Der einzige Hit der New Radicals, „You Get What You Give“, war heimlich einflussreich

In We’re No. 1 untersucht der A.V. Club einen Song, der auf Platz 1 der Charts eingestiegen ist, um der Frage auf den Grund zu gehen, was es bedeutet, in der Popmusik populär zu sein, und wie sich das im Laufe der Jahre verändert hat. In dieser Folge befassen wir uns mit „You Get What You Give“ von New Radicals, das am 8. Februar 1999 eine Woche lang auf Platz 1 der kanadischen RPM-Singles-Charts stand.

In der Zeit zwischen der kulturellen Sättigung von Grunge und der Dominanz von Nü-Metal war die Major-Label-Landschaft der alternativen Musik bemerkenswert schräg. Jason Hellers kürzlicher Artikel in der Week von 1995 über dieses Phänomen stellte fest, wie viele Underground-Bands willkommen geheißen und dann von den Rädchen der Industrie verschlungen wurden. Aber wie als Reaktion auf ihre Unfähigkeit, Jawbreaker, Seaweed und Hum in das nächste Nirvana zu verwandeln, begannen die Labels dann, bei der Förderung von Rockbands mehr in Richtung Pop zu tendieren. Obwohl diese Verschiebung die Mainstream-Popularität von süffigen Acts wie Third Eye Blind, Matchbox 20, The Verve Pipe und Smash Mouth erleichterte, wurde der moderne Rock nicht über Nacht komplett beige.

Die Weltsicht von Ben Folds Five reichte von sardonisch über sentimental bis hin zu bissig, während Semisonic, Fastball und Fountains Of Wayne Power-Pop machten, der klassisch klang, eingängig und intelligent war. Eine noch größere Anzahl von One-Hit-Wundern tauchte im modernen Rock-Radio auf, vor allem am Ende der 90er Jahre und bis ins Jahr 2000 hinein: „Sex And Candy“ von Marcy Playground, „Tubthumping“ von Chumbawamba, „Teenage Dirtbag“ von Wheatus, „Steal My Sunshine“ von Len, „Drinking In L.A.“ von Bran Van 3000, „Freak Of The Week“ von Marvelous 3, „Flagpole Sitta“ von Harvey Danger, „Into The Ocean“ von Fretblanket und „Better Days“ von Citizen King. (Swirl 360’s „Hey Now Now“ fühlte sich trotz seiner Präsenz in den Top 40 wie ein verlorener Alternative-Musik-Klassiker im Stile von Sloan und Fastball an.) Mit Ausnahme von „Flagpole Sitta“ wurden die meisten dieser Songs nie sonderlich einflussreich – tatsächlich verstaubte ein großer Teil dieser Bands in den Schubladen, versunken in ihrer eigenen Neuheit – aber sie machten die wimmelnde Unterwelt des Alternative-Rock-Radios weitaus interessanter.

Auf dem Papier unterscheidet sich „You Get What You Give“ von New Radicals nicht drastisch von vielen anderen One-Hit-Wundern der späten 90er Jahre. Die Melodie klingt luftig und aufmunternd, vor allem dank des hohen Falsetts von Frontmann Gregg Alexander. Musikalisch klingt es vage nach Alternative, zwischen den Korkenziehern der E-Gitarre und den optimistischen Klavierakkorden, die hier und da aus dem Mix hervorstechen, obwohl es genug von einem zugänglichen Pop-Glanz besitzt, um zu erklären, warum es am unteren Ende der Top 40 kratzte. (Der Song wurde von Rick Nowels mitgeschrieben, der später große Hits für Dido, Madonna und Lana Del Rey schrieb, und enthält Beiträge von Rusty Anderson, einem ehemaligen Mitglied von Ednaswap, der jetzt Paul McCartneys Gitarrist ist). Die Bridge enthält einen Spoken-Word-Abschnitt, den Alexander oft live in einen Beinahe-Rap verwandelt, als Anspielung auf die wachsende Verschmelzung von Hip-Hop und Rock in dieser Ära, während die eindringliche, halb gesprochene, halb gesungene Darbietung des Sängers im Refrain es einfach (und lustig) macht, mitzusingen.

