und einer Frau in scheinbar orgiastischer Glückseligkeit. Dann kommt der Cutaway, der einen weitaus ruchbareren Vorfall offenbart: Michéle (Isabelle Huppert) mittleren Alters, die gerade von einem maskierten Angreifer auf dem Boden ihrer Wohnung vergewaltigt wird. Nachdem er aus der Tür geflüchtet ist, liegt Michéle einfach da und starrt an die Decke, und es ist nicht klar, ob sie traumatisiert oder fasziniert ist. So verhält es sich auch für den Rest dieses aufreizenden, provozierenden Films, in dem Huppert einmal mehr beweist, dass sie eine der größten lebenden Darstellerinnen des Kinos ist, mit einer mutigen Rolle, in der sie sowohl entsetzt als auch erregt von ihrem Vergewaltiger ist. Obwohl es sich nicht gerade um einen Rachefilm handelt, lacht Michéle am Ende, und das liegt vor allem an Hupperts beeindruckender Leinwandpräsenz – ganz zu schweigen von ihrer schieren Bereitschaft, sich darauf einzulassen. -Eric Kohn

Uma Thurman, „Kill Bill“

Viel wurde über die Charaktere geschrieben, die Quentin Tarantino sich ausdenkt, aber seine wahre Gabe ist seine tiefe Wertschätzung für seine Lieblingsschauspieler und seine Fähigkeit, Rollen zu kreieren, die alle Aspekte dessen freilegen, was sie auf der großen Leinwand so cool macht. Mit „Pulp Fiction“ enthüllte er bereits den Badass, der unter Thurmans authentischem, schrulligem Auftreten lauerte, aber die Idee, dass sie tatsächlich in den Arsch treten könnte – und zwar in dem Maße, wie sie es in den gesamten vier Stunden von „Kill Bill Vol. 1 & 2“ tut – war eine komplette Offenbarung. Thurman behält all das bei, was sie zu einer so einzigartigen Leinwandpräsenz macht, indem sie eine Frau spielt, die blutige Rache für unaussprechliche Schrecken sucht und sich dabei in eine Kampfsportexpertin verwandelt. Abgesehen von der rohen körperlichen Fähigkeit und der Bereitschaft, sich einem intensiven Training zu unterziehen, um eine solche Vielzahl von Kampfbewegungen zu erlernen, bringt sie eine körperliche Anmut, Humor und einen unwirklichen Sinn für Timing mit, um einen der größten Action-Helden aller Zeiten zu schaffen. -Chris O’Falt

Sandra Hüller, „Toni Erdmann“

Vielleicht nicht die größte Leistung von allen, aber fast nah dran: Sandra Hüllers vollmundige und vollmundige Darstellung der herrlich verklemmten Ines stellt sogar Peter Simonischeks amüsante Performance als ihr schrulliger Vater in den Schatten. Die wahre Freude an Maren Ades Festivalhit von 2016 ist, wie sie scheinbar verrückte Konzepte und platte Tropen – ein Mann, der im Grunde als lebender, atmender „Dad Joke“ fungiert, und die Tochter, die es einfach nicht kapiert – mit nichts als Überschwang und Herz auf die Leinwand bringt. Hüller erdet das Ganze von Anfang an, indem er die (verständlicherweise genervte) Ines sanft abwickelt, während die Geschichte immer verrückter wird, das Zentrum der Normalität, die Seele des ganzen Ausflugs, bis auch sie keine andere Wahl hat, als auszubrechen und ihre eigene Art von Verrücktheit zu umarmen. Nur wenige Filme haben so viele Höhepunkte zu bieten, vom unerwarteten Auftauchen eines Whitney-Houston-Songs bis hin zur charmantesten Nacktszene, die je verfilmt wurde, aber Hüller sorgt dafür, dass jeder einzelne davon wahr bleibt. -Kate Erbland

Paulina Garcia, „Gloria“

Als titelgebender Star von Sebastian Lelios bewegender Charakterstudie liefert Paulina García eine hypnotisierende Verkörperung der Frustrationen der Lebensmitte. Sie ist eine einsame, geschiedene Frau, die am Scheideweg ihres Lebens steht – bis sie einen romantischen Geschäftsmann entdeckt, der ihr helfen soll, wieder in Schwung zu kommen. Doch der Schein trügt, und als Gloria einen brutalen Realitätscheck erhält, verleiht García der Figur eine Mischung aus Trauer und Sehnsucht, die die Bühne für das mitreißende Finale bereitet. Eine der größten modernen Rollen für eine ältere Frau, die weiterhin als Inspiration und Herausforderung für die globale Filmindustrie dient, mehr davon zu schreiben. -EK