Die Gesamtästhetik von New Radicals trug auch nicht zu dem Eindruck bei, dass es sich nur um ein weiteres flüchtiges, albernes Projekt handelte. Alexander wurde häufig mit einem gesichtsverdeckenden Fischerhut gesichtet (auch auf dem Cover des einzigen New Radicals-Albums Maybe You’ve Been Brainwashed Too, das seinerseits von einer sehr späten 90er Jahre grellen gelben Farbpalette dominiert wurde), während das Teenie-Film-ähnliche Video des Songs in einem Einkaufszentrum gefilmt wurde und sich auf rebellische Kinder konzentrierte, die sich gegen verklemmte Erwachsene auflehnen. Musikalisch jedoch orientiert sich „You Get What You Give“ an weitaus zeitloseren Epochen und Klängen, insbesondere an Blue-Eyed Soul. Die Produktion ist unglaublich detailliert – hören Sie genau auf das Schlagzeugrasseln im Intro oder die üppigen Keyboards und Gitarrenschattierungen, die leise unter der Oberfläche brummen – und hat eine makellose Balance der Instrumentalstimmen, ähnlich wie bei XTCs LP Skylarking von 1986. Alexander versuchte nicht, seine Stimme zu verdecken oder zu verzerren, und er war unverschämt ernst, sowohl in seiner respektlosen Weltanschauung als auch in seinen Texten.

Die Umstände, die dazu führten, dass New Radicals zu einem One-Hit-Wonder wurden, sind etwas anders als bei anderen Gruppen. Anstelle von kulturellen Kräften oder der Gleichgültigkeit von Labels entschied Alexander selbst, dass er es leid war, der Frontmann einer Band in der Mitte eines Albumzyklus zu sein: Im Juli 1999 löste er die Gruppe auf, kurz vor der Veröffentlichung der zweiten Single von Maybe You’ve Been Brainwashed Too, „Someday We’ll Know“. In einer Pressemitteilung kündigte er seine Absicht an, in die Produktion und das Songwriting für andere Künstler einzusteigen, während er gleichzeitig andeutete, dass er von dem ganzen Prozess, einen Hit zu landen, ausgebrannt sei.

„Ich werde nächstes Jahr 30 und habe erkannt, dass Reisen und jede Nacht drei Stunden Schlaf in einem anderen Hotel zu bekommen, um mit Radio- und Einzelhandelsleuten ‚abzuhängen und zu plaudern‘, definitiv nichts für mich ist“, schrieb er. „In den letzten Monaten hatte ich das Interesse daran verloren, als ‚One Hit Wonder‘ aufzutreten, bis zu dem Punkt, dass ich bei Auftritten einen Hut trug, damit die Leute meinen Mangel an Enthusiasmus nicht sahen.“ Getreu seinem Wort, hörte Alexander bis zu einem Interview 2014 mit der Presse auf und vertiefte sich in das Songwriting und die Produktion.

Alexanders Desillusionierung macht mehr Sinn, wenn man bedenkt, dass die New Radicals sein dritter Versuch waren, im Mainstream erfolgreich zu sein: Zwei Soloalben, „Michigan Rain“ von 1989 und „Intoxifornication“ von 1992, die über zwei verschiedene Labels veröffentlicht wurden, hatten keinen großen kommerziellen Erfolg. „Ich war zur Grunge-Zeit bei Epic, also habe ich mich geweigert, irgendwie wie Eddie Vedder auszusehen“, scherzte er Anfang 2015 gegenüber KROQ, obwohl er später im selben Interview sein Verschwinden ernster erläuterte:

Ich mochte das Touren, es hat Spaß gemacht, aber ich habe es wirklich vermisst, jeden Tag Songs zu schreiben und kreativ und ein Künstler zu sein. Ich hatte das Gefühl, dass Grind für mich persönlich vielleicht nicht das Richtige ist. Ich hatte zwei Platten herausgebracht, bevor die New Radicals-Platte abhob… Als ich endlich eine Hit-Platte hatte, war ich schon 12 Jahre dabei, also war ich schon bereit, mich zurückzuziehen.

In der Tat, auf einer Ebene fühlt sich „You Get What You Give“ fast wie Alexanders aufmunternde Worte an sich selbst an, um seinen kreativen Weg weiterzugehen. Der Text des Songs erinnert Träumer, die sich vom Glück verlassen fühlen, daran, dass sie besonders und fähig sind, selbst wenn sie pleite und verzweifelt sind („Don’t let go / You’ve got the music in you“), und ermutigt sie, trotz düsterer Zeiten durchzuhalten. Eine weitere Wegwerfzeile scheint sogar sein Verschwinden vorwegzunehmen: „Don’t give up / Just don’t be afraid to leave.“ Tatsächlich hat „You Get What You Give“ eine Menge subtiler Schichten. Der Anfang deutet auf erdrückende religiöse Kräfte und jugendliche Unbekümmertheit hin; später gibt es ein Plädoyer, nach Substanz zu streben, sowie einen schrägen Verweis auf romantische Solidarität. Selbst die wiederkehrende Phrase „Wir bekommen nur, was wir geben“ ist trügerisch einfach: Sie deutet auf tiefere philosophische und spirituelle Gespräche über den Einfluss, den das Leben eines Menschen auf die Welt hat, hin.

Dieser Optimismus wird jedoch durch das Ende des Songs gedämpft, das sich zu einer sehr spezifischen, bewussten Kritik an unterdrückenden Kräften entwickelt. „Bei dem Song ‚You Get What You Give‘ hatte ich als Experiment einen der politischsten Texte seit langer, langer Zeit, bis zu dem Punkt, an dem einige der Leute, mit denen ich arbeitete, entsetzt waren“, sagte Alexander 2014 in seinem ersten Interview seit 15 Jahren gegenüber The Hollywood Reporter. „In einem Popsong ging ich auf Krankenversicherungen und Korruption los – ‚Krankenversicherungsabzocker, die lügen‘; die FDA, die Food And Drug Administration, und die Heuchelei des Krieges gegen Drogen, der nicht real war; ‚Big Bankers‘ und Wall Street. Auf all diese Dinge in einem Popsong anzuspielen, war rückblickend ein naiv-verrücktes Unterfangen.“ Aber nicht nur, dass dieses versteckte politische Statement dem Song Gewicht verlieh, es hielt die Melodie auch 15 Jahre später noch relevant, weil die Themen, von denen Alexander sprach, immer noch dringende Anliegen sind.

Eine andere Gruppe von vorausschauenden Zeilen, die als nächstes in dem Song auftauchen – ein weggeworfener Diss über die Musiker Beck, Hanson, Courtney Love und Marilyn Manson: „You’re all fakes / Run to your mansions / Come around / We’ll kick your ass in“ – war ein Faktor, der zu seinem Ausstieg aus der Musikindustrie beitrug. Wie er sich in demselben Interview 2014 erinnerte, war er enttäuscht, dass diese mit Ruhm beschäftigten Zeilen Vorrang vor den anderen, pointierteren Texten hatten: „Zu bemerken, dass sich jeder auf den sogenannten ‚Celebrity-Bashing‘-Text konzentrierte, statt auf diesen Text, der von den Mächten handelt, die jeden unten halten… Das war etwas, das mich irgendwie desillusioniert hat.“ (Manson war aus einem anderen Grund verärgert, wie er 1998 MTV erzählte: „Ich spreche eine offene Einladung an den Sänger der New Radicals aus“, sagte Manson, „weil er so seltsam und spirituell ist, und er hat mich in einem seiner Songs herausgefordert. Viele Leute würden sagen: ‚Weißt du, gib ihm nicht die Aufmerksamkeit, denn das ist es, was er will.‘ Aber ich denke, ich werde ihm den Schädel einschlagen, wenn ich ihn sehe. … Ich bin nicht sauer, dass er gesagt hat, er würde mir in den Arsch treten, ich will nur nicht im gleichen Satz mit Courtney Love genannt werden.“

Die Aufmerksamkeit, die seiner Kritik am Ruhm zuteil wurde, unterstrich seine Abneigung gegen die Betonung der Kultur auf die Aufmerksamkeit von Prominenten, etwas, das in den kommenden Jahren nur noch intensiver und durchdringender werden würde. „Meine Lieblingskünstler – Prince, Van Halen aus der Roth-Ära, sogar Madonna, als sie noch bahnbrechende Arbeit leistete – waren für mich und meine Freunde ein Rätsel“, sagte Alexander 2014. „Das war ein Teil dessen, was ihre Arbeit fesselnd machte, war, dass wir ihre Meinungen nicht alle 30 Sekunden getwittert und auf Facebook geteilt haben. Ich wusste nicht, was Prince zum Abendessen aß, Gott sei Dank. Das war also etwas von dem, was ich idealisierte und von dem ich dachte, dass es in meinem Leben als Künstler präsenter sein würde.“