Jeon Do-yeon, „Secret Sunshine“

Lee Chang-dong-Filme sind reich an schauspielerischen Glanzleistungen – siehe auch Yoon Jeong-hee in „Poetry“ und Sol Kyung-gu und Moon So-ri in „Oasis“ – aber keine ist so umwerfend wie Jeon Do-yeon in „Secret Sunshine“.“ Ihr tränenreicher Auftritt ist die Verkörperung von Trauer und eine Erinnerung daran, dass die Art von Tragödien, die man sich nur bei anderen Menschen vorstellt, auch einen selbst treffen können und werden. Jeon wurde in Cannes als beste Schauspielerin ausgezeichnet für ihre Darstellung einer trauernden Witwe, die nach dem Tod ihres Mannes mit ihrem kleinen Sohn im Schlepptau in die Heimatstadt ihres Mannes zieht. Jeon sorgt dafür, dass wir alles, was sie tut, mitfühlen, was sich als ebenso kathartisch wie herzzerreißend erweist. „Secret Sunshine“ war in Südkorea sehr erfolgreich, wo Jeon weiterhin häufig auf der Leinwand zu sehen ist – wenn wir auf dieser Seite des Globus nur so viel Glück hätten. -Michael Nordine

Viola Davis, „Fences“

Paramount Pictures

Davis ist eine der seltenen Darstellerinnen, die auf der Leinwand brutzelt, egal in welcher Rolle. Jahrelang hat die Schauspielerin eine Karriere daraus gemacht, Charakteren Intelligenz und Menschlichkeit zu verleihen, die sich im Verborgenen abspielten. Deshalb ist es so eine Freude, sie endlich als sexy, furchtlose Hauptdarstellerin in Shonda Rhimes‘ „How To Get Away with Murder“ zu sehen. Doch die wirklich entscheidende Rolle für Davis – die alle ihre schauspielerischen Attribute in sich vereinte und ihr einen Oscar einbrachte – war die Rolle neben Denzel Washington in „Fences“. Davis ist als Rose die beständige Kraft, die eine Familie zusammenhält, in der die Männer von der schädlichen Kombination aus Stolz im Angesicht von Rassismus geplagt werden. Während Rose eine unendlich unterstützende Figur ist, war ihre Rolle alles andere als unterstützend (trotz der Preisverleihungen, die sie als solche bezeichneten). In ihrer großen Szene, als sie endlich die in ihr vergrabenen Emotionen in Worte fasst – indem sie ein wütendes Washington auf bebendes Schweigen richtet – packt sie den Film und lässt ihn nicht mehr los. Es ist ein Moment, der für die Bühne geschrieben wurde (und, ja, das hat Davis auch gemacht), aber einer, in dem Davis ihren scheinbar endlosen Tank leert und die Worte in pure Emotion auf der großen Leinwand verwandelt. -CO

Daniela Vega, „Eine fantastische Frau“

Es gibt nur wenige bahnbrechende Leistungen für Trans-Frauen in der Geschichte des Kinos, was Daniela Vegas herzzerreißende Performance in „A Fantastic Woman“ zu einem essentiellen Stück Filmgeschichte macht: Wie schon in „Gloria“ liefert der chilenische Regisseur Sebastian Lelio ein fesselndes Porträt trotziger Weiblichkeit, diesmal mit Vega als Frau, die am Tod ihres älteren männlichen Partners zerbrechen muss. Während seine Familie sie größtenteils ablehnt, bewahrt sie ihren unabhängigen Geist durch eine Reihe von Entbehrungen, während sie einen Weg nach vorne findet, wobei sie den Film allein mit ihrem grimmigen Blick trägt. Der Titel lügt nicht: In „A Fantastic Woman“ gibt Vega uns genau das in jeder Szene. -EK

Naomi Watts, „Mulholland Drive“

Es wurden schon unzählige Filme über Hollywoods Träume und deren harte Realitäten gedreht, aber noch nie wurden sowohl die Starallüren als auch die tiefe Verzweiflung von Los Angeles so perfekt in einer Darbietung zusammengeführt wie in Naomi Watts‘ Durchbruchrolle in David Lynchs Meisterwerk. In einer Rolle, die man als zwei Rollen bezeichnen könnte – die Handlung lässt sich nicht vollständig zusammensetzen – erweckt Watts die mit großen Augen ausgestattete Betty zum Leben, die bei ihrer Tante einzieht, nur um in das Geheimnis einer Amnesiekranken (Laura Harring) verwickelt zu werden, die sich in der Wohnung versteckt. Natürlich sollte Watts später ein großer Star werden, der oft starke, beständige Typen spielt (wie die geoutete CIA-Agentin Valerie Plame in „Fair Game“), aber wie wir kürzlich mit ihrem Auftritt in der neuen „Twin Peaks“-Folge erfahren haben, kann sie auch herrlich groß und ungefiltert werden und eine unglaubliche Bandbreite an Tönen zeigen. Sie hat die angeborene Fähigkeit, sich Lynchs einzigartiger filmischer Welt anzupassen und völlig authentische Momente des Staunens, der Sehnsucht und der Verzweiflung zu schaffen. -CO

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