Auch wenn „You Get What You Give“ in den nächsten 15 Jahren im Bewusstsein des Mainstreams blieb, zog sich Alexander aus der Öffentlichkeit zurück, zumindest unter seinem eigenen Namen. Unter einem Pseudonym schrieb oder co-schrieb er große europäische Hits (darunter Sophie Ellis-Bextors „Murder On The Dancefloor“ und Ronan Keatings „Life Is a Rollercoaster“) sowie Songs für die Spice Girls, Mel C und Geri Halliwell, Boyzone und Enrique Iglesias. Zusammen mit Nowels schrieb er auch Santanas massiven, Grammy-gekrönten Hit „The Game Of Love“, der in seiner Demo-Form gar nicht so weit vom liebenswürdigen Stil der New Radicals entfernt ist, und war auch Teil eines Kollektivs namens „The Not So Silent Majority“, das zur Zeit der Amtseinführung des Präsidenten 2009 einen aufbrausenden Song namens „Obama Rock“ schrieb. In jüngerer Zeit schrieb Alexander zusammen mit Nowels und seiner langjährigen musikalischen Mitarbeiterin Danielle Brisebois Songs für den Film Begin Again aus dem Jahr 2013. Eines dieser Stücke, „Lost Stars“, wurde sogar für einen Oscar nominiert und verhalf ihm zu einer kurzen Rückkehr ins Rampenlicht. Die Schablone, die Alexander auf „You Get What You Give“ schuf, erwies sich als überraschend einflussreich auf die populäre Musik, nur auf eine nicht offensichtliche, fast verborgene Weise.

Doch auch die Haltbarkeit von New Radicals war überraschend lang. „You Get What You Give“ war in einer ganzen Reihe von Filmen zu hören, darunter 2000 in „The Flintstones In Viva Rock Vegas“ und 2004 in „Scooby-Doo 2: Monsters Unleashed“. Im Finale der dritten Staffel von Glee sangen die scheidenden Abschlussschüler den Song als Abschiedslied für die Unterstufenschüler, während Savoir Adore den Song 2013 für A.V. Undercover coverte. Die Band hat auch einige Superstar-Unterstützer: Hall & Oates hat „Someday We’ll Know“ mit Todd Rundgren gecovert, und die Mitglieder von U2 sind unverschämte Fans von Alexanders Arbeit (tatsächlich war Bono derjenige, der ihn Berichten zufolge mit dem Begin Again-Regisseur John Carney in Verbindung brachte). Die Band erhielt sogar den Stempel von Joni Mitchell: „Das Einzige, was ich in vielen Jahren gehört habe, von dem ich dachte, dass es Größe hat, waren die New Radicals“, sagte sie 2002 dem Rolling Stone. „Ich liebte den Song ‚You Get What You Give‘. Es war ein großer Hit, und ich fragte: ‚Wo sind sie hin?‘ Es stellte sich heraus, dass der Typ aufgehört hatte. Ich dachte: ‚Gut für ihn.‘ Ich wusste, dass er mein Typ ist.“

Alexander hat „Lost Stars“ ein paar Mal live aufgeführt, um die Oscar-Kampagne zu unterstützen, aber das scheint nicht seine Rückkehr zur Performance zu signalisieren. Was gut ist: „You Get What You Give“ zeigt, dass ein One-Hit-Wonder zu sein kein abwertender Begriff sein muss oder bedeutet, dass ein Künstler irgendwie unzulänglich ist; in manchen Fällen kann ein einzelner Hit auch ein definitives Statement eines bestimmten Projekts sein. One-Hit-Wonder geben jeder Musikepoche ihr unverwechselbares Timbre und ihre Richtung, und bieten eine kulturelle Erdung, einen Marker für das, was in der Gesellschaft zu einer bestimmten Zeit vor sich ging. Ein wirklich großartiges One-Hit-Wonder wie „You Get What You Give“ überdauert und entwickelt sich im Laufe der Zeit weiter und wird sowohl zu einem nostalgischen Artefakt als auch zu einem Song, der jede Ära überdauert